25 najlepších krátkych filmov, aké boli kedy vyrobené
Existuje veľa ľudí, ktorí si nemôžu vyhradiť 90 až 120 minút denne na sledovanie filmu. Sú zaneprázdnení a majú rôzne úlohy, za ktoré sa môžu časovo trápiť. Krátke filmy sú pre takýchto ľudí dokonalým rozlíšením. Existujú ľudia, ktorí zvažujú alternatívy v rôznych umeleckých formách, ale milovníci hardcore filmu musia mať vizuálny filmový zážitok a ja som na tom konci spektra, verte mi, že viem, čím prechádzajú. Film alebo film je séria statických obrázkov, ktoré sa zobrazujú na obrazovke a vytvárajú ilúziu pohyblivých obrázkov. Neexistuje nijaké časové obmedzenie.
Ako zanietený študent musíte pochopiť, že všetko začína krátkym filmom, experimentom, ktorý meria váš vlastný talent a zároveň pobaví. Niektoré dobré krátke filmy ovplyvnili a definovali kinematografiu do istej miery, o ktorej si mnohí neuvedomujú, a zvyčajne vznešene zachytávajú esenciu kvitnúceho režiséra. S obmedzeniami po vašom boku a filmovou bezstarostnosťou máte vždy možnosť preskúmať krátke filmy a niektoré z najlepších filmov boli koncipované po krátkych filmoch. Na internete sú tisíce krátkych filmov, z ktorých nie všetky musia byť nevyhnutne kvalitné. Úlohou je vyhľadávať s minimálnymi informáciami, ktoré sú o nich poskytnuté, zjavne kvôli minimálnej expozícii.
Teraz, ako fanúšik hororu, vždy hľadám krátke nohavice, ktoré ma hrkajú a slúžia nielen na to, aby ma vydesili, musíte súhlasiť s tým, že skoky sú počas ich trvania iba napínavé, ale nemajú žiadny pamätný efekt. Psychologické alebo atmosférické horory sú zvyčajne to najlepšie zo všetkého a napriek pomerne nízkemu rozpočtu sú zložité, pretože si vyžadujú jemnosť techniky, zatiaľ čo touto technikou môže byť vizuálny obraz alebo príbeh alebo predstavenie.
Z toho vyplýva, že tu je zoznam najlepších krátkych filmov, ktoré vás kedy napadnú. Niektoré z týchto najlepších krátkych filmov si môžete pozrieť online na stránkach Youtube, Netflix, Hulu alebo Amazon Prime.
25. Kód 8
Program „Code 8“ vyrobili v roku 2016 Stephen Amell (Arrow) a Robbie Amell v réžii Jeffa Chana, ktorí vytvorili aj snímku „Operation Kingfish“, čo je skratka prequel série Call of Duty: Modern Warfare 2. Bratia Amell a Chan vytvorili tento krátky film film ako ukážka celovečerného filmu, ktorý si naplánovali a ktorý je zameraný na použitie tohto videa na získanie crowdfundingu ich projektu. Rozhodnutím ísť nezávislou cestou bolo vykonať úplnú kreatívnu kontrolu nad ich filmom, pretože miešanie výrobných domov s filmami bolo na prudkom vzostupe. Dôvod, prečo sa mi páčil, bol ten, že nejde naplno svojimi cyberpunkovými prvkami, spočíva niekde medzi naším svetom a filmom „Blade Runner“, podobne ako Carpenterov „Útek z New Yorku“. Film má tiež podobný koncept ako ‘X-Men’, pričom menšina zmutovaných ľudí čelí náporu výhradne represívnej vlády.
24. Jiminy
Ľudia oboznámení s postavou Pinocchia si musia byť vedomí Jiminyho kriketa, a odtiaľ pochádza aj jeho názov. Príbeh Pinocchia má teraz dve verzie, pôvodnú bezútešnú a znepokojujúcu a verziu Disney zmiernenú pre širšie publikum. ‘Jiminy’ je futuristická reimaginácia sveta, kde ľudia majú kriketové kontrolné čipy, ktoré im poskytujú alternatívu k dokonalosti každej úlohy. Čipy na povrchu sa zdajú byť veľmi užitočné a podporujúce ako Disneyho verzia, ale ako budeme postupovať, pochopíme rozsah ich kontroly nad myslením ľudí a ich deficit sa zmení na psychicky dutý.
23. Darth Maul: učeň
Keď som prechádzal rôznymi krátkymi filmami, bolo to meno, za ktoré by som sa za milión rokov všeobecne nezvolil. Fanúšik natočil film Hviezdne vojny z 21. storočia, dá sa od neho čakať len to najmenej. Ale bola som prekvapená kvalitou filmu a pravdu povediac, toto je jedno z najlepších živých akčných diel ‘Star Wars’, aké som videla. Ako fanúšik hviezdnych vojen som opovrhoval tým, ako sa Darth Maul obmedzuje na odrazový mostík pre hrozný vývoj Anakina Skywalkera. Tu uvidíme, ako zo šikovného bojovníka vyrastá sithský lord a zabíja pri tomto postupe podobu vágnej verzie Obi-wana a jeho učeníkov. Bojové scény sú veľmi dobre choreografické a prebiehajú s pohyblivosťou, ktorá sa očakáva od ľudí, ktorí sa tomuto umeniu venovali celý život.
22. Kung Fury
Neviem, čo ma po sledovaní filmu „Kung Fury“ viac osviežilo, pocta, ktorú vzdáva retro zábave z 80. rokov s jeho groovy syntetizovanou atmosférou alebo skutočnosť, že som nakoniec našiel zdroj memov „Hackermana“. Krátky film Davida Sandberga sa vpichne do fantastickej budúcnosti a tiež paroduje podobné filmy z retro éry. Kung Fury, náš hrdina je zasiahnutý bleskom, ktorý z neho urobí neprekonateľného bojovníka bojových umení. Nasleduje ďalšia vec, ktorej uveríte, iba ak si ju prezriete. Najlepšie sa film hrá v rozlíšení 240p, aby ste sa nechali pohltiť nostalgiou VHS, a ak to nestačí, urobí portrét aj jazdec rytier David Hasselhoff.
21. Frankenweenie
Nanešťastie som sledoval túto 30-minútovú klasiku Tima Burtona pred 21. storočím, keď som 90 minút sedel vo vytrhnutej verzii „Corpse Bride“. To bolo obdobie, keď Burton nezaplnil každý možný palec obrazovky paletou inšpirovanou expresionistickou érou. Tento krátky film dostal režiséra padáka, pretože Disney to považoval za nevhodné pre cielené mladé publikum. Funguje to ako novodobé vydanie Frankensteina so psom, ktorého vzkriesil jeho mladý priateľ so srdcom. Pes bol najvernejším priateľom človeka a od dospelých sa možno pýtať, koľko pre nich znamenali ich miláčikovia z detstva a či by urobili niečo pre záchranu. Aj keď sa dospelí môžu vyrovnať so smrťou, deti to nemôžu, a to dáva veľmi pevný základ pre účel filmu.
20. Nostalgist
Film „The Nostalgist“ môže skutočne vyvolať nostalgiu nad fanúšikmi filmu „A.I. Stevena Spielberga“. Artifical Intelligence “. Film sa odohráva v dystopickom svete, v ktorom môžu ľudia používať upravené priezory predstavujúce virtuálnu realitu. Film predstavuje puto medzi otcom a synom a prinútil ma zamyslieť sa nad tým, ako je pojem „otec-syn“ veľmi subjektívny. Jeden môže v skutočnosti druhého milovať a starať sa o neho ako otec a druhý mu môže odplatiť úctu, ktorá sa spája so synmi. Aj keď je to 17 minút, spolu s nedávnymi sci-fi filmmi tento album ignoruje to, čo sa považuje za „predpoklad“ vo vzťahu.
19. Som tu
Keď som bol dieťa, prečítal som si film Shelfa Silversteina The Giving Tree (Darujúci strom), a hoci som narazil na jeho rôzne verzie, žiadny z nich nie je taký vysoký ako krátky film Spika Jonzeho. Film „Som tu“ hviezdi Andrewa Garfielda ako robota vo svete, v ktorom s nimi zaobchádzajú ako s podradnými. Nie sú „zneužívaní“, ale pozerajú sa na ne ako na čudákov. Garfield’s Sheldon je introvert, ktorý žije monotónnym životom, pripomína Theodora z filmu ‘Her’, ktorý bol podľa neho založený. Sheldon sa zamiluje do ľahkomyseľného robota Francesca, ktorý je jeho opačným pólom, a film skúma jeho bezpodmienečnú lásku k nej. Na rozdiel od príbehu nie je Francesca sebecká, nakoniec sa dopustí nevinných chýb, ktoré pár stoja veľa.
18. Elektronický labyrint: THX 1138 4EB
Aj keď je George Lucas známy tým, že zahájil franšízu Star Wars, jeho debutový film „THX 1138“ zostáva jeho najlepším dielom a jedným z najlepších sci-fi filmov všetkých čias. Okrem toho, že bol mrazivým obrazom orwellovského sveta, film pomohol naštartovať kategóriu filmov, v ktorých sa prelínalo sci-fi so sociálnou satirou. „Elektronický labyrint“ je základom tejto funkcie a Lucas ju vytvoril pre svoj projekt filmovej univerzity. Aj keď to môže mať nedostatok kvality kvôli nízkym rozpočtom, Lucas získal prístup do obmedzených štvrtí námorníctva, a preto sa cíti ako projekcia vzdialeného sveta.
17. Výlet na Mesiac
Je to už 115 rokov, čo bol urobený Výlet na Mesiac, chvíľku času a ponorenie sa dovnútra. George Melies zobrazil vesmírne lety v roku 1902, desaťročia predtým, ako bola vôbec postavená prvá raketa schopná prekonať veľkú vzdialenosť, a viac ako pol milióna storočia predtým, ako niekto vôbec prišiel s dizajnom, ktorý by dokázal človeka poslať do vesmíru. Ak to nestačilo, na obrazovke dokonca zobrazil Marťana pripomínajúceho mimozemšťanov. Melies bol skutočným vizionárom a jeho práca naznačuje ranný surrealizmus a magický realizmus a jeho zamilovanosť do geometrie je takmer hypnotizujúca. Je k dispozícii v čiernobielom aj farebnom prevedení na YouTube. Prvému odporúčam, pretože ten druhý sa kvôli večnému procesu obnovy cíti okradnutý o autenticitu.
16. Jetee
Predpokladal som situáciu, predpokladajme, že Chris Marker videl La Jetee jedného dňa v miestnom divadle ako dieťa a po rokoch, keby ho poslali späť v čase a uvedomil by si, že bol jeho tvorcom, zmenil by spôsob filmu vyrobené? Počul som, že si nemohol dovoliť videokameru, a preto sa rozhodol zostaviť statické snímky, ktoré sa podľa mňa veľmi dobre synchronizujú s náhlym plynutím času z pohľadu protagonistu. Je zaujímavé, že podľa vlastnej tvorby nemohol, pretože bez ohľadu na to, ako je film vo veku neurčitý a metafyzický, cestovanie zo súčasnosti neexistuje. Vaša rovina existencie sa obmedzuje na súčasnosť, čo je pravdepodobne jediná dôležitá vec, pretože je to jediná vec, ktorá vás môže ovplyvniť. La Jetee je experimentálna, na filme nie je takmer nič realistické; premisa, proces, láska, všetko je len cvičenie klamania.
15. Alexia
Začína to „Alexia“, argentínska reprezentantka s dominujúcim sprisahaním o sociálnych sieťach a kybernetických hrôzach. Vyznačuje sa nadprirodzeným popisom udalostí, ktorý nemá vernosť, ale svoje nedostatky vyrovnáva veľkou pozornosťou venovanou detailom. Alexia bola dievča, ktoré spáchalo samovraždu po tom, čo sa s ňou jej priateľ (vedúci) rozišiel, a vidíme ho, ako prechádza jej profilom, čo je prejav viny a náklonnosti, ktorý pravdepodobne prebýva vo vnútri. Po konverzácii so svojou terajšou priateľkou online sa rozhodne Alexiu zrušiť, čo vedie k tomu, že jeho počítač bude mrznúť a správy od mŕtvej Alexie budú obsahovať obraz vytrhnutý z filmu „Ringu“.
Fotoaparát a strih sú fenomenálne, keď detailné zábery zachytávajú úplný zmätok v očiach elektródy a jeho zvyšujúcu sa úzkosť prostredníctvom prstov a oneskoreného pohybu kurzora. Uhly kamery a prepínanie sú mierne prehnané, vyžadujú si však náležitú pozornosť a podarí sa im vytvoriť zmätočnú náladu. Film je technicky veľmi dobrý a film VFX napriek jeho rozpočtu neklame intelekt publika, duch a snímka dúhovky sú pekné úspechy. Ukázalo sa, že Alexia nie je len vírus, ktorý pokazí počítač a vyhliadky na konci sú desivé a nútia vás zamyslieť sa nad osudom hlavnej úlohy. Scenár nie je ničím skvelým a spolieha sa na skoky, ale skutočný dopad filmu sa prejaví, iba keď ho spojíte na bežnejšej úrovni a myslíte na ňu bez toho, aby ste sa prikláňali k nadprirodzenému aspektu.
14. Usmievavý muž
Film „Usmievavý muž“ stavia dieťa proti diablovi a nemá nijaké superveľmoci ani schopnosti charakteristické pre hollywoodsky film. Nie. Dieťa je postavené tak, aby čelilo čistému zlu a zrodu teroru, pretože slovo „strach“ sa v detstve obmedzuje na duchov a čarodejnice. To všetko sa deje uprostred smrti. Nemám v úmysle diskutovať o zápletke, pretože nie je možné sa zamerať na dôležité body zápletky za jej 7-minútového behu, pretože by to úplne pokazilo zážitok.
Vniknutie je pre hororové filmy rutinnou témou a niektoré z nich nechávajú vyniknúť spôsob ich nakrúcania. Hneď na začiatku získate dojem prítomnosti nadprirodzenej sily, ale čo objavíte, je jej fyzické stelesnenie a nie plynné stvorenie alebo neviditeľná prítomnosť. Využíva každý trik v Knihe pre klaunov, aby prilákal dieťa k najnešťastnejšej udalosti a táto liečba nemusí spôsobovať skoky, ale vyrušuje vás to a hororový film funguje, až keď vám v mysli pretrvá, až keď skončíte to. Tento film nie je predpísaný pre žiadnu osobu, ktorá má tendenciu sa usadiť v spoločnosti klaunov.
13. Vzal si pre mňa kožu
Ak by sme to uviedli iba pod hrôzu, bola by to škoda. Toto je časť zoznamu, kde necháme opotrebovaný konvenčný horor stranou a zameriame sa na horor vyvolaný hmotou a jej realistickými kvalitami. Dvanásťminútový krátky film sa drží svojho názvu a zameriava sa na muža, ktorý si stiahne kožu, aby dokázal svoju lásku k svojej priateľke. Protagonista bez kože, podporený fantastickým líčením a nulovým využitím CGI, je pohľadom (z hľadiska techniky pre divákov a emocionálne pre jeho priateľku, ktorá nedokáže vyjadriť svoju reakciu na jeho ohromujúcu krásu). Chlapík bez kože sa vám dostane pod kožu (zamýšľaná slovná hračka), ale to sa pomaly vyčerpáva prijatím páru do situácie, ktorá funguje naozaj dobre ako temná komédia. Ďalej vo filme rastie napätie a výstrelok sa začína opotrebovávať a zanecháva po sebe všade stopy, stopy, ktoré už nechcú cítiť, pretože už s nimi nie sú spokojní.
Film je pôvabný s bezchybným písaním, herectvom a prácou s kamerou (veľmi detailné sú scény so smaženým mäsom a dlhé zábery po celom dome) a dá sa interpretovať ako metafora transparentnosti. Keď si olovo stiahne kožu, odhalí všetko a zostane úprimný k svojmu vzťahu tým, že sa otvorí, hoci jeho partner mu to neoplatí. Na začiatku sú dôvernejšie s pravdou, ktorá zvyšuje ich puto, ale ako čas postupuje, všimneme si v ňom samoľúbosť, pretože jeho partner pomáha iba pri riešení jeho záležitostí, ale nikdy ho nenasleduje, až do okamihu, keď medzi nimi existuje zjavné napätie, ktoré vedie k šokujúca posledná scéna.
12. Canis
Canis je hororový krátky hororový film o zastavení pohybu, ktorý sa točí okolo chlapca uväzneného v dome obklopenom psami, ktorý by bol dokonalým miláčikom pre ghúlov v snímke „Noc živých mŕtvych“. Je to pochmúrne, srdcervúce a je veľkým NIE pre ľudí, ktorí nemôžu vystáť násilie, pretože je to nemysliteľné skúmanie krviprelievania, ale toto by vás nemalo nechať odlákať od majstrovského diela, ktorým je. Prostredie sa cíti postapokalyptické kvôli bodom prežitia, ktoré sa týkajú sprisahania, ako je konzervácia potravy, ruiny civilizácie, narodenie človeka, besnenie zvierat a vyblednutá monochromatika.
Postavy boli vyrobené z drôtu, textílie a dreva a boli oživené (veľmi drsné tvrdenie) technikami stop motion od Anny Solanas a Marca Ribu. Napriek svojmu nihilistickému tónu má koniec, ktorý ho oprávnene klasifikuje ako rozprávku, pričom „vílová“ časť je dominantná ako štipka krvi v oceáne. Príbeh budúceho veku, ktorý by dostal „R!“ hodnotenie zaoberajúce sa znásilnením, druhovou dysfóriou, vraždou milovaného človeka, ľudožrútmi a odseknutými časťami tela je to niečo iné ako film pre deti. Technicky to môže vylepšiť iba výber číslo 1 na tomto zozname s bezchybnými podrobnosťami o produkcii a zvukovom dizajne. Každá jazva je rozrezaná s dokonalým množstvom šialenstva a jediný pohľad môže sprostredkovať príbeh za ňou.
Keď prejdeme k deju, Teo prežije so svojím psom a starcom (ktorý by mohol byť jeho starý otec) a ťažko sa vyrovná s gravitáciou situácie, v ktorej uviazli. Všetko sa zmení, keď chyba vedie k jeho smrť strážcu na čeľustiach divokých psov a musí zintenzívniť svoju ochranu a svojho psa zabitím votrelcov. Znásilní ho žena, ktorá sa prezlečie za psa, aby prežil, a musí sa uchýliť k jedeniu psieho mäsa, zatiaľ čo jeho psa vidíme čoraz viac nepokojného a divokého kvôli nepriazni osudu a jedinou vecou, ktorá ho oddeľuje od ostatných jedákov, je púhy vzhľad. Príbeh sa odvíja do dokonca grotesknej a tiesnivej fázy, ktorá konečne naznačuje zavŕšenie Teovej premeny na muža, pripraveného chopiť sa sveta.
11. FUCKKKYOUU
Film „FUCKKKYOUU“ je znepokojujúci surrealistický film a svedčí o vplyve lynchiánskeho hororu. Tento film je zrnitý v monochromatickom štýle s rozmazanými víziami a partitúrou filmu Flying Lotus hrajúceho symfónie filmu „Eraserhead“. Na tento film by bol Lynch hrdý. Film začína orientáciou pripomínajúcou hororové pohyby z 30. a 40. rokov a znetvoreným stvorením pripomínajúcim ‘The Elephant Man’. Bolo pre mňa ťažké zostaviť teóriu vysvetľujúcu udalosti a moje mozgové bunky boli úplne priťahované prvkom prekvapenia a musel som odkazovať na virtuálne zdroje. Film sa v podstate točí okolo humanoidného tvora, ktorý bojuje so svojou identitou a pohlavím, keď čelí odmietnutiu, ku ktorému dochádza prostredníctvom vzájomne sa meniacich časových období. Minulosť je minulosťou po tom, čo ju zvrátila injekcia, ktorú sme si ukázali na začiatku.
Film je naplnený vrieskanou bolesťou a zavýjajúcim zúfalstvom. Bezduchá hudba je skutočne schopná vyrušiť každého iného príčetného človeka. Názov filmu je vtipom zvnútra a vznikol počas relácie, kde Flying Lotus náhodne rušil melódie a jedna z nich znela ako „F * ck you“. Dá sa to interpretovať aj ako posledný výkrik zmutovanej bytosti, ako vhodná odpoveď na tie rastliny, ktoré sa cez neho trhajú. Keďže som bez slov, môžem vás požiadať, aby ste si to sami overili, pretože táto skúsenosť je strhujúca a hoci z toho nakoniec nebudete mať nič, vyfúkne vám to mozog. Dajte mi slovo!
10. Cutting Moments
„Cutting Moments“ by som zaradil na zoznam o niečo vyššie kvôli jeho veľmi rušivým vizuálnym a tematickým témam, ale „veľké oholenie“, ktoré bolo hlavnou inšpiráciou, malo väčší vplyv v čase, keď sa iba Peckinpah odvážil použiť červená farba viac, ako sa považovalo za normálne. Cutting Moments sa točí okolo americkej rodiny, ktorá zvonka vyzerá normálne; muž, jeho manželka a ich syn, ale trpí problémami, ktoré trápia značné množstvo rodín v západnej spoločnosti, čo vedie k titulkom, z ktorých sa trasiete.
Sarah a Patrick žijú s potlačenými emóciami a uprednostňujú izoláciu, keď Patrick úplne popiera Sarahinu existenciu. Chlad medzi nimi je na fyzickej aj emočnej úrovni, keď Patrick počas udalosti, ktorá je nejasne prezentovaná, zmenil svoje sexuálne pudy na svojho syna. Sarah sa snaží obliecť eroticky, aby potešila Patricka, ale keď tento pokus zlyhá, urobí to aj jej psychická stabilita. V úplne rozbitom stave sa ako posledná možnosť vyžíva v silnom mrzačení, po ktorom nasledujú udalosti, ktoré sú jednoducho nemysliteľné a ktoré by do istej miery ovplyvnili „antrichistu“ Larsa von Triera.
9. Veľké oholenie
Prvý krátky film Martina Scorseseho je dokonalým predhovorom k jeho kariére. Hádaný so svojím typickým katolíckym extrémistickým podtextom hriechu, fyzického umŕtvovania a vnútorného boja medzi vierou a realitou, ktorý sa prekrýva s témami násilia, usilovnosti a napätia. Celý film je umiestnený v kúpeľni a za jeho 5-minútovú dobu filmu „Veľké oholenie“ je zapojený muž, ktorý si dvakrát pení svoju tvár, raz so zámerom zbaviť sa chĺpkov na tvári a druhýkrát so zámerom zbaviť sa. sám seba. Je to experimentálne a je tu príliš veľa záberov z blízka, ako by to Scorsese bežne používal, ale vyvažuje to medzi priamym (zrkadlo) a nepriamym (holiaca čepeľ) predstavením aktu, čo mu dáva odlišnú identitu od honosného filmu o hippies .
Teraz budem diskutovať o zápletke, pretože funguje ako metafora skrytá v alternatívnom názve „Viet 67“, ktorý bol uvedený v záverečných titulkoch. Viet 67 je odkazom na vojnu vo Vietname, veľmi kritizovaný problém v čase, keď bola natočená, s jasným obrazom vojny a odhalenia prezidenta Johnsona v krajine. Samomrzačenie odráža sebadeštruktívne zapojenie USA do vojny, ktoré malo za následok stratu 1 milióna amerických životov, mužov, ktorí boli normálnymi ľuďmi ako publikum a mali minimálne vedomosti o udalostiach, ktorým museli čeliť.
8. Sviatostná melodráma
Absolútne nechutný a odporný kúsok kina. Melodrama Sacramental je 17-minútová nahrávka rovnomennej hry Alejandra Jodorowského s jeho divadelnou skupinou The Panic Movement. Skupinu možno považovať za kultovú a jej motívom bolo dosiahnuť to, čo Bunuel a Dali v 20. rokoch dosiahli šokujúcim publikom a oživením surrealizmu, z ktorého sa stala malomeštiačka. V hlavnej úlohe hral Jodorowského oblečeného ako motocyklista a predstavoval ho, ako si podrezal hrdlá dvom husiam, prilepil si dva hady na svoju hruď a nechal sa vyzliecť a zbičovať. Medzi ďalšie scény patrili nahé ženy pokryté medom, ukrižované kurča, inscenovaná vražda rabína, obrovská vagína, vrhanie živých korytnačiek do publika a marhule v konzerve.
V maskovaní originality tento krátky film zahŕňa krutosť na zvieratách a sexuálnu abstrakciu, ale na rozdiel od Bunuelových diel je nakoniec taký surový, nešokuje ani nepožičiava svoj surrealistický pátos umeleckej forme. Funguje to ako „Human Centipede“ alebo „A Serbian Film“, aby ste pomocou nezmyselného fyzického hororu nič nedosiahli, a to je veľmi drvivým dôkazom neobvykle veľkolepej vízie Jodorowského, ktorú sprostredkovali filmy „El Topo“ a „Svätá hora“. Nepáči sa mi to, citujem Ricka Blaina: „Keby som si to myslel, myslel by som si,“
7. Šesť mužov chorých, šesťkrát
David Lynch Prvým filmom, ktorý bol natočený v rozpočte 200 dolárov, bol krátky animovaný film, ktorý mu vyniesol Pamätnú cenu na súťaži experimentálnej maľby a sochy jeho filmovej školy. Film pozostáva z animovanej maľby, ktorá zobrazuje šesť dysmorfných postáv, ktoré sa postupne opakujú so zvukom slučky sirény v pozadí. Kritici ho opísali ako užitočnú paradigmu pre Lynchov naratívny zmysel, pričom mnohí poukazujú na podobnosti, ktoré má s „Eraserhead“.
Skutočná zápletka (kvôli pohodliu) trvá minútu a stav postáv sa transformuje. Zviditeľnia sa ich vnútorné orgány a žalúdky sa naplnia pestrofarebnou látkou, ktorá cestuje až k ich hlavám a spôsobuje ich zvracanie. , a toto sa hrá štyrikrát, aby sa zohľadnil jeho 4-minútový čas chodu. Všimnite si neobvyklé zdanie, úmysel znechutiť (zvracať), použitie fyzickej hrôzy (zobrazenie vnútorných orgánov), dunivý zvukový dizajn, ktorý bol prítomný v jeho starších filmoch a zábavná časť je, že po sledovaní môžu byť niektorí diváci chorí alebo dezorientovaní toto a ľudia, ktorí sú s tým v poriadku, nech už je to tak, žartuje na vás a vy zastupujete tých šesť chorých ľudí.
6. Láska existuje
Maurice Pialat, aj keď sám o sebe majster filmu, sa vyhol širokej reputácii rovnako, ako sa vyhol predchádzajúcim filmovým pravidlám. Avšak tí, ktorí poznajú jeho prácu, ocenia, aký jednoznačný je jeho vplyv na nespočetné množstvo moderných filmov. Je ťažké zaradiť Pialata do konkrétnej kategórie, pretože jeho filmy vychádzajú z realizmu tak nesentimentálneho a emocionálne hustého, že pôsobil formalisticky. Jedným z jeho prvých diel je 20-minútový dokumentárny film L’Amour Existe, ktorý je jeho komentárom k rozrastaniu sa miest v povojnovom Francúzsku a jeho triednym konfliktom. Konštruuje rozprávanie o nepríjemnej realite parížskeho vývoja, pri ktorom sa predmestia rozpadajú v nedbanlivosti, s komentárom Jean-Loupa Reynolda. Pialat s prepracovanou trpezlivosťou zdôrazňuje, aký pochmúrny bol život na predmestí v povojnovom období, keď reklama prevzala realitu a ľudia prijali materialistický a nudný život.
L’amour Existe tiež poukazuje na to, ako sa parížska stredná a vyššia vrstva teší lepšiemu vzdelaniu nielen akademicky, ale aj kultúrne, zatiaľ čo predmestské deti nemajú prístup do divadiel alebo koncertných sál. Pialat popisuje nové bytové budovy, ktoré rýchlo vznikli, ako „koncentračné tábory“ s malými vodorovnými oknami, z ktorých sa nie je na čo pozerať. Tento krátky film získal ceny na filmovom festivale v Benátkach a na súťaži Prix Lumieres. Maurice Pialat nakrútil mnoho skvelých filmov ako A Nos Amours a Sous le Soleil de Satan, ktoré získali Zlatú palmu v Cannes.
5. Cigarety a káva
Aj keď Cigarety a káva boli iba P.T. Anderson Druhýkrát za kamerou, to mi v žiadnom prípade nepripadá ako amatérska práca. Film sa odohráva takmer celý v reštaurácii a procedurálne sa nám predstaví päť postáv, ich príbehy a poznámka 20 dolárov, ktorá ich spája. Je tu napätý a nervózny muž, ktorý rozpráva svoj príbeh a hľadá pomoc u komponovanejšieho starého priateľa, ktorý veľmi dbá na to, aby počkal, kým sa naleje káva a zapália cigarety, inak nebude mať rozhovor skutočný význam. V druhom stánku je pár na svadobnej ceste, ktorý stratil všetky svoje peniaze po tom, čo ich manželka nafúkla na hazard. O chvíľu neskôr vošiel do reštaurácie tienistý muž, ktorý zdanlivo nesúvisel s ostatnými. Keď si však účet 20 dolárov razí cestu od jednej z postáv k druhej, dozvieme sa, že môžu byť navzájom prepojené.
Táto 23-minútová skratka má dostatok príbehu na film pred ním a ďalší po ňom. Dialóg, rámovanie a kamera vo filme ukazujú, že ho robí niekto, kto presne vie, čo chce. Najvýraznejšou črtou tohto filmu je použitie sledovacieho záberu na prerušenie scény. Herectvo v tomto filme je tiež obzvlášť dobré. Anderson neskôr tento krátky film adaptoval a rozšíril na celovečerný hraný film „Hard Eight“ - svoj úplne nový počin.
4. Šesť strelca
Martin McDonagh, ktorý režíroval snímky In Bruges and Seven Psychopaths, začal ako prvý nakrútením 27-minútového čierneho komediálneho filmu v Írsku s názvom Six Shooter, ktorý získal Oscara a je jedným z najznámejších krátkych filmov zo všetkých. čas. Je takmer prekvapujúce, ako dokáže film tak veľmi zaťažený smrťou a osobnými stratami pôsobiť tak vtipne a zároveň expresívne. Krátky film je mimoriadne dobre spracovaný a inteligentný, takže sa humor odlišuje od amerických aj britských značiek čiernej komédie. Vyplýva to zo starnúceho muža Donnellyho, ktorý práve stratil manželku, a po ceste späť z nemocnice sa ocitne s bláznivým dospievajúcim chlapcom, ktorého matka práve zomrela. Vedľa nich sedí pochmúrny pár, ktorý práve prišiel o svoje novonarodené dieťa.
Toto zdanlivo pochmúrne prostredie však čoskoro naberie temnejšie obrátky a veci sa stanú chaotickejšími a zábavnejšími súčasne s odhaleniami vraždenia, samovrážd, prestreliek s políciou, výbuchov kráv a úmrtí domácich miláčikov. Každý, kto pozná ďalšie filmy spoločnosti McDonagh, nebude potrebovať ďalšie dôvody na to, aby si toto majstrovské dielo pozrel. Tento film však tiež vytvára nevyhnutné sledovanie pre každého, kto má rád inteligentnú čiernu komédiu, čo v preklade znamená všetci.
3. Koketná žena
Jean-Luc Godard, pravdepodobne najplodnejší zo všetkých režisérov novej vlny, natáča filmy od 50. rokov s rovnakou vynaliezavosťou ako kedykoľvek predtým. Doteraz režíroval viac ako sto filmov vrátane filmov Opovrhovanie, Dych bez dychu a Band of Outsiders. Godard však svoju režijnú púť začal menej známym krátkym filmom Une Femme Coquette v roku 1955. Na základe príbehu Maupassanta sleduje 9-minútový čiernobiely krátky film vydatú ženu, ktorá je zrazu v pokušení flirtovať s cudzinec po tom, čo videl, ako prostitútka pôvabne priťahuje ľudí z okna nad ulicou. Mimoriadne na ňu urobí dojem elegantný spôsob, akým žena priťahuje cudzincov - s neformálnym, ale príjemným úsmevom, ktorý by pokojne mohol znamenať „Aký krásny deň!“.
Keď bola toho svedkom, impulzívne sa rozhodla koketne usmiať na najbližšieho muža, ktorého vidí. Une Femme Coquette pripomína ďalšie rané Godardove diela - s pozitívnym soundtrackom, poháňaným artikulovaným dialógom, širokouhlými zábermi a trochu rýchlou úpravou. Keď sa film objavil na stránkach YouTube, donedávna sa o ňom dlho myslelo, že je stratený. Krátky film tiež obsahuje portrét 24-ročného Godarda, čo by malo byť dostatočným dôvodom na to, aby si ho cinefili overili. (Sledujte to tu )
2. Električka
Krzysztof Kieslowski natočil Tramwaj, jeden z najlepších krátkych filmov, ešte ako študent filmovej školy. V tomto 5-minútovom filme sledujeme v zimnej noci mladého muža, ktorý nasadá do električky, v ktorej si všimne sedieť samé krásne mladé dievča. Ich oči sa stretnú, dievča vyzerá spočiatku nepokojne, ale pomaly sa zahrieva na jeho prítomnosť, keď zatvára dvere električky a vidí, ako ju vzduch ochladil, a potom začne detsky žuť kocku cukru. Než sa však mohlo niečo stať, električka dorazí k mužovej zastávke a on ju nastúpi. Okamžite ľutuje, že zmeškal taký vhodný okamih, a premôže ho túžba priblížiť sa k dievčaťu, a tak beží za električkou v nádeji, že ju chytí. Na samom začiatku sme videli, ako muž stojí sám v klube, kde všetci tancujú, a zdá sa, že sa nebaví. Pravdepodobne nemá veľké šťastie na dámy, a preto musel cítiť ťažký nárek, a teda aj jeho impulzívny beh.
Takmer každý z používateľov aspoň raz pocítil podobné teplo pri pohľade na náhodného cudzinca, niekoho iného ako ostatných, niekoho tak príťažlivého, že ho chceme spoznať. Rovnakú ťažkosť vyjadril aj pán Bernstein v dokumente Občan Kane, keď rozpráva, ako si stále pamätá dievča, ktoré ako mladú videl iba na sekundu, oblečené v bielych šatách na trajekte. Krátky film robí zaujímavým okrem zápletky aj majstrovskú šikovnosť Kieslowského za kamerou a jeho veľký talent na rozprávanie. Kieslowski sa odvtedy stal jedným z najväčších mien arthouse kina a vytvoril vynikajúce diela ako The Dekalog a trilógia Trois Couleurs.
1. Andalúzsky pes
Andalúzsky pes je plemeno, ktoré má pôvod v Španielsku, rodisku Luisa Bunuela a Salvadora Dalího, dvoch tvorcov tohto monumentálneho krátkeho filmu. Na Pyrenejskom polostrove sa nachádzajú jaskynné maľby predstavujúce psy so silnou podobnosťou s týmto plemenom. Úprimne povedané, prvok hmlistej reality z jaskynných malieb je jediná vec, ktorú si film od andalúzskeho psa požičiava. Aj keď surrealistické hnutie začalo už v 20. rokoch, nepodarilo sa mu pritiahnuť pozornosť na celom svete a Bunuel-Dali to dosiahol šokovaním publika vizuálmi, ktoré nesymbolizovali nič iné ako potlačenie tvorivosti.
Už od úvodného detailného záberu, do ktorého je zapojený samotný Bunuel a ktorý rozrezáva oko ženy pomocou rozliateho sklovitého humoru, ktorý mieša vaše mozgy, až po posledný obraz mŕtveho páru zakopaného v plážovom piesku, film nikdy nezníži svoju intenzitu raz, a hoci jeden Ak by sme mohli polemizovať o absurdnom vzore scén, ktoré tomu napomáhajú, je dôležité si všimnúť, ako sú usporiadané spôsobom, ktorý im dáva priaznivú kontinuitu. Techniky a obrazy hrôzy tela vo väčšine scén boli študované a použité v nespočetných ďalších filmoch postavených na snoch alebo hororových témach. Najvýznamnejšie príklady sú napríklad „Oldboy“, „Spellbound“, „Quills“ a „The Blood of a Poet“. Aj keď nespočetné množstvo kritík prijalo rôzne teórie na vysvetlenie udalostí filmu, obmedzuje sa na slovo „teória“ a Bunuel sa mu vysmial z akéhokoľvek prijateľného vysvetlenia.