100 najlepších filmov všetkých čias

Alejandro Jodorowsky Prullansky, slávny čílsko-francúzsky filmový režisér, básnik, dramatik a hudobný skladateľ, raz povedal: Vždy som si myslel, že zo všetkých umení je kino to najkompletnejšie umenie. Súhlasím. V mnohých ohľadoch je kinematografia v skutočnosti zlúčením všetkých ostatných dôležitých umeleckých foriem: maľby, písania a hudby. Nie je náhoda, že kinematografia je zároveň najmodernejšou formou umenia. Koniec koncov, evolúcia iných umeleckých foriem bola nevyhnutná pre vznik kina. Skutočnosť, že zostáva najobľúbenejšou formou umenia takmer od okamihu, keď vznikla, vám hovorí o jeho sile aj slabosti: je ľahko prístupný, a preto je komerčnejšie.

S ohľadom na to vám s radosťou predstavujem zoznam The Cinemaholic’s 100 najlepších filmov všetkých čias . Predtým, ako začnete skúmať náš zoznam 100 najlepších filmov, ktoré boli kedy natočené, pripomeňme si ešte raz, že zoznamy zo svojej podstaty nikdy nie sú dokonalé. Takže netvrdíme, že je to Svätý grál v zozname absolútne najlepších filmov na svete. Môžem vás však uistiť, že zostavenie tohto zoznamu si vyžiadalo veľa výskumov. Zvažovali sa tisíce filmových titulov a diskutovalo sa o každom konečnom výbere. Som si istý, že veľa vašich obľúbených filmov v zozname chýba. Veľa z mojich obľúbených tiež chýba! Ale namiesto toho, aby ste boli z toho frustrovaní, využite túto príležitosť a pozrite si filmy, ktoré ste ešte nevideli. Ktovie, možno nakoniec objavíte svoje nové obľúbené položky!

100. Dáždniky z Cherbourgu (1964)

Jacques Demy podfarbuje svoju romantickú operu jemnou, neobyčajnou sofistikovanosťou, ktorá pôsobí tak trochu hipstersky. Ale táto farba nie je len tá na stenách, oblečení a dáždnikoch. Je to aj na lícach neuveriteľne zamilovaného mladého dievčaťa, keď prechádza ulicou, aby pozdravila svojho milého a jeho neprítomnosť, keď vidíme tú tvár v závoji, mladé dievča, teraz nevestu niekoho iného. V spôsobe, akým sa ľudia rozprávajú, alebo presnejšie, spievajú, je aj farba. Ale ich lyrické rozhovory sa nerýmujú ako väčšina skladieb. Keď je všetko od povolaní lásky po starosti o peniaze spojené s nerozoznateľnou vášňou, nebolo by vám veľmi dobré ísť na ryby pre rýmu alebo rozum. Zatiaľ čo film a všetky jeho melodické odhalenia, podporené nadpozemskou hudbou Michela Legranda, sú srdečne romantické, všetky rozhodnutia, ktoré naše postavy urobia, rozhodne nie sú tak, ako všetko v živote.

Pre zápletku, ktorá je tak nudne známa, keďže je základom nespočetných popových piesní a telenoviel, je každá snímka „Umbrellas of Cherbourg“, prekypujúca melanchóliou, lákavo svieža, dokonca neznáma. Môžete to pripísať tomu, aké skutočné sú emócie a aký úprimný je ich prejav. Dáždniky, ktoré fungujú na rovnako skromnom meradle, vás devastujú tými najmenšími odrazmi. Bol som ohromený tým, aký silný môže byť dopad dvoch prázdnych stoličiek, ktoré kedysi naplnili dvaja milenci. V Demyho záľube vyrobenej pochúťke pochodujeme na karnevaloch naplnení stuhami a konfetami, zdobíme vianočné stromčeky a dávame si darčeky, pričom všetky naše city ukladáme niekam do kútov srdca, pretože bez ohľadu na to, ako ťažko niekto znáša neprítomnosť minulosť je zabudnúť, všetko, čo môžeme urobiť, je žiť vo fantázii dneška.

99. Trainspotting (1996)

Je trochu ťažké vysvetliť cinefilom, ako sme my, o fanatizme „Trainspottingu“. Prišlo to v čase, keď sa realita drog práve začala prehlbovať. Dalo by sa povedať, že to očarilo zneužívanie drog a do určitej miery je to pravda. Fakt, ktorý z toho vyšiel, bol pokusom Dannyho Boyla ukázať vysoké a nízke hodnoty zneužívania drog bez toho, aby sa postavil na jednu stranu. „Trainspotting“ je kultový film, ktorý rozpráva príbeh štyroch priateľov a ich srandy so závislosťou. Poburujúce a bizarné sú jediné dve slová, ktoré to popisujú. Narkoman, ktorý chce byť čistý, no na každom kroku sa potáca kvôli svojej najhlbšej túžbe dostať sa hore. Film, ktorý je veľkoryso predávkovaný humorom, sa s úplnou vážnosťou snaží podčiarknuť skutočnosť: Napriek luxusu, ktorý život ponúka, ho mládež s veľkou sebadôverou odopiera. A dôvody? Nie sú žiadne dôvody. Kto potrebuje dôvody, keď máte heroín?

98. Absolvent (1967)

Ach, dni mladosti! Bezstarostný a radostný. Zábava plná bez obáv. Žiadna starostlivosť o minulosť, ktorá zostala pozadu, a žiadna starosť o budúcnosť, ktorá ešte len príde. Benjamin Braddock viedol tento bezstarostný život po skončení vysokej školy. A keď sa konečne vrátil do svojho rodného mesta, stretol tam pani Robinsonovú. Plameň aféry začne horieť. Život naberie úskoky, keď si mladý Ben pomýli sex so spoločnosťou. Keď sa zamiluje do jej dcéry, stane sa strmým. Film na zamyslenie v šate komédie „The Graduate“ je jedným z najzábavnejších filmov vôbec. V hlavnej úlohe s Dustinom Hoffmanom obsahuje ikonickú líniu – „Pani Robinsonová, snažíte sa ma zviesť?“

97. Dvojitý život Veronique (1991)

Azda žiadny iný filmár nerozumel ženám do takých hlbokých citových hĺbok ako Krzysztof Kieslowski. Ten muž ich jednoducho miloval a prejavoval to s takou vášňou a intimitou, že sa nemôžete ubrániť pocitu, že ste očarení jej surovou emocionálnou silou. „Dvojitý život Veronique“ môže byť len jeho najväčším umeleckým úspechom. Film je o žene, ktorá začína mať pocit, že nie je sama a že časť jej života je niekde vo svete v inej duši. Veronique a Weronika sú dve identické ženy, ktoré sa navzájom nepoznajú, no zdieľajú medzi nimi tajomné intímne emocionálne spojenie. Vysoko štylizovaná kinematografia Slawomira Idziaka vykresľuje film s nežným melancholickým nádychom, ktorý vás obklopí a nepustí. Existujú pocity a emócie, ktoré je naozaj ťažké vyjadriť slovami, a film dáva život tým nevysvetliteľným pocitom zamysleného smútku a osamelosti. „Dvojitý život Veronique“ je úžasné umelecké dielo, ktoré zobrazuje ľudskú dušu vo všetkých jej krásnych krehkostiach a nežnostiach.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mnoho ľudí považuje kino za pôžitok, aktivitu vo voľnom čase, zábavu, ktorá nemá v živote žiadny vplyv. Ale ja, s armádou zanietených cinefilov, ktorí ma vrúcne podporujú, môžem s absolútnym presvedčením vyhlásiť, že kino je pre život rovnako nevyhnutné, ako život pre kinematografiu. A „Cinema Paradiso“ je krásny, aj keď ironický spôsob, ako vyjadriť svoj názor. Úspešný filmový režisér Salvatore sa jedného dňa vracia domov so správou, že Alfredo zomrel, na čo sa vracia do svojho rodného mesta na Sicílii v 50. rokoch minulého storočia. Mladý a zlomyseľný Salvatore (prezývaný Toto) objaví trvalú lásku k filmom, ktorá ho zláka do dedinského kina Cinema Paradiso, kde je Alfredo projekčným pracovníkom. Po zaľúbení do chlapca sa preňho starý chlapec stane otcovskou postavou, pretože Tota usilovne učí zručnosti, ktoré by boli odrazovým mostíkom pre jeho filmový úspech.

Sledovať Tota a Alfreda, ako s úctou diskutujú o kine a vidieť Alfreda dávať rady do života prostredníctvom klasických filmových citátov, je čistá radosť. Film „Cinema Paradiso“ prostredníctvom Totoho príbehu o dospievaní vrhá svetlo na zmeny v talianskej kinematografii a na umierajúci obchod s tradičnou filmovou tvorbou, strihom a premietaním a zároveň skúma sen mladého chlapca opustiť svoje malé mesto a vydať sa do sveta vonku. Jeden z najlepších „filmov o filmoch“, aký kedy bol.

95. Prelet nad kukučím hniezdom (1975)

Jeden z tých vzácnych filmových zážitkov, pri ktorom pocítite množstvo emócií naraz. Sčasti je to vtipné, v niektorých povznášajúce a v iných priam láme srdce. Je to tiež jeden z ďalších vzácnych počinov v zjednodušujúcom, efektívnom rozprávaní príbehu, ktorý rozpráva o Randlovi McMurphym, zločincovi, ktorý v nádeji, že sa vyhne väzeniu, predstiera, že je duševne chorý, a vyhlasuje, že je nevinný na základe šialenstva. Po príchode do ústavu pre duševne chorých sa vzbúri proti autoritárskej sestre Ratched (hrá ju oceľová Louise Fletcher) v klasickom scenári poriadok verzus chaos. Film dokazuje, že v skutočnosti nie je nikto lepší, kto by mohol hrať postavy s úderom a šarmom v rovnakej miere ako samotný Jack Nicholson, čo mu za jeho výkon vo filme prináša zaslúžené víťazstvo na Oscara. To, čo začína ako trvalý a potešujúci film, eskaluje k tragickému, aj keď nádejnému koncu, po znepokojivých scénach zahŕňajúcich samovraždu a elektrokonvulzívnu terapiu pacientov. Film napriek tomu nikdy nezbaví divákovu pozornosť a pátos pre postavy na plátne, vyvoláva nefalšované emócie a radosť z ľudského ducha, ktorý vyžaruje aj zoči-voči neopätovanej autorite.

94. Pyaasa (1957)

„Pyaasa“ plná myšlienok o spoločenských zmenách a štipľavých komentárov k hrozivej zlobe a stigmám spoločnosti nielenže stelesňovala zlatý vek indickej kinematografie, ale bola aj odrazom samotnej indickej buržoázie. Je to film, ktorý má o sebe jemnú kvalitu, kde všetky drzé pravdy a tvrdá realita spoločnosti kypia pod povrchom a čakajú, kým ich pozorné publikum preskúma a extrapoluje. „Pyaasa“ je nadčasová klasika nie bezdôvodne. Dokonca aj po 60 rokoch od svojho vydania zostáva aktuálna v modernej dobe, pretože Indiu naďalej sužujú tie isté spoločenské kliatby – korupcia, mizogýnia, materializmus – na ktoré sa „Pyaasa“ priamo či nepriamo vzťahuje.

93. Moderná doba (1936)

Modern Times je humorný film so silným posolstvom. Tento obraz, nesúci Chaplinove typické témy nádeje a chudoby, sa zameriava na nepriaznivé účinky, ktoré majú stroje a iné formy technologického pokroku na obyčajných ľudí, tým, že do centra pozornosti vytiahne továrenského robotníka, ktorého život prechádza mnohými zvratmi a zvratmi. vyrovnať sa s novým svetom. Aj keď je groteska neskutočne vtipná, všetko je obsiahnuté v nádobe smútku. „Modern Times“ využíva inteligentné a jemné prvky na kladenie dôležitých filozofických otázok. Vyvrcholenie je jedným z najdojímavejších vôbec, zahŕňa smutnú formu šťastia a žiadnu skutočnú odpoveď alebo rozuzlenie. Tento film môže byť veľmi dobre Chaplinovým najlepšie napísaným dielom a je prekvapujúce, aké relevantné sú myšlienky tu prezentované aj dnes. Cesta modernej doby, ktorá nepochybne obstála v skúške časom, je pravdepodobne najlepším aspektom tohto filmového triumfu.

92. Tenká červená čiara (1998)

Návrat Terrencea Malicka k filmovej tvorbe po 20-ročnej prestávke sa niesol v znamení tejto nádherne ohromujúcej vojnovej drámy, ktorá skúma nie vojnu, ale emócie boja. Film má skutočne malickovskú povahu s väčším dôrazom na vizuálnu stránku ako na príbeh, čo vám umožňuje ponoriť sa do zážitku. Genialita filmu spočíva v Malickovej vízii vidieť krásu v niečom takom temnom a krvavom, ako je vojna. Premeniť niečo také brutálne a krvavé, ako je vojna, na taký hypnotický zážitok, ktorý presahuje realitu vojny a namiesto toho vám umožní nasať emócie jej postáv, si vyžaduje absolútneho génia. Je to taký pohlcujúci zážitok, ktorý vás žiada, aby ste cítili ľudské bytosti za zbraňami a bombami. Sú to zničené duše ako my, túžiace po jemnom dotyku, ktorým chýba teplo dychu ich mileniek a manželiek, pričom sa musia vysporiadať s najškaredšou realitou, ktorá je od nich vzdialená. „The Thin Red Line“ je jednoducho zážitok ako žiadny iný; taký, ktorý treba vidieť, cítiť a reflektovať.

91. Blade Runner (1982)

Posledný strih filmu „Blade Runner“ od Ridleyho Scotta je podľa mňa najväčší dystopický film, aký bol kedy natočený. Hoci Metropolis je diskutabilná voľba, človek musí sledovať neautentické vizuály spojené s nemeckým expresionistickým filmom. „Blade Runner“ je na druhej strane viac než dokonalý v budovaní sveta, ktorý trpí finančnou nerovnosťou, populačným boomom, nedostatkom čohokoľvek prirodzeného, ​​pretože tu sa nedá veriť ani telu. Scintilujúce osvetlenie je kontextovo prirodzené, pretože ide o elektronický svet a Jordan Cronenweth ho používa podobne ako každodenné osvetľovacie predmety vo filme noir. Aj keď to nemusí klásť tak ďalekosiahle otázky ako „Vesmírna odysea“, núti nás to premýšľať, či androidi snívajú o elektrických ovečkách.

90. Fargo (1996)

Násilný, zábavný, teplý a brutálne intenzívny film Fargo je jedným z najlepších amerických filmov 90. rokov a jednou z najväčších kriminálnych drám, aké boli kedy natočené. Film je o mužovi, ktorý si najme dvoch mužov, aby uniesli jeho manželku a vymámili peniaze od svojho bohatého svokra. Brilantné využitie čierneho humoru bratov Coenovcov preniká do filmu teplom, ktoré dodáva filmu veľmi výrazný tón. Práve táto majstrovská zmes komédie, drámy a násilia robí z filmu Fargo taký nezabudnuteľný filmový zážitok. Tento nádherný úvodný záber na zasneženú Minnesotu, nádherne doplnený strašidelnou partitúrou, udáva tón filmu a vytvára pocit hlbokého smútku, ktorý sa skrýva pod násilím a humorom, ktorými je film plný. Frances McDormand je jednoznačne hviezdou filmu a kradne show, zobrazuje tehotnú policajnú šéfku uväznenú vo svete zla a brutality, no dokáže nájsť svetlo a nádej. Fargo je emocionálne surový, brutálne intenzívny, rozkošne vtipný a bolestne realistický kúsok čistého strhujúceho filmu.

89. Eraserhead (1977)

„Eraserhead“ je učebnicový kúsok o atmosférickom horore. Tento film, rozprávajúci príbeh muža s čudnými vlasmi, ktorý sa snaží sám založiť rodinu, sa každou minútou mení na neskutočnú nočnú moru. Debut Davida Lyncha, ktorý využíva zvuk a detailné zábery na navodenie pocitu klaustrofóbneho strachu a spája to so zápletkou, ktorá na prvý pohľad nedáva zmysel, sa ukazuje ako jeden z najlepších režisérov, čo je samo o sebe veľká chvála. „Eraserhead“ vytvára dystopický svet – posiaty škaredými budovami a mechanickými zariadeniami ponorenými do brutálnej čiernobielej – a vrhne doň postavy, ktoré sú viac-menej zmätené svojím okolím. Aj keď je takmer nemožné zistiť význam tohto obrázku, musíme si uvedomiť, že to nikdy nie je zámer. „Eraserhead“ vnáša do myslí svojich divákov pocit absolútneho nepohodlia, pričom využíva svoj vizuálny aj surrealistický štýl a nachádza spôsob, ako manipulovať s ich myšlienkami. Len niekoľko obrázkov je tak krásne štruktúrovaných, no nepopierateľne hrozivých ako tento, a to je niečo, čo dokáže urobiť len niekto ako Lynch.

88. Chlapčenstvo (2014)

„Chlapčenstvo“ je príjemnou spomienkou na minulé roky neobmedzenej radosti, neochvejného optimizmu a bublajúcej nevinnosti. Spolieha sa na získavanie krásy, radosti a emócií z bežného života ľudí a nie zo žiadnej vyhrotenej drámy (pre väčšinu filmov chlieb s maslom). Je fascinujúce vidieť, ako od scény k scéne dochádza nielen k zmenám vo fyzickosti postáv, ale všimnete si aj premenu ich módy, účesu, vkusu v hudbe a vo všeobecnosti pohľadov na život. „Chlapčenstvo“ tak, ako to robí len veľmi málo filmov, prekračuje hranice kinematografie a stáva sa malou súčasťou našej vlastnej existencie a skúseností. Linklater nám opäť pripomína, prečo je najlepší v biznise, pokiaľ ide o rozprávanie jednoduchých príbehov o obyčajných ľuďoch.

87. Days of Heaven (1978)

Evolúcia Terrencea Malicka na plne kontrolovaného a autoritatívneho filmového vizionára je jednou z najväčších vecí, ktoré sa kedy v americkej kinematografii stali. Z jeho raných diel je jasné, že sa zúfalo snažil vyskočiť z konvenčných hraníc kinematografie. Filmy ako „Badlands“ a „Days of Heaven“ mali zdanlivo jednoduché príbehy, ale boli to filmy, ktoré sa snažili byť niečím viac. Niečo viac ako len príbeh. Skúsenosť. „Days of Heaven“ to dosahuje brilantnejšie ako „Badlands“. Mnoho ľudí filmu často vyčítalo slabý dej. Nemohol by som povedať, že sú úplne nesprávne, ale príbeh každopádne nie je najdôležitejším aspektom filmu. Malick tu využíva vizuálnosť kina, ktorá kladie dôraz skôr na náladu príbehu než na príbeh samotný. Jeho zámerom nie je vyvolať vo vás emócie pomocou utrpenia postáv, ale nechať vás pozorovať ich, cítiť krásu krajiny a vôňu jej miesta. A vytvoriť takýto viscerálne dojemný zážitok nie je nič menšieho než zázrak.

86. Grave of the Fireflies (1988)

Dojímavý, dojemný film, ktorý je na rovnakej úrovni vo všetkých aspektoch, na ktoré si spomeniete, pričom ostatné živé akčné filmy poukazujú na vojnovú korisť. Tento japonský animovaný film sa sústredil na hrôzy 2. svetovej vojny tým, že sa zameral na životy súrodeneckého páru, zlomil mi srdce spôsobom, ktorý sa nepodarilo žiadnemu inému filmu, a stále som šliapal po kúskoch až do úplného konca. Keďže ide o vojnový film, robí zázraky aj na ľudskom fronte, krásne si uvedomuje a rozvíja nežný vzťah medzi Seitou a Setsuko tvárou v tvár nepriazni, ktorou bola druhá svetová vojna. Správa je hlasná a jasná. Žiadna vojna nie je skutočne vyhratá a všetku slávu spojenú s víťazstvami sprevádza aj kvílenie nevinných životov zničených vo vojne. Tlieskal by som filmu za to, že nie je otvorene emocionálne manipulatívny, keď nás núti podporovať jeho postavy; ale nemýľte sa, jeho silný a nekompromisný pohľad na vojnu a paródie, ktoré podstúpila súrodenecká dvojica, vás privedú do vzlykajúcej kaše. JE TO smutne. Ako už bolo povedané, neexistuje žiadny iný spôsob, ako by som to mal. Je to dokonalosť vo svojej najviac srdcervúcej podobe.

85. Manhattan (1979)

Romantika vo filmoch Woodyho Allena vždy pôsobila bolestne pravdivo a skľučujúco realisticky napriek lahodne uštipačnému zmyslu pre humor, ktorým ich napĺňal. Zatiaľ čo „Annie Hall“ zostáva jeho najodvážnejším filmom, „Manhattan“ pôsobí ako umelecky vyzretejšie dielo. Allen vo filme hrá znudeného, ​​zmäteného Newyorčana, nedávno rozvedeného, ​​ktorý chodí so stredoškoláčkou, no nakoniec sa zamiluje do milenky svojho najlepšieho kamaráta. Allen trochu zmiernil humor tohto filmu, aby nám umožnil skutočne pocítiť smútok, ktorý pohltil jeho postavy, vďaka čomu je to taký emocionálne vyčerpávajúci zážitok. Je to len hlboko dojímavý portrét chabých vzťahov a chybných ľudských bytostí, ktoré zápasia so sebou samým a so svojou existenciou a zúfalo hľadajú šťastie, ktoré by nikdy nespoznali a nedosiahli. A práve toto sladko jemné, dojímavé uvedomenie si ľudského stavu robí z „Manhattanu“ taký silný film.

84. Marketa Lazarová (1967)

Nehmotná vysnívaná scéna českej ikony Františka Vláčila, Marketa Lazarová, je jednoducho jedným z najneuveriteľnejších umeleckých diel 20.^thstoročia. Jeho avantgardný prístup k filmovému jazyku sotva zapadá do hraníc tohto často zatracujúceho slovného obratu – pretože ide o niečo viac. Ohromujúca fúzia zraku a zvuku, nespútaná konvenciami, štruktúrou alebo akýmkoľvek písaným pravidlom, búrliví filmoví učenci v priebehu rokov udreli do filmovej podoby. V porovnaní s tým všetko ostatné vyzerá tak prísne kontrolované – také neprirodzené a premyslené. Marketa Lazarová je surová, vnútorná a prekvapivo dynamická. V skratke: je zadarmo – skutočný vrchol možností objavovania každého centimetra filmového média. Preto patrí medzi najlepšie filmy, aké boli kedy natočené.

83. Singin’ In The Rain (1952)

Singin’ In The Rain je najvýznamnejším muzikálom zlatého veku Hollywoodu. Nemožno zabudnúť na obraz Gene Kellyho tancujúceho pri pouličnej lampe, keď hovoríme o žiarivých momentoch v kine. Film nádherne oslavuje nielen svoju vlastnú odbornosť, ale aj prechod kina z vizuálneho média na médium rezonujúce a stimulujúce. Monumentálny úspech v kinematografii Technicolor, Kellyho režijné úsilie bolo spočiatku zábavne zavrhnuté kritikmi a publikom. Verím, že relevantnosť tejto klasiky je zo dňa na deň silnejšia, pretože sa čoraz viac zväčšuje priepasť medzi časovými obdobiami pokrytými filmom (skutočný život a život na kotúči) a súčasnosťou. Strácame kontakt s dôležitou dobou a tento film vás zachváti svojou nostalgiou.

82. Teraz sa nepozeraj (1973)

Je veľmi ťažké nájsť umelecké dielo, ktoré by bolo také hypnotické ako „Dont Look Now“ od Nicolasa Roega. V mnohých ohľadoch je toto majstrovské dielo ako ohavný trpaslík na konci. Je krásne zahalená v extatickom sfarbení, ale skrýva najhoršiu časť života: smrť. Bez ohľadu na to, aká efektívna je postava Sutherlanda, verím, že ide o film poháňaný emóciami, keďže Roeg umiestňuje snahu o stratenú lásku pred presvedčivý príbeh. Gotický základ je veľmi mocným nástrojom na vyzdvihnutie dôležitosti väzieb, na ktorých sa spolieha, väzby otcovskej a rodinnej lásky, ako aj v tom, že dáva vágny tvar duchom, ktorí prenasledujú hlavného hrdinu. Niektoré miesta sú ako ľudia, niektoré žiaria a niektoré nie.

81. Klub bitkárov (1999)

Raz za čas príde umelecké dielo, ktoré definuje psychiku generácie. Pokiaľ ide o kinematografiu, 50. roky mali „Rebel Without A Cause“, 60. roky „The Graduate“ a 70. roky mali „Americké graffiti“. A dokonca aj po dvoch desaťročiach „Klub bitkárov“ zapadá do zadumaného, ​​nespokojného a anti-establishmentového étosu našej generácie ako uliaty. Rovnako ako mnoho skvelých filmov, aj „Klub bitkárov“ je veľmi rozdeľujúci a možno ho filozoficky interpretovať mnohými odlišnými spôsobmi – niektorí ho považujú za definíciu súčasnej mužnosti, zatiaľ čo iní si myslia, že oslavuje násilie a nihilizmus.

V podstate thriller je film rozprávaný z POV nemenovaného hrdinu trpiaceho nespavosťou a nespokojného so svojou monotónnou prácou, ktorý sa skríži s impulzívnym mydlárom menom Tyler Durden. Durden a hlavný hrdina čoskoro založia podzemný „Klub bitkárov“, aby si nespokojní členovia spoločnosti mohli vybiť svoj hnev. Čoskoro sa však Tylerove plány a vzťahy rozprávača vymknú jeho kontrole, čo vedie k výbušnému vyvrcholeniu (doslova!)

Spolu s postojom diabol-may-care, ktorý šíri, je „Fight Club“ tiež charakteristickým znakom nejakého réžie od súčasnej legendy Davida Finchera. Ponurá farebná paleta, ostrý strih a uhladená kamera inšpirovali hordu temných trilerov po filme. Prelomový film 90. rokov.

80. Pred západom slnka (2004)

Tu je pravda o ľudskej evolúcii, ktorú vám nikto nepovie: Ľudstvo čoskoro stratí umenie konverzácie. Technologický pokrok má veľký vedľajší efekt: Ľudia sa čoraz menej zaujímajú o skutočnú konverzáciu – pretože majú technológiu, za ktorú sa môžu skrývať. A to je presne dôvod, prečo séria Before vydrží aj ďalšie desaťročia. Séria filmov o dvoch ľuďoch, ktorí sa skutočne rozprávajú, je vzácnosťou aj pre túto generáciu. V budúcnosti sa takéto filmy nebudú točiť vôbec. To je dôvod, prečo sa budúce generácie budú pozerať späť na trilógiu Before s úžasom a úžasom. A nebudem prekvapený, ak si trilógia nájde svoje zaslúžené miesto nielen v histórii filmu, ale aj v knižnici každej filmovej školy.

Spomedzi troch filmov Before vyniká „Before Sunset“, pretože je najkrajší. Film, ktorý je vo svojej podstate o najsilnejšej ľudskej túžbe: túžbe byť s niekým, s kým by ste mohli stráviť zvyšok života. Ak sa pozriete pozorne, „Pred západom slnka“ sa nakoniec stane zrkadlom, pri pohľade do ktorého môžete posúdiť svoje vlastné vzťahy: Kde ste urobili chybu? Kto bol pre teba vlastne ten pravý? Aké príležitosti ste premeškali? čo mohlo byť? Je to jeden z najvzácnejších filmov, kde vaša vlastná životná skúsenosť obohatí a vyživí vašu skúsenosť s filmom.

79. Matrix (1999)

Geniálny, dômyselný nápad, ktorý na plátno stvárnili manželia Wachowski, vyústil do filmu, ktorý mnohých divákov primäl k tomu, aby začali byť ostražití voči realite, v ktorej sa ocitli. Je pravda, že keď bol Matrix natočený, nebolo cesty späť, zmenilo sa to. veci. Nielenže film prelomil trochu novú pôdu vo svojom príbehu, ale tiež spôsobil revolúciu v spôsobe, akým sa neskôr koncipovali sci-fi a akčné filmy. Úspech filmu Matrix ako filmu spočíva aj v tom, ako sa majstrovsky prelína medzi témami vrátane filozofie, existencializmu a dokonca aj náboženstva, pričom má na sebe akčný a sci-fi film. Neova schopnosť manipulovať so simulovanou realitou pri vykonávaní zdanlivo nemožných výkonov a použitie bullet time, akčnej techniky, ktorá je v súčasnosti už len ikonická, pridáva filmu na vynaliezavosti. Žáner je teraz možno preplnený, ale keď vyšiel ako prvý, môžeme s istotou povedať, že diváci nič podobné nevideli.

78. Siedmy kontinent (1989)

Nazvať „Siedmy kontinent“ od Michaela Hanekeho hororom mi znie veľmi nesprávne, ale väčšina ľudí, ktorí ho videli, ho takto označuje. Je ťažké sa s nimi hádať, pretože pozeranie tohto filmu v človeku zanechá pocit beznádeje, depresie a strachu. Táto klasika z roku 1989, ktorá súvisí s rodinou, ktorá nenávidí svet a život vo všeobecnosti, zaujíma chladný a vzdialený postoj, aby ešte viac izolovala troch hráčov od zvyšku spoločnosti, čo pomaly, ale isto spôsobuje, že publikum ich hlboko cíti ako ich existencia naberá temný smer. Hanekeho debut, ktorý je jedným z najznepokojujúcejších filmov, aké kedy zdobili strieborné plátno, diváka posmieva a nikdy ho nepustí. Ak to diváci nazývajú hororom, potom to robia s odkazom na strašidelný film, ktorý sa nepodobá žiadnemu inému. Pokryté nejednoznačnosťou a realizmom, Siedmy kontinent je osobným, intímnym a desivým prerozprávaním skutočného príbehu, ktorý vás nechá v tichu, pretože aspoň pár minút po jeho skončení nedokážete zo seba vydať jediné slovo.

77. Zodiac (2007)

Zodiac nie je váš konvenčný triler; má pomalé tempo a zameriava sa viac na náladu a postavy ako na dej. Je tu aura, ktorú David Fincher buduje natoľko, že náladu filmu cítite až v kostiach. Nie je to film, ktorý vás po skončení zanechá šťastnými. Je to tiež film, kde zlý vyhráva, dobrí prehrávajú. A preto je to také dobré. Nielen dobré, ale moderné majstrovské dielo. Keď vás film dokáže strhnúť na celé dve a pol hodiny a nechá vás premýšľať celé dni, musí mať veľa vecí v poriadku, čo bežne vyrábané trilery nedokážu. Podľa mňa je ‘Zodiac’ najlepší Fincherov film, kde svojou disciplínou a škálou schopností ukazuje, prečo je niekedy menej viac.

76. Magnolia (1999)

„Magnolia“ je nepochybne najosobnejším dielom Paula Thomasa Andersona. Hysterická atmosféra, ktorou Anderson napĺňa film, vnáša do melodrámy istú emocionálnu plynulosť, ktorá je vo svojej energii tak neskutočne návyková a katarzná. Celý film sa odohráva v San Fernando Valley s rôznymi vzájomne prepojenými postavami, ktoré prechádzajú rôznymi fázami svojho života a snažia sa vysporiadať so svojimi vlastnými vnútornými démonmi a emocionálnymi konfliktmi. Anderson týchto ľudí miluje, pozná ich a rozumie im, no bez ospravedlňovania ich prezentuje, kým sú; úplne nahé ľudské bytosti, surové a čisté, konfrontujúce a prekonávajúce svoje najhlbšie obavy a slabosti. To, čo robí film Magnolia tak výnimočným, je to, že je to film, ktorý o svojom tvorcovi hovorí tak veľa. Máme možnosť nahliadnuť do Andersonovho života, do miesta, kam patrí, a do ľudí v jeho živote. V celom filme je toľko Andersona. Film ako Magnólia, ak by ho režíroval iný filmár, by pôsobil zastaralým dojmom a vyzeral by v podstate ako produkt svojej doby, no s Andersonom to filmu len pridáva na príťažlivosti.

75. Rosemary's Baby (1968)

'Rozmarínino dieťa' je temné, pokrútené umelecké dielo, ktoré sa hrá s nevinnosťou, aby vytvorilo pocit hrôzy. Film, ktorý súvisí so ženou, ktorá má komplikácie počas tehotenstva, sa svojím dejom uberá úplne sviežou cestou, pričom hlavnú úlohu necháva hrať rituálne prvky. Na tomto filme je toho toľko, čo si zamilujete, počnúc dobre napísanými postavami až po vzdialené zadumané prostredie, ktoré obklopuje každý incident, ktorý sa stane. V celom obraze je vždy cítiť napätie, a to čiastočne vďaka tichej, pretrvávajúcej kinematografii vykonanej s Polanskiho pevným režijným štýlom. Mia Farrow tu podáva najlepší výkon v kariére ako Rosemary Woodhouse, žena, ktorá slabne, keď bojuje s bolesťami spojenými s nosením dieťaťa. Celkovo sa atmosfére zachytenej týmto filmom vyrovná málokto a spôsob, akým sa vsiakne pod kožu, je naozaj niečo iné.

74. Dobrý, zlý a škaredý (1966)

Strhujúce postavy v podaní legendárnych hercov, nespútaná, brutálna pištoľová akcia, strhujúca hudba a intenzívna kinematografia – tretia časť „dolárovej“ trilógie, o ktorej sa hovorí, že je zrodom spaghetti westernu, je pôžitkárska, strhujúca a zábavná kinematografia v celej svojej kráse. Blondie or No Name (The Good), profesionálny pištoľník a Tuco (The Ugly), hľadaný vyhnanec, vytvoria nedobrovoľnú vernosť, keď obaja zistia dôležitý detail o skrýši zlata ukrytej utečencom. koho Angel Eyes (The Bad), nájomný vrah, má zabiť. Cesta tria tvorí jadro strhujúcej zápletky, ktorá sa končí klasickým pohľadom dole v štýle westernu. Clint Eastwood ako Blondie je obrazom machizmu, Lee Van Cleef ako Angel Eyes je zosobnené zlo a Eli Wallach ako Tuco pridáva zložitosť postáv impulzívnosti a hnevu k jednoduchším, ale okázalejším aktom Good vs Evil dvoch väčších hviezd. Ale opraty sú navždy režisérom v rukách Sergia Leoneho – využíva rozľahlé dlhé zábery a intenzívnu detailnú kinematografiu, ako si vyžaduje, aby vytvoril napätie v priebehu. Žánrovo definujúci film Quentina Tarantina, jedného z najväčších predstaviteľov moderného westernu, kedysi označovaný za najlepšie režírovaný film na svete.

73. Cestujúci hráči (1975)

Príliš dlho poznal intímny, jemne zostavený epos Thea Angelopoulosa len málo filmových nadšencov a možno ho ocenil ešte menej. Jeho vznešené, postupné vztýčenie filmového pomníka nášmu ezoterickému, tajomnému vzťahu s časom, pochopiteľne, nie je pre každého. Ale pre zvedavých medzi nami je známe, že poskytuje útechu, prepožičiava múdrosť a dar vnímania, ktoré pomáha nájsť konštanty, na ktorých sa môžu držať v tomto univerzálne a kruto dynamickom svete. Medzi mnohými vecami, ktoré má tento film v poriadku, je jeho dokonalé uchopenie odhalení v príbehu „Orestes“. Mytológia spojená s tragickou postavou je zachytená s omračujúcou pokorou, no napriek tomu nás film dokáže preniesť cez svoju poddajnú víziu do melancholického, pretrvávajúceho pohľadu na Grécko v polovici 20. storočia. Jeho časová elegancia ospravedlňuje sledovanie histórie tým, že stojíte vedľa súboru: zvonku dovnútra. Máte tendenciu vnímať jeho drsnosť a premýšľať o jeho stvorení. Je to vzácna antifašistická lekcia histórie, pretože nám nikdy nehovorí, čo si máme myslieť. Ukazuje nám len to, čo máme cítiť. Angelopoulos a kameraman Giorgos Arvanitis nás umiestňujú do vzrušujúcich miest a vymývajú ich zničujúcou krutosťou tohto obdobia. „The Traveling Players“ je skromný, vzácny klenot, ktorý pôsobí, akoby bol zachránený z ulíc plných nepokojov a prežil hladom. Zjednodušene povedané, nezaslúžime si to.

72. Cache (2005)

Michael Haneke je často obviňovaný, že sa vždy zaoberá pochmúrnymi príbehmi. Táto charakteristika je úplne nespravodlivá, pretože to, čo v podstate robí, je poskytnúť humánny pohľad na temnotu, ktorá nás všetkých obklopuje, ako naše chybné vnímanie vedie k mučivej izolácii a ako naše ilúzie znižujú naše šance prekonať spomínanú izoláciu. „Caché“ nie je len masívny, spaľujúci dokument, ktorý poukazuje na krutosť masakru na rieke Seine v roku 1961 a našu neľudskosť ako spoločnosti, ale aj poeticky univerzálna štúdia charakteru. Georges, náš hlavný hrdina, vníma život a svoju prítomnosť ako spoločenskú bytosť v skreslenom pocite radosti. Uteká z pohodlia dôvery a komunikácie s ostatnými. Vychutnáva si svoje odcudzenie, rovnako ako odcudzuje toľkých, ktorí si ho tak vážia. Týmto sa Haneke vysmieva generácii, ktorá si želá, aby zostala sama. Jeho fotoaparát je miestami nezvyčajne vzdialený, rovnako ako mnohí z nás vo vzťahu k okoliu. Ale pod jeho kontrolou musíme čeliť našej neslušnosti, našej bezohľadnosti, našej realite. Jeden z najnáročnejších filmov, aké kedy uvidíte.

71. Duch včelieho úľa (1973)

Španielsky majster Victor Erice pred odchodom do dôchodku nakrútil len tri celovečerné filmy. Jeho filmy ako El Sur, Quince „Strom slnka“ a najmä Spirit of the Beehive, jeho nedefinovateľný debut, nás všetkých nútia priať si, aby stále točil filmy. Parabalický príbeh dvoch detí, z ktorých jedno skúma svoju existenciu s nevinnou, často až mätúcou fascináciou a druhé je posadnuté filmom „Frankenstein“, ktorý hrali v ich miestnom divadle. Jeho mystifikačný portrét španielskeho srdca je ponechaný v zvodnej nejednoznačnosti Ericeho charakteristicky neutrálnym smerom – len zriedka sa púšťa do filmovej metódy v prospech tichého pozorovania. Výsledné dielo je mätúce, pohlcujúce a nechá vás premýšľať o vnútornej záhade života samotného: o jeho nezodpovedateľných otázkach, veľkých záhadách a ich mätúcej nenapadnuteľnosti. Aby ste boli úplne zničení alebo neporovnateľne dojatí, niet pochýb o tom, že každý extrém bude „Spirit of the Beehive“ dôležitou skúsenosťou.

70. Všetci prezidentovi muži (1976)

Watergate. Jedno slovo, ktoré stiahlo závesy za predsedníctvom Richarda Nixona a prinútilo ľudí uvedomiť si, že aj človek s takou veľkosťou ako je prezident sa môže skloniť na najnižšiu možnú mieru, aby dokončil svoje veci. Zatiaľ čo prezidentovi kumpáni boli zaneprázdnení upratovaním neporiadku, ktorý vytvoril, našli sa dvaja reportéri, ktorí to dostali. Napriek hroziacim hrozbám neúnavne pracovali, prenasledovali aj tie najmenšie stopy a občas na seba priniesli nebezpečenstvo v procese, aby sa k ľuďom dostali fakty. Na základe knihy s rovnakým názvom, napísanej reportérmi Bobom Woodwardom a Carlom Bernsteinom, „All the President’s Men“ je dômyselným postrehom toho, aká by mala byť skutočná žurnalistika. Tento film, ktorý režíroval Alan J Pakula, bol nominovaný na osem cien akadémie, nakoniec vyhral tri a mimochodom prehral najlepší film s filmom „Rocky“.

69. Army of Shadows (1969)

Myslím si, že vynikajúcim bodom na porovnanie pre nováčikov v práci Jeana-Pierra Melvilla je porovnanie Stanleyho Kubricka. Obaja praktizujú extrémnu technickú presnosť a vyžarujú absolútnu istotu v každej práci, ktorú vynaložili počas dlhej a kreatívne lukratívnej kariéry. Ako už bolo povedané, lacná, ale náročná sťažnosť, ktorú môže ktokoľvek podať na amerického režiséra, je jeho „bezduchosť“. Prázdne miesto ľudského prejavu. To nie je prípad Melvilla. V „Armáde tieňov“ Melvillove postavy horia horkou iskrou poháňanou zúfalstvom, vďaka ktorej každý ich čin srší ľudskosťou. V smrtonosnom svete hnutia Wartime Resistance môže jeden chybný pohyb vyústiť do úplnej deštrukcie a práve so spomínanou gráciou a virtuóznou kontrolou nad svojím kinom Melville zašíva zárodky úplne vierohodného, ​​presvedčivo mŕtveho sveta. „Armáda tieňov“ je jedným z najtichších, najzaujímavejších a najpôsobivejších diel, aké vo francúzskej kinematografii vyšli – a nechať si ujsť takúto kriminálne prehliadanú klasiku by znamenalo urobiť si veľkú medvediu službu.

68. The Shining (1980)

Stanley Kubrick svojou adaptáciou klasiky Stephena Kinga vytvoril v roku 1980 film, ktorý nanovo definoval hororový žáner. Nie je to len príbeh alebo postavy, ktoré rodia strach. Prostredie a spôsob, akým bol natočený, úžasne napomáhajú tomu, aby do mysle divákov preniklo omračujúce napätie. Film sleduje Jacka Torrencea, novovymenovaného správcu hotela The Overlook, a jeho rodinu, ako trávia obdobie úplnej izolácie v tajomnej budove. Prostredníctvom ohromujúcich hereckých výkonov a vynikajúcej kamerovej práce sa Kubrick stará o to, aby sa obsah filmu ponoril hlboko do nášho podvedomia. Spôsob, akým narába so zvukom a atmosférou, je úplne neuveriteľný a vytvára nezabudnuteľné a zároveň mrazivé dve a pol hodiny. Svet „The Shining“ je krásne tmavá, pevne vás chytí za golier počas celého svojho dychberúceho tretieho dejstva.

67. Čínska štvrť (1974)

Je tu film noir a neo-noir a presne medzi nimi sedí Jake Gittes, oblečený úhľadne s chrumkavou fedorou ako kompliment s úsmevom na jeho tvári. Hoci je Polankiho veľkým obdivovateľom, vždy sa nájde niečo, čo sa nezhoduje s konečným produktom jeho filmov. Okrem čínskej štvrte. Toto kľúčové majstrovské dielo nielenže vytvorilo identitu pre seba, ale vždy sa naň pozerajú filmári, ktorí si požičiavajú jeho štýl, aby vytvorili identitu pre svoj film. Polanski je kúzelník v práci, oklame nás rozlíšiteľnými vodítkami, ako aj klasickým noirovým tempom a nastavením. Potom však príde posledný počin čínskej štvrte, ktorý tak rýchlo narúša všetky konvencie, ktoré boli pôvodne spojené s podobnými mysterióznymi filmami, že vo vás zostane ohromujúci pocit šoku a zúfalstva. Jeho neúspech poraziť Godfathera II ma stále mätie, ale po polstoročí ľudia zabudli na Sicíliu, ale nikdy na čínsku štvrť.

66. Satanovo tango (1994)

Priznanie číslo jedna: Takmer nikdy som nevidel rozľahlé, úžasné majstrovské dielo Bélu Tarra. Dalo by sa predpokladať, že jeho obľúbený cinefilský status všetkých čias a vynikajúca povesť, ktorú si získal medzi kruhmi amerického umeleckého domu a medzi niektorými z najinformovanejších filmových kritikov na celom svete, by ma zaujali. Ale samotná nesmiernosť jeho trvania (asi 432 minút) a tempo podobné loriom, ktoré som si tak užíval v Tarrových „Werckmeister Harmonies“, sa mi zdali skľučujúce. Vyznanie číslo dva: „Sátántangó“ som videl prvýkrát na jeden záťah. Hypnotizoval ma jeho pragmatický zmysel pre skutočný svet a jeho trpezlivý, rozvážny zmysel pre kinematografiu. Viac pozorovalo, ako odrážalo a viac premýšľalo, než poskytovalo úhľadne sformované vyhlásenia. Jeho mýtický, pochmúrny realizmus bol príliš dobrý na to, aby bol pravdivý, a príliš brutálny na to, aby bol realizovaný s takým citom pre krásu.

Jediné, čo som si na konci prial, bolo zavrieť všetky okná a zahaliť sa do tmy, pretože ten film bol pre mňa ako ten šialenec v kostole a jeho kvílenie dávalo príliš zmysel. Vyznanie číslo tri: S potešením oznamujem, že prezieravé sociálne a politické úvahy ‘Sátántangó’ mi začali byť jasné, keď som sa k tomu opakovane vracal. Leto strávené hltaním románu Lászlóa Krasznahorkaia, ktorý slúži ako východiskový materiál pre film, bolo obzvlášť nezabudnuteľné. Jediné, čo teraz môžem urobiť, je dúfať, že budem naďalej žať plody tejto šťastnej nehody.

65. Exorcista (1973)

Zaklínač od Williama Friedkina je dokonale zrežírovaný. Tento muž je neslávne známy svojou nestálou kariérnou dráhou, pri ktorej sa klasici stretávajú so stresom (a tieto dve skupiny sa často pretínajú kvôli fascinujúcim prieskumom filmovej nehanebnosti). Friedkin sa so svojím najlepším filmom rozhodol nakrútiť drámu, ktorá bola náhodou o démonickom posadnutí: Šitie pátosu pre jeho zložité postavy a vnútorný preklad textu pôvodného autora Williama Petra Blattyho uväzneného medzi vierou a ochromujúcou pochybnosťou. Konečný výsledok dvoch úžasných umelcov, ktorí pracujú na vrchole svojej hry, aby poskytli trblietavú klasiku americkej kinematografie: Film, ktorý zatmie takmer každý film vo svojom žánri (okrem snáď nevedome desivého „Wake in Fright“ alebo nešťastného turné Tobe Hoopera -sila Texaský masaker motorovou pílou ). Jednoducho úchvatné.

64. Suspiria (1977)

Pretože v našich snoch vstupujeme do sveta, ktorý je úplne náš – J.K.Rowling. A čo keby sa jedna z najzvrátenejších myslí kinematografie rozhodla nastriekať svoje podvedomie na kúsok filmu. Film Suspiria Daria Argenta je považovaný za film, ktorý sa svojím podivne štruktúrovaným príbehom vzpiera kinematografickej logike. Ale verím, že je to neoexpresionistické majstrovské dielo, ktoré zachytáva skutočnú podstatu kinematografie, ktorou je, aby sme sa cítili skutočne, skutočne nažive. Argento chápe hodnotu priestoru, a preto sa viac zameriava na kinematografiu a scénografiu, ktoré sú dominantnými obyvateľmi jeho filmu. „Suspiria“ nereprezentuje len Argentov štýl, ale aj celý taliansky horor, žáner podnietený estetikou umenia.

63. Muž ušiel (1956)

Dokonale precízny a inšpiratívne ekonomický, oh, taký vzácny terč Roberta Bressona bol zasiahnutý skladbou „A Man Escaped“ z roku 1956. Vrchol ortuťových schopností muža ako filmára sleduje pokusy francúzskeho odbojového agenta Fontaina uniknúť z čoraz nebezpečnejšieho nacistického väzenia a nachádza zmysel v každom jednom zábere. Od úžasne ľudského stvárnenia hlavnej úlohy nehercom Françoisom Letterrierom, ktorého vpadnuté líca a vystrelené oči tak presvedčivo vyjadrovali zdrvujúcu váhu života vo vojnových časoch, až po Bressonov minimalizmus, ktorý dokázal vypestovať spaľujúcu intimitu medzi publikom a povedal zúfalý muž: Z častých POV a elegantných kompozícií, ktoré nepreháňali technikami sa Bressonova okolitá tvorba niekedy utopila. Nezostrihal by som ani jeden záber – a preto film slúži ako absolútne nevyhnutný spôsob vzdelávania pre začínajúcich filmárov: Maľovať niečo také živé a husté, bez toho, aby to niekedy pôsobilo suverénne.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

V časoch, ako sú tieto, neexistuje lepší film ako „To Kill A Mockingbird“, ktorý by neonacistom vysvetlil skutočný význam kasty, vyznania a rasy. Afroameričan, ktorý sa odohráva v časovej osi rasovo rozdelenej Ameriky, je obvinený z porušenia skromnosti bielej ženy. Na vrchole rasovej nespravodlivosti, keď súd plný belochov narieka po jeho krvi, prichádza na jedného muža, aby bojoval za jeho prípad. Jeden biely muž, menom Atticus Finch. Udatne bojoval, aby presadil skutočnosť, že všetci ľudia sú na súde rovní, či už sú farební alebo nie. Jeho úsilie je márne, pretože súd muža vyhlási za vinného. To, čo však v divákovi zostáva, je lekcia, ktorú Atticus Finch vštepuje svojim deťom. To znamená, že ‚človeku nikdy skutočne neporozumiete, kým veci neuvažujete z jeho uhla pohľadu‘. Film To Kill A Mockingbird vychádza z rovnomenného bestselleru Harper Lee a je jedným z najlepších filmov všetkých čias.

61. Zadné okno (1957)

To, čo odlišuje majstrovský trilerový film od zabehnutých splaškových vôd, ktoré sa na nás pravidelne hromadia, je to, že zvraty prichádzajú bleskovo a závisia viac od nášho šoku ako od pravdivosti zvratu, ktorý zapôsobí. Ale vo filmoch ako „Zadné okno“ sú drobné veci evidentné z čias, keď profesionálny fotograf L.B. Jeff Jeffries pozerá zo svojho zadného okna, ktoré sa kvapku po kvapke nahromadilo, až kým sa nezaplaví, takže nevinný Jeff má podozrenie, že muž žijúci na druhej strane dvora spáchal vraždu. Hitchcock používa svoju kameru majstrovsky ako nástroj iluzionistu, aby udržal svojich divákov napätých, oklamaných a hádajúcich, až kým sa neodhalia čeľuste. Prostredníctvom Jeffovho obsedantného prenasledovania predmetu svojho záujmu Hitchcock komentuje bludy voyeurizmu, aký môže byť lákavý a pochmúrnosť osamelého mestského životného štýlu, ktorý k nemu vedie. Ešte neuveriteľnejšie je, že je to taký komentár o divákovom voyeurizme ako Jeffov; ako sme uchvátení Jeffovým uchvátením. Sledovanie, keď nie je sledované, je skazená radosť; Hitchcock to vie, obdivuje a vťahuje nás do seba.

60. 4 mesiace 3 týždne a 2 dni (2007)

Niektoré filmy vás dojmú; niektoré vás rozosmejú; niektoré ti zlomia srdce. Film „4 mesiace, 3 týždne a 2 dni“ patrí do špeciálnej kategórie filmov: filmov, ktoré vás znepokojujú a znervózňujú. Ako by ste uhádli, takéto filmy sú pravdepodobne najvzácnejšie zo vzácnych plemien. Film sleduje dvoch priateľov, ktorí sa snažia zariadiť potrat v brutálnom Ceausescovom komunistickom režime v Rumunsku. Viscerálny a nekompromisný film vás chytí za pačesy a už vás nepustí. Sledovanie tohto filmu je ako zažiť ten drásavý pocit, ktorý máte, keď nervózne čakáte, kým niekto z vašich blízkych vyjde z operačnej sály po operácii. Nie je to len realistické kino v celej svojej kráse; je to tiež jeden z filmov, ktoré najviac menia život, aké kedy uvidíte.

59. Minulý rok v Mariánskych Lázních (1961)

Film Alana Resnaisa z roku 1961 „Last Year At Marienbad“ je najbližšie k vizualizácii sna a robí sa to čo najzvláštnejším spôsobom. Hudba, ktorá väčšinu času zaberá na pozadí, funguje ako sedatívum, ktoré privádza publikum do ospalého stavu. Napriek tomu je takmer nemožné odvrátiť oči od obrazovky, pretože na obrázku sa toho veľa deje, hoci je zobrazené len málo. Rád spomínam na „Minulý rok v Marienbad“ ako film vymyslený z podvedomia, kvôli jeho opakujúcej sa a mätúcej povahe. Postavy sú tiež zmätené z bizarného sveta, do ktorého sa dostali. Je to vyzreté a sofistikované dielo a hlavný dej – zahŕňajúci muža a jeho vzťah s cudzou ženou, s ktorou si presne pamätá, ako sa stretla rok predtým, považujem za veľmi pohlcujúci, originálny, vášnivý, romantický, snový a samozrejme brilantný.

58. Lesné jahody (1957)

Boli ste niekedy na výlete, kde nemáte nič lepšie, ako sa pozerať z okna? Nejaký čas sa pozeráte na pohľad von, kým sa vaše myšlienky vrútia dovnútra a to, čo je vonku, je teraz len šablóna – už to neudrží vašu pozornosť. Tak je to aj s Isakom Borgom, hlavným hrdinom Bergmanovej klasickej náladovej skladby, ktorá si našla svoje miesto v nespočetných zoznamoch najlepších filmov všetkých čias, vrátane jedného, ​​ktorý zostavil Stanley Kubrick v roku 1963. Cestuje so svojou svokrou, aby získal diplom. doktora Jubilarisa zo svojej alma mater. Nemá ho rada a plánuje opustiť jeho syna. Ale nášho profesora v podaní brilantného Victora Sjöströma budúcnosť príliš nezaujíma. Jeho myšlienky a v dôsledku toho aj film, katapultovaný množstvom ľudí, ktorých na svojej ceste stretne, vrhajú svetlo len na jeho minulosť. Pri pohľade cez Bergmanovu zhovievavú optiku sú jeho spomienky jednoduché, známe a ľudské. Neoslavujú jeho život ani neodmietajú jeho úspechy. Sú strapaté, ako väčšina našich a zámerne skreslené. Keď konečne dorazí na miesto, kde mu bude udelená pocta, uvedomíme si, že nikdy nepotreboval odmenu. Dostal to už v tých jahodách, ktoré zbieral so svojou láskou z detstva, obchodníkom, ktorý si ho pamätal, problematickým vzťahom s manželkou, dobrým a zlým, vykupiteľským a neodpustiteľným. Rovnako ako my v podobe tohto tajomného, ​​nevysvetliteľne dojemného filmu.

57. Pravidlá hry (1939)

Geniálna, štipľavá komédia o spôsoboch Jeana Renoira dokáže po všetkých tých rokoch prekvapivo obstáť, pričom zostáva hravá a strašidelná ako kedykoľvek predtým. Kritici aj diváci sa mu v čase jeho vydania vyhýbali, čo viedlo k tomu, že Renoir po katastrofálnej premiére vystrihol značnú časť filmu – časť, v ktorej väčšinou vystupovala postava Octava, ktorú hral sám Renoir. Sotva prekvapuje, že odvtedy rastie. Film je vo svojom prefíkanom, autoritatívnom žonglovaní s postavami, témami, tónmi a prostredím vždy šialene zábavný, no nikdy nie o nič menej usilovný a menej prepychovo spracovaný ako to najlepšie zo svetovej kinematografie daného obdobia. Jeho úzkostlivo kovaný vizuál pulzuje sofistikovanosťou, no snaha nie je nikdy viditeľná a film vás nechá žasnúť, ako hlboko ste boli zapletení do jeho zručne vybudovanej atmosféry. Kameraman Jean Bachelet a Renoir sa hrajú s kamerou spôsobom, ktorý dodáva filmu vzdušnosť, no vďaka ich neúnavnej kontrole je to neustále zaujímavý počin. Ak toto všetko nestačí, mali by ste vedieť, že Alain Resnais raz povedal, že tento film bol tým najdrsnejším zážitkom, aký kedy v kine zažil. Ťažko by ste našli žiarivejšie odporúčanie.

56. Tretí muž (1949)

Film-noir je žáner spojený s filmami, ktoré sú plné temných uličiek, tajomné, zvodné postavy, zmysel pre tajomno a krémová čiernobiela farba. Hoci mnohé z týchto obrázkov sú zaujímavé a ponúkajú dobrý čas, len málo z nich vyskúša niečo inovatívne a iné. Tretí muž je jedným z najlepších filmov noir, aké boli kedy natočené, pretože svoj ohromujúci príbeh rozpráva mimoriadne dobre, pričom využíva pôsobivé holandské náklony, nápadné svetlo a nádhernú hudbu. Film má do činenia s mužom a jeho samočinným vyšetrovaním vraždy jeho finančne dobre zabezpečeného priateľa. Zápletka o Tretí muž je lemovaná romantikou, čiernym humorom, zvratmi a napätím. Vo svojom jadre možno film nazvať sladkým milostným príbehom, no so všetkým ostatným, čo je do toho zahrnuté, o tejto zamilovanosti možno pochybovať. Veľkolepý opus Carol Reed, ktorý hrá majstrovsky napísaný scenár, je ten, ktorý vás udrží na okraji sedadla od jeho skromného, ​​ľahkomyseľného prvého dejstva až po koniec, ktorý môže byť veľmi dobre tým najchytrejším finále akéhokoľvek obrazu, ktorý si niekedy uvidím.

55. Výkriky a šepot (1972)

Tragická rodinná dráma Ingmara Bergmana sa zaoberá smútkom, ktorý je nepoškvrnene zúfalý a zároveň horúčkovito naliehavý. Nie je to trpezlivo budované scénu po scéne a na konci dodávané na tanieri. Ste stvorení, aby ste to vdýchli od samého začiatku filmu, ktorý predstavuje hlavných hráčov a ich tvrdý, horľavý smútok s nádhernými detailnými zábermi, vďaka ktorým je ich dusivé nepohodlie živo evidentné. To všetko je zahalené neúprosným množstvom červenej v podobe karmínovej farby, ktorou sú pomaľované steny domu, v ktorom sa príbeh odohráva. Bergman nám dáva na vedomie pach smrti, ktorý obklopuje ženy tak impozantným smerom, že skutočná smrť nie je dôvodom na poplach. Inherentne násilná túžba žien urobila zo všetkého vo filme strašidelnú, krvou nasiaknutú spomienku v mojej mysli. Neustále fascinujúce vizuálne prvky Svena Nykvista sú zmiernené Bergmanovým jemným písaním a majstrovsky zažitými hercami. Zdá sa, že žiarivá Liv Ullmanová mystifikuje a uchvacuje zakaždým, keď je na ňu kamera, zatiaľ čo nedôverčivé Ingrid Thulin a Harriet Andersson sú vo svojej práci také nepoškvrnené, že je až invazívne prísť do kontaktu s ich pocitmi. Bergman nám nedáva jasné nápady, ktoré by sme si mohli vziať domov, ale odopiera nám všetky ostatné pocity, než aké zažívajú jeho postavy. Sme zvedaví, ako ďaleko siaha jeho prístup k našim emóciám a na každom kroku ho rozširuje. V konečnom dôsledku „výkrikom a šepotom“ netreba veriť, ale treba to žiť.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Možno je to Morriconeho strašidelná partitúra alebo možno vízia Delli Colliho, ktorá je taká rozsiahla ako Západ, alebo možno neochvejná drina kypiaca v očiach Bronsona a Fondu a možno je to vyvrcholenie všetkých týchto aspektov takmer v každom zábere maestra Sergia Leoneho. . Ak potrebujete western, ktorý má krásu Johna Forda aj neúprosnú divokosť Sama Peckinpaha, potom k Leonemu jednoducho nikto nemá blízko. Vo svojom diele magnum dosiahol to, čo mu trvalo tri filmy predtým, aby vytvoril mystický svet uprostred ničoho. Hoci na povrchu nemusí byť nič duchovné, film má bohov. Bohovia športové koruny naplnené 10 galónmi pušného prachu a štrku, ktorý prehltnú s vodou. Obsadenie Henryho Fondu ako antagonistu bolo pravdepodobne rozhodnutím tohto desaťročia, pretože jeho ľadovo modré oči sa nepodobali ničomu, čo kedy Západ videl.

53. Annie Hall (1977)

Nikto nemôže tvrdiť, že rozumie mätúcej, všetko pohlcujúcej záhade, ktorou je láska ako Woody Allen. A žiadny film Woodyho Allena sa ani nepribližuje k tomu, aby ho ukázal v jeho skutočnej, svojráznej sláve ako tento príbeh Alvyho Singera, neurotického, nihilistického komika z New Yorku, ktorý sa „viac než len zamiloval“ do nemotornej, prelietavej, veselej Annie Hall a potom z nej vypadne. Film tiež skúma rodové rozdiely v sexualite prostredníctvom vzťahu Alvy a Annie „Yin and Yang“. Nakoniec aj Alvy akceptuje lásku ako iracionálnu, bláznivú a absurdnú, no v živote nevyhnutnú. Použitie viacerých inovatívnych naratívnych techník, ako je improvizované prelomenie štvrtej steny, rýchle striedanie minulosti a súčasnosti prostredníctvom hladkých strihov, zobrazenie v titulkoch, ako sa Alvy alebo Annie cítia, zatiaľ čo v skutočnosti hovoria niečo úplne iné, a pridanie „ príbeh v príbehu“ ako vyvrcholenie pozdvihne už tak pútavý príbeh. „Annie Hall“ je pravdepodobne prvou skutočne modernistickou romancou na celuloide a namiesto toho inšpirovala generáciu romantických komédií. Žiadna však nie je taká očarujúca ako tá, ktorú sa snažia napodobňovať.

52. M (1931)

Nástup technológie nahrávania hlasu, fenoménu, pre ktorý sa v roku 1927 nazýval „Jazzový spevák“, viedol k absurdnej saturácii dialógov vo filmoch. Táto technológia bola považovaná za samozrejmosť skôr ako priamy upgrade, než ako nástroj, ktorý sa má použiť v spojení so zavedeným filmovým jazykom. Fritz Lang, muž, ktorý začal svoju kariéru v nemej kinematografii sériou majstrovských diel vrátane Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen a výnimočného Metropolis. Jeho migrácia za zvukom dosiahla svoj vrchol vo filme „M“ z roku 1931, ktorý na rozdiel od všetkých okolitých zdrojov odstránil takmer všetok okolitý hluk. Výsledkom je tichá talkie s ohromne nezáživnou atmosférou: taká, ktorá tak efektívne podporuje jej rozprávanie. Spomínaný príbeh sa týka detského vraha a nekompetentnosti nemeckej vlády pri jeho dolapení – vytvorením vlastného klokanového súdu na potrestanie vraha. To, čo tu Lang komunikuje, je neuveriteľne vyspelé v posolstve: Spravodlivosť, ktorá si zaslúži, aby sa jej slúžilo, je úplne podkopaná politickým kontextom doby – so zaznamenanou politikou eutanázie zo strany Národnej socialistickej strany a čoraz násilnejšími ideálmi, ktoré sa na obvineniach ľudí prejavujú ako zhubný nádor. . Vystúpenie Petra Lorrea, bohaté na pátos a mučený humanizmus, pomáha vtlačiť domov hlboký podvod „M“, ktorý je dodnes nesmierne dojímavý.

51. 12 Angry Men (1957)

Odpoveď, či bol chlapec vinný alebo nie, sa už nedozvieme. Ale jedna vec, ktorú 12 Angry Men potvrdzuje, je, že logika vždy zvíťazí nad intuíciou, ak je vo svete bláznov jeden rozumný muž. A je hlúposť chorobou alebo len vedľajším produktom nevedomosti? Dráma Sidneyho Lumeta od vás nežiada, aby ste používali mozog nad srdcom, ale snažte sa dosiahnuť bod, v ktorom sa môžete rozhodnúť, pričom obaja spolupracujú. Spolu s jeho strhujúcim scenárom, ktorý je hrdo súčasťou učebných osnov každej filmovej školy na celom svete, sú kamera a inscenácia priamo z klasickej japonskej novej vlny. 12 Angry Men, ktoré sa pýši nezabudnuteľným výkonom hereckého súboru, je pamätníkom americkej kinematografie.

50. City Lights (1931)

Nie veľa prvých filmárov má v dnešnej kultúre také uznanie a popularitu, aké má Chaplin. Môže to byť spôsobené mnohými dôvodmi. Jeho filmy sa prihovárajú každému a sú neskutočne veselé, no okrem toho sa jeho príbehy pozerajú na melancholické situácie v humornom svetle. To je prípad jeho pravdepodobne najosobnejšej snímky „City Lights“, ktorá rozpráva príbeh o tulákovi a jeho snahe zapôsobiť na chudobnú slepú kvetinárku a zároveň jej pomôcť. Robí tak pod fasádou, predstierajúc, že ​​je bohatý muž, aby upútal jej pozornosť, no dostane sa pri tom do problémov. Keď je film aj v súčasnosti taký zábavný a dojemný ako pred viac ako 75 rokmi, zvyčajne to znamená, že niečo robí správne. 'City Lights' zanechalo svoju stopu vo svete svojím zobrazením chudoby a života počas ťažkých rokov hospodárskej krízy, ktoré je tak dobre spracované a precítené, že divákov nikdy neprestane dojímať a zároveň im dáva nádej lepší zajtrajšok.

49. Come & See (1985)

Druhá polovica neuveriteľne zručného filmárskeho tímu, režisér Elem Kilmov, bol ženatý s Larisou Shepitko – žiarivou virtuózkou za „Wings“ a „The Ascent“. Keď tak smutne zomrela pri autonehode, Kilmov dokončila prácu na svojom výnimočnom nedokončenom projekte „Farewell“ (ktorý mohol jednoducho zaujať toto miesto) – a myslím si, že to, čo robí celý tento kontext takým silným, je spôsob, akým sa doňho vlieva jeho smútok. každý rámec jeho práce. Kilmovova kinematografia prekypuje nevyjadreným hnevom a zúfalstvom: Hromadenie vo svojej vlastnej ohromujúcej váhe emócií – a len málo filmov, ktoré boli kedy natočené, pulzovalo takým silným pocitom ako Poď sa pozrieť . Pravdepodobne, najlepší vojnový film, aký bol kedy natočený, jeho pekelné zobrazenie invázie Wehrmachtu do Bieloruska sa ozýva ohlušujúcimi výbuchmi, nočnou morou a svetom, ktorý sa pomaly vyčerpáva od života – jeho scény sú natočené v nádhernom dutom svetle. Napriek tomu vo všetkom tomto trápení Kilmov nachádza cestu k porozumeniu v jeho transcendentálne vyzretom závere. Možno vo svojom odhodlaní uvažovať o pominuteľnosti života konečne nájde silu pochovať kosti svojej zosnulej manželky. Dá sa len dúfať.

48. Siedma pečať (1957)

Už od prvých obrázkov Bergmanovho ikonického dokumentu o viere, strachu a spokojnosti je na vás zoslané kúzlo. Prísny, zrnitý pohľad na more, pobrežie a na ňom odvážneho rytiera a jeho osudové stretnutie so zosobnením smrti definuje objektívnu čistotu filmu, aj keď necháva priestor pre neustále prítomnú zvodnú, až desivú nejednoznačnosť. Siedma pečať, ktorá ťaží z magnetického vystúpenia neporovnateľného Maxa von Sydowa a skupiny hercov, ktorí pozdvihujú Bergmanov úžasný materiál založený na jeho hre Maľba dreva na neočakávanú úroveň, má vo svojich skromných 90 minútach vplyv starého bájka odovzdávaná z generácie na generáciu, ktorá poháňa predstavivosť oveľa rozsiahlejšiu, ako sama dúfa, že ju obsiahne. Šumivá, svieža čierno-biela farba Gunnara Fischera zaisťuje, že nám drásajúca intenzita vlezie pod kožu. Prúdová plynulosť je výsledkom rozprávania rozvinutého s vznešenou sebadôverou a hmatateľnou vyrovnanosťou. Je to možno úplne jednoduchý príbeh, ktorý v sebe skrýva cenné nápady, no je ušitý z látky tak zložitej a odvážnej, že sa na ňu nedá nehľadieť znova a znova, aby sa pretavila do trvalej spomienky.

47. La Dolce Vita (1960)

Felliniho opatrne, trpezlivo a poeticky zjemnený virtuóz sa naplno prejavuje v jeho víťazovi Zlatej palmy, ktorý vo svojom oduševnenom a temnom pôvabe zachytáva spôsob života, ktorý sa zdá byť príliš prchavý a v niektorých ohľadoch až príliš skutočný. Jeho tempo podčiarkuje pocit bezcieľnosti hlavného hrdinu a núti nás kúpať sa v symfonickom aranžmáne živosti života a toho, aké je to všetko pominuteľné. Tohto hlavného hrdinu hrá najlepší v kariére Marcello Mastroianni, ktorý využíva tento dar času na to, aby si naplnil oči neodolateľnou svetskou únavou. Spochybňovanie významu určitých častí „La Dolce Vita“, ktoré sa môžu zdať bez filozofického významu alebo naratívnej relevancie, znamená odmietnuť možnosť nechať sa zaplaviť pikantnými detailmi a potom uvažovať o dôsledkoch. Keď nás nebeská partitúra Nina Rotu prenesie do závratného sveta Ríma, videný Felliniho iluzórnym okom, vidíte len to, čo chce, aby ste videli, a rýchlo sa to stane tým, čo chcete vidieť aj vy.

46. ​​Psycho (1960)

Ľudské bytosti možno prinajlepšom opísať ako zvláštne. Ľudská myseľ, ktorá je schopná mnohých ohromujúcich vecí, je tiež schopná degenerovať samú seba do nepochopenia. „Psycho“ Alfreda Hitchcocka nepotrebuje predstavovanie, pretože má hlavu vztýčenú, uprostred nadčasových kín. Okrem toho, že je to klasika, je to aj smutný komentár k zlyhávajúcej morálke ľudských bytostí. A nezabúdajte na Normana Batesa! Žieravé držanie pani Batesovej, ktoré uviedlo Normanov život do útlmu počas jeho detstva a nakoniec aj dospelosti, je pripomienkou toho, ako môže byť láska dusivá. Je známe, že pán Hitchcock prijal zvláštne pravidlá pre „Psycho“, ktoré zahŕňali zákaz vstupu do filmu neskorým účastníkom. Bolo prijaté, aby sa zabezpečila plná spravodlivosť pulzujúcej vrcholnej scény filmu. Thriller vo svojej najpravdivejšej podobe „Psycho“ je príbehom syna, jeho matky a ich nezdravého majetníckeho puta. Hitchcock bol pred finále tak zúrivo strážený, že propagoval film s týmto sloganom – Neprezrádzajte koniec – Je to jediný, ktorý máme!

45. Solaris (1972)

Tarkovského „Solaris“ je celkom podobný javom zobrazeným vo filme. Od zamotania si hlavy svojim hlboko zakoreneným konceptom až po vývoj v entitu, s ktorou sa nemôžem rozísť, je to zážitok, ktorý ma núti uvažovať o zabudnutej povahe každej molekuly, ktorá tvorí vesmír. Možno sme si vedomí vedeckých rozmerov, ale dokáže akýkoľvek prístroj vypočítať množstvo lásky alebo smútku, ktoré človek uchováva v nanograme srdca? Dokáže niečo nájsť mozgovú bunku, kde sídli nezabudnuteľná spomienka? Od Bachovej strhujúcej hudby v úvodnej sekvencii až po večnú diaľničnú scénu, Tarkovského využitie času na odpútanie diváka od fungovania normálneho sveta je majstrovské. Solaris je ríša, kde vás emócie pošlú do šialenstva, no kto by nepocítil emócie, keď je šialenstvo krásne na dotyk a dostatočne viscerálne, aby vás oslobodilo od vášho vlastného ja.

44. Schindlerov zoznam (1993)

Dôležitý film, ktorý výrazne ťaží zo Spielbergovho talentu pre dramatiku, je sám osebe rovnako znepokojujúcim a citlivým zážitkom. Film je, rovnako ako mnoho iných na tomto zozname, majstrovskou triedou v niečom, čo rád nazývam zjednodušené, pôsobivé rozprávanie. Príbeh sleduje Oskara Schindlera, nemeckého obchodníka, ktorý počas holokaustu zachránil životy viac ako tisícke Židov tým, že ich zamestnal vo svojich továrňach. Všetci traja hlavní predstavitelia, Liam Neeson ako Oskar Schindler, Ralph Fiennes ako Amon Goth a Ben Kingsley ako Itzhak Stern, sú vo skvelej forme a predvádzajú tie najúprimnejšie herecké výkony. Najmä scéna ku koncu filmu, kde sa Schindler zrúti vzhľadom na to, koľko životov ešte mohol zachrániť, je hlboko dojímavá a zostáva mi vrytá do mysle ako jedna z najsilnejších scén, ktoré vykresľujú srdce v kinematografii. Skutočnosť, že film bol nakrútený čiernobielo, so zriedkavým, občasným použitím farby na symbolizáciu alebo zvýraznenie prvku dôležitosti, umocňuje zážitok. Jednoducho, Spielbergov najlepší film zostáva základným zážitkom zo sledovania filmu.

43. Lawrence z Arábie (1962)

Kino ako médium je stále veľkolepejšie. Vďaka špičkovej technológii, ktorú majú k dispozícii, nám dnešní filmári ponúkajú niekoľko viscerálnych filmových zážitkov. Existujú však filmy, ktoré vznikli ešte predtým, ako bolo CGI v móde, a ktorých číry a monumentálny rozsah nenašiel obdobu. Epická historická dráma Davida Leana založená na živote T. E. Lawrence , jedna z najznámejších osobností Británie, je jedným z takýchto filmov. Hraje Patera O'Toolea ako Lawrencea a zaznamenáva jeho dobrodružstvá na Arabskom polostrove počas prvej svetovej vojny. David Lean hneď od začiatku maľuje žiarivý pohyblivý obraz nekonečnej púšte v celej svojej kráse, s pomocou kameramana Freddieho Younga a pútavou hudbou Mauricea Jarreho. Ale v žiadnom prípade neobetuje emócie pre extravaganciu. 'Lawrence of Arabia' je vo svojej podstate ohromujúcou charakterovou štúdiou Lawrencea – jeho emocionálneho zápasu s osobným násilím spojeným s vojnou, jeho vlastnej identity a jeho rozdelenej oddanosti medzi jeho rodnú Britániu a jej armádu a jeho novoobjavených kamarátov vo vnútri. arabské púštne kmene. Táto zdravá kvalita robí z „Lawrence Of Arabia“ jeden z najvplyvnejších filmov, aké kedy existovali.

42. The Searchers (1956)

Pravdepodobne najväčší western, aký bol kedy natočený, najlepší film veľkej kariéry Johna Forda, „The Searchers“ je americká klasika, ktorá patrí medzi najlepšie filmy, aké sa objavili v päťdesiatych rokoch. Hoci bol v tom čase obdivovaný a rešpektovaný, jeho drásajúca a ohromujúca sila nebola uznaná niekoľko rokov, no začiatkom sedemdesiatych rokov bol oslavovaný ako klasika žánru a možno najlepší western, aký kedy bol natočený. Čas určite nahlodal časť sily filmu, ale nie ten ohromný, zúrivý výkon od Wayna, ani rasizmus vo filme, ktorý podnecuje hnev a zlosť. Hnací príbeh filmu, Ethan a jeho pátranie, je nadčasový, dnes rovnako silný ako vtedy, možno ešte viac, pretože toľko jemných dejových bodov je teraz jasných.

41. Pather Panchali (1955)

Film, ktorý priniesol svetu indickú kinematografiu a dal kinematografii jedného z najlepších autorov, Satyajit Ray. Na základe románu Bibhutibhusan Bandopadhay, „Pather Panchali“ rozpráva príbeh zbedačenej rodiny, ktorá sa snaží prežiť v mnohých životných ťažkostiach. Niekto môže namietať, že to romantizuje chudobu, keďže divák je svedkom mnohých skúšok, ktorým rodina čelí a zarába si na živobytie. Napriek tomu sú to momenty popretkávané hudbou maestra Raviho Shankara, ktoré ostanú v divákovi. Láskavý vzťah medzi Appu a jej sestrou Durgou, vlaková sekvencia, ktorá je jedným z vrcholov filmu, posúva film na úplne inú úroveň. „Pather Panchali“ sa v priebehu rokov stal jedným z kultových filmov a pravidelne sa objavuje v zoznamoch najlepších filmov všetkých čias, a to zaslúžene.

40. Casablanca (1942)

Typický americký klasický film. V jeho šarme je možno niečo také nákazlivé, že si ho zamilujete aj po celé tie roky. Odhliadnuc od obrovského faktora opätovnej sledovanosti, jeho nezabudnuteľné skóre (As Time Goes By!) a mimoriadne citovateľné dialógy sú silným argumentom. Jednoducho povedané, je to potešenie, keď sú všetky prvky skvelého filmového zážitku prítomné v správnom množstve!

Dej je prinajmenšom jednoduchý, miestami takmer hraničiaci s banálnosťou. Cynický muž so zlomeným srdcom, ktorý prevádzkuje najznámejší nočný klub v Casablance, sa ocitne na križovatke, keď sa s manželom objaví dáma, ktorú miloval. Dejové zariadenia sú tu známe tranzitné listy, ale príbeh je priamo o dvoch milencoch na pozadí raných fáz druhej svetovej vojny a o ťažkom rozhodnutí, ktorému čelí Bogartova postava, či zostať alebo nechať ísť. Avšak, ako pri mnohých filmoch tohto žánru, poprava robí svoj trik a premení „Casablanca“ na jednu z najpútavejších romantických drám všetkých čias, ktorá je navyše neuveriteľne dobre zahraná; Humphrey Bogart a Ingrid Bergman sú špičkoví a sú šikovne podporovaní hráčmi ako Paul Henreid, Claude Rains a Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Pri pohľade na kino ako na umeleckú formu nemožno poprieť dokonalosť Barryho Lyndona, od nádhernej kinematografie, fascinujúcich scénok, vynikajúcej hudby až po silnú réžiu. Ako príbeh rozpráva o živote mladého muža v Európe 18. storočia, ktorý stúpa po schodoch k aristokracii, aby ho však jeho zlý osud priviedol späť. Obraz má v sebe niektoré z najväčších scén, aké boli kedy natočené, využívajúc ohromujúce využitie svetla, farieb, fyzických čŕt atď. Nie je lepší spôsob, ako zhrnúť život človeka, ako sa naň pozrieť objektívne. tento film použil nespoľahlivého rozprávača. Je chladný a vzdialený, málokedy dáva publiku šancu cítiť sa s hlavným hrdinom. Z tohto pohľadu Barry Lyndon je bohatá charakterová štúdia s bohatými postavami, realistickým nádychom a poetickým spôsobom komunikácie emócií. Je to jednoducho kino v celej svojej kráse.

38. Generál

Jeden z najstarších titulov na zozname, „Generál“, slúži ako pripomienka, že mnohé moderné akčné majstrovské diela sedia vo veľmi dlhom tieni, ktorý vrhá nikto iný ako génius tichej komédie Buster Keaton. Pýši sa dielom, ktoré je rovnako pôsobivé ako dokonca aj Charlie Chaplin, jeho milý tulák si v Keatonovom prípade vymení miesta s kavalkádou nádherne praštěných postáv; všetko obklopené brilantnou filmovou zvedavosťou, ktorá predĺžila hranice média vo filmoch ako Sherlock Jr. a Kameraman. To všetko bez toho, aby som spomenul jeho veľké dielo, Generál z roku 1927: Nasledovanie konfederačného inžiniera, ktorý sa ponáhľa varovať svoju stranu pred postupujúcim vojskom Únie počas americkej občianskej vojny. Jeho rozprávanie tvorí predlohu pre nedávny „Mad Max: Fury Road“ od Georgea Millera a takmer každý film o mačke a myši, aký bol kedy natočený, a pretrváva so svojou veselou komédiou, pôsobivými špeciálnymi efektmi a odvážnymi kaskadérskymi kúskami, vďaka ktorým Keaton ešte viac ohrozuje svoj život. než raz všetko na obdiv jeho milujúceho publika. Generál zostáva jedným z, ak nie najlepším akčným filmom, aký bol kedy natočený – filmom, ktorý sa zabáva každým kúskom svojho bytia a dokáže privolať toľko skvele zvládnutých momentov epických rozmerov, aby mohol konkurovať akémukoľvek dnešnému vyčíňaniu plnému CG.

37. Vyhodiť do povetria (1966)

Čas ? Swingujúce šesťdesiate roky. Miesto? Londýn. Mesto, ktoré oslňuje a oslňuje. Žiarivé a očarujúce. Sex, drogy a rock n roll. Celkovo vzaté, jeden deň v živote Thomasa, módneho fotografa, ktorý žije životom, povedzme pochybnej morálky. V dni plnom udalostí pri prezeraní fotografií páru, ktoré zachytil dosť tajne v parku, v ňom objaví mŕtve telo. Ide na to isté miesto a nájde telo ako muža z páru. Vystrašený sa vráti do svojho ateliéru a nájde ho vyrabovaný, ale zostala mu jedna fotografia, tá mŕtveho tela. Na druhý deň telo zmizne. Kto ho zavraždil? A prečo telo zmizlo? Prečo mal Thomas pocit, že ho sledujú? „Blow Up“ je prvotriedny počin režiséra Michelangela Antonioniho, ktorý v priebehu rokov inšpiroval mnohých filmárov vrátane Briana De Palmu a Francisa Forda Coppolu.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Závratné, neskutočné zjavenie lásky a zlomených sŕdc nebolo nikdy preskúmané takým spôsobom a do takej miery, ako to robí „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“. Vďaka sviežim nádherným obrazom a vynaliezavému skóre podobnému soundtracku z nemej éry je nemožné vysvetliť všetko o „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“. Niet pochýb o tom, že film je pokrytý ťažko sledovateľným príbehom – aj keď v skutočnosti je jednoduchý, keď ho začnete sledovať – je to jeden z tých filmov, ktorý je bohato obohacujúci jednoducho preto, že sa nemôžete zastaviť omdlievaním nad veľmi premysleným konceptom a hlboko dojímavým film, aký je. Ale skutočnou hviezdou šou je jej autor, Charlie Kaufman , ktorý v podobe „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“ mohol celkom dobre napísať ten najbrilantnejší scenár v histórii kinematografie. Film, ktorý je nielen svojím spôsobom jedinečný, ale aj nekonečne opakovaný, pričom pri každom zhliadnutí nájdete niečo nové.

35. Taxikár (1976)

Vo filme „Taxikár“ nám Martin Scorsese predstavuje jedného z najznepokojenejších, nepravdepodobných, no zároveň rozmarných protagonistov našich čias v Travisovi Bickleovi. Film ho sleduje, keď sa stáva taxikárom, aby sa vyrovnal so svojou nespavosťou, a sleduje, ako ho pomaly premáha všetko to šialenstvo v meste okolo neho. Skutočný spôsob, akým Taxi Driver vyhráva ako film, je ten, ako sa mu darí vkrádať sa k vám a pomaly sa prediera cez špinavosť a hrôzu, ktorá, zdá sa, uráža Travisa Bickla. V tom si právom zaslúži viac ako dráma psychologický thriller, ktorý často pracuje na viacerých úrovniach, než len na dvoch. Film môže byť pre niekoho znepokojivým pohľadom kvôli jeho temnej téme, ešte temnejšiemu spracovaniu a hŕstke násilia, no pre divákov, ktorí ho chcú obzrieť, nie je ničím menším ako brilantným pokusom pochopiť časť ľudská psychika, ktorá najčastejšie pramení vo forme bdelosti. Chcem tým povedať, kto sa nezamýšľa nad tým, ako sa postaviť nesprávnosti našej doby a vrátiť ju späť? Je to hlboko zakorenená fantázia o splnení prianí, s ktorou sa „Taxikár“ pohráva vysoko efektívnym spôsobom. Film je teraz všeobecne považovaný za jeden z najdôležitejších filmov, aký bol kedy natočený, a predstavil svetu silu, ktorou bol Scorsese.

34. Paths Of Glory (1957)

Predtým, ako Stanley Kubrick napochodoval, aby preskúmal nevysvetliteľné aspekty spoločnosti, ktoré nielenže prekročili čas, ale aj očakávania divákov od ich vlastného ja, vytvoril tento strhujúci vojnový kúsok, ktorý zaraďujem k „Come and See“. Na rozdiel od toho posledného, ​​Paths of Glory vyťahuje srdcervúce stvárnenie WW z rovnakej plytkosti ľudstva, ktorá dominovala Kubrickovým posledným dielam. V Kubrickovom svete nie sú démoni pokrytí krvou a blatom, ale s medailami a hrdosťou a peklo sa ponorí do najposvätnejších miest, na dvor. V čase, keď priemysel prijal atraktívny 3 pás, Kubrickova monochromatická farba namaľovala vojnu jediným odtieňom. Telá, handry, baraky, dym, popol, všetko maskované bežným pohľadom na tiesnivú agóniu.

33. Tri farby: červená (1994)

Najsmutnejšia časť umelcovho zániku je, keď si myslíte, že jeho záverečné dielo je jeho najväčším vôbec. To bol prípad poľského autora Krzysztofa Kieslowského a jeho posledného filmu „Červená“. Kieslowski už po premiére filmu v Cannes v roku 1994 oznámil svoj odchod z filmovej tvorby, no jeho tragická smrť takmer dva roky po tom, čo oznámil svoj odchod do dôchodku, je ešte smutnejšia. „Červená“ je posledným dielom jeho veľmi uznávanej trilógie „Tri farby“ a je o mladej žene, ktorá natrafí na starého muža po tom, čo autom náhodou zrazí jeho psa. Starý pán je sudca na dôchodku, odtrhnutý od života a akýchkoľvek emócií a trávi čas špehovaním iných ľudí. Medzi nimi vznikne nepravdepodobné puto s jemným romantickým podtónom. „Červená“ je o náhodách a náhodách, ktoré nás každý deň postihujú, a o našej neschopnosti rozpoznať jej krásu a význam. Celým filmom sa nesie nevysvetliteľný pocit melanchólie o tragédii ľudského osudu a času a o tom, ako sme my ako ľudia vo svete nejakým spôsobom prepojení. „Červená“ je úžasný počin vo filmovej tvorbe a je jednoducho jedným z najlepších filmov, aké boli kedy natočené.

32. Poklad Sierra Madre (1948)

Ako už názov napovedá, hľadanie pokladu si často spájame s pulzujúcim dobrodružstvom a adrenalínom, ktorý je s ním spojený. Existuje však len veľmi málo príbehov, ktoré hovoria o emóciách, ktoré ľudia prežívajú, keď sa vydávajú na cestu za tým zlatom. Často sa hovorí, že nepriazeň osudu ukáže váš skutočný charakter. „The Treasure Of Sierra Madre“ rozpráva príbeh, v ktorom túžba po zlate prináša nechutné zmeny v postavách, čo má v konečnom dôsledku za následok ich individuálnu bezútešnosť. Zatiaľ čo sa pozornosť sústreďuje na chamtivosť, ktorá kazí svedomie, je to štúdium ľudského charakteru v nepriaznivých situáciách, ktoré zostáva na divákovi. Tento tragický príbeh o chamtivosti a zrade získal cenu akadémie za najlepšiu réžiu, najlepšie prispôsobený scenár a najlepšieho herca vo vedľajšej úlohe. V priebehu rokov sa to stalo kultovou klasikou pre milovníkov filmu na celom svete.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, termín, ktorý sa označuje pre časopisy alebo knihy, ktoré zdôrazňujú násilie, sex a zločin. Vďaka týmto prvkom sa časopisy predávali ako horúce palacinky. Tarantino vzal tieto prvky, spojil ich do troch príbehov a vytvoril príbeh, ktorý nebol o nič menší ako filmový génius. Jeden z najunikátnejších filmov o popkultúre, aký bol kedy natočený, divák sa zoznámi so svetom mafiánskeho nájomného vraha Vincenta Vegu, jeho partnera v zločineckej a motoristickej spoločnosti Julesa Winnfielda, gangsterovej manželky Mie Wallace, boxera Butcha Coolidge a nechá sa strhnúť. štýlové spracovanie zločinu a násilia. Jedným z najdôležitejších aspektov filmu, ktorý prispel k jeho úspechu, bol výkon Samuela L Jacksona. Ako nájomný vrah Jules Winnfield, ktorý cituje biblické verše ako pointy, bol fenomenálny. Jeden z najväčších filmov tejto éry, ‚Pulp Fiction‘, sa stal učebnicou pre začínajúcich filmárov na celom svete.

30. Bitka o Alžír (1966)

Len málo filmov unášalo bremeno politiky spôsobom, ktorý obohacuje ich filmový efekt, ale nechajte to na uhladeného rozpáleného talianskeho maestra Gilla Pontecorva, aby zobral stále tlejúci bod vzplanutia francúzskeho koloniálneho útlaku alžírskeho ľudu z konca 50. rokov a zmenil ho na niečo. úplne presvedčivé. Stále predvídavé paralely Pontecorvoho obdivuhodne neutrálne pozorovanie teroru a terorizmu páchaného oboma stranami, ktoré sa dnes kreslia, robí z prežívania „bitky o Alžír“ fascinujúcu intelektuálnu výzvu pre naše chápanie čierno-bielej vojny, a-la Miklósov chladný chlad. Jancsóova nezmazateľná filmografia. Navyše, jeho techniky strihu spravodajstva sú medzníkom vo filmovej komunikácii a podľa môjho názoru oveľa silnejšie využívali techniky šialeného strihu Nouvelle Vague ako mnohé z jeho prieskumných tirážov. Raz videný, nikdy zabudnutý – „Bitka o Alžír“ je jednoducho kľúčovým dielom svetovej kinematografie.

29. Goodfellas (1990)

Režisérovým snom je vytvoriť filmovú epochu doby, v ktorej vzniká. U Martina Scorseseho je to však zvyk. Za každé desaťročie, kedy bol A-Lister, nakrútil film považovaný za jeden z najlepších v tomto období. V 70. rokoch nakrútil „Taxikár“, v 80. rokoch „Raging Bull“, v 90. rokoch „Goodfellas“, „The Departed“ v roku 2000 a „The Wolf Of Wall Street“ v 10. rokoch. A práve gangsterská dráma z roku 1990 podľa skutočného príbehu mafiánskeho spolupracovníka Henryho Hilla sa stala jedným z merítok žánru. Film, ktorý Hill rozpráva v prvej osobe, zaznamenáva jeho vzostupy a pády ako súčasť newyorskej mafie v rokoch 1955 až 1980. Na rozdiel od všetkej gangsterskej extravagancie v snímkach Krstný otec alebo Zjazvená tvár sa 'Goodfellas' zaoberá autentické detaily každodenného života gangsterov, ktoré sa sústreďujú na Hillov vzťah s manželkou Karen rovnako, ako na jeho činy s kolegami z gangu. Ale Scorsese používa všetky šípy vo svojom tulci trikov, aby bola táto záležitosť lákavá, ako napríklad tento legendárny dlhý sledovací záber , niekoľko nezabudnuteľných dialógov a výbušný čin Joea Pesciho ako Tommyho DeVita, Hillovho búrlivého spoločníka. Pokiaľ ide o kriminálny žáner, „Goodfellas“ je taký dobrý, ako môže.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese je známy tým, že vo svojich filmoch zobrazuje príbehy zlomených, chybných, často sebadeštruktívnych protagonistov. A často prehľadáva historické anály, aby našiel svojich padlých hrdinov v skutočných príbehoch. „Raging Bull“ je životným príbehom legendárneho boxera Jakea LaMottu, ktorému sebazničujúci a obsedantný hnev, sexuálna žiarlivosť a živočíšny apetít, vďaka ktorým sa stal šampiónom v ringu, zničili jeho vzťah s manželkou a rodinou. Film je celý natočený čiernobielo, aby skutočne zobrazil éru, do ktorej sa odohrával, a temnú, depresívnu náladu, ktorú definoval. Scorsese očakával, že toto bude jeho posledný projekt. Pri tvorbe filmov bol teda veľmi náročný. Rovnako oddaný bol Robert De Niro, ktorý hrá v hlavnej úlohe. Pribral 60 kíl a v skutočnosti trénoval ako boxer. S ohnivou dokonalosťou nasáva krátke fúzované maniere LaMotta, keď sa úplne ponorí do charakteru. Za svoje problémy dostal zaslúženú cenu. Toto je najväčší triumf Scorseseho-De Nira. Intenzívny, silný magnum opus.

27. Krstný otec: Časť II (1974)

V histórii druhých dielov bolo známych len málo filmov, ktoré by dostáli sláve prvého dielu, len aby ich v niektorých aspektoch prekonali. Ak sa vytvorí zoznam zahŕňajúci takéto filmy, jeho korunovačným klenotom bude „The Godfather: Part II“. Dodržať odkaz prvého bola sama o sebe obrovská úloha, no toto pokračovanie ságy Krstný otec nielenže uspelo, ale zároveň rozšírilo svoj odkaz a stalo sa súčasťou najväčšieho amerického príbehu o organizovanom zločine, aký bol kedy vyrozprávaný. Film predstavuje dva paralelné príbehy; jeden sa zaoberá Michaelom Corleonem ako novým šéfom Corleonského ‚rodinného podniku‘, druhý predstavuje vynikajúceho Roberta De Nira ako mladého Vita Corleoneho a jeho vzostup k moci. Tieto dva príbehy sú šikovne prepletené a poskytujú pútavý príbeh, ktorý diváka ani raz neuvoľní. Al Pacino tu robí jednu zo svojich najlepších prác a jeho novoobjavený pohľad doslova prežúva scenériu zakaždým, keď sa objaví na obrazovke. Jeden z tých takmer dokonalých filmov, ktoré je možné sledovať bez ohľadu na čas, miesto a vaše posledné pozretie, a napriek tomu skončíte v totálnej pokore a úžase. Ak I. diel je svätý oltár, II. diel je chlieb a víno.

26. Mechanický pomaranč (1971)

Prvá vec, ktorá vás pravdepodobne napadne, keď vás požiadame o opísanie tohto filmu jedným slovom, je „znepokojujúce“. Jediný film na zozname, ku ktorému sa odvážim vrátiť sa, som sa pri sledovaní tohto filmu pristihol niekoľkokrát pri sebe. „A Clockwork Orange“ je sociálny komentár v tej najnekompromisnejšej podobe, ktorý poskytuje ostré snímky, z ktorých sa človek už nikdy nespamätá. Je to temné, je to skrútené a neposkytuje to vykúpenie tým, ktorí ho hľadajú vo filme s pravdepodobne najpochmúrnejším stvárnením dystopie v spoločenských podmienkach. A v tom, verím, tkvie úspech filmu, ktorý priniesol znepokojivé posolstvo domov. Nekonvenčné akýmkoľvek spôsobom si viete predstaviť, poskytuje nám protagonistov, ktorí sú zlomyseľní až do špiku kostí a oddávajú sa aktom ultranásilia a znásilňovania; komentuje sociálno-politický stav vecí tým najdrsnejším spôsobom, aký si dokážete predstaviť, privádza vás do stavu zmätku, pretože Alex DeLarge (hrá ho charizmatický Malcolm McDowell) je vystavený neľudským spôsobom rekondície a necháva publikum ďaleko od všetkého, čo vám tento znepokojujúci zážitok prináša naraz. Naozaj, dielo kubrickovských rozmerov.

25. Vertigo (1958)

Príbeh „Vertigo“ vyzerá takto – bývalý detektív Scotty (James Stewart) trpí akrofóbiou kvôli incidentu, ktorý sa stal pri plnení povinností. Osloví ho starý priateľ, aby dohliadal na jeho manželku Madeleine, o ktorej sa domnieva, že je posadnutá. Spočiatku skeptický, Scottie sa čoskoro stane sebazničujúco posadnutý peknou dámou, ktorá sa zdá byť oveľa viac, než pripúšťa. Geniálnosť Alfreda Hitchcocka spočíva v tom, že jeho najväčšie filmy, napínavé na pozeranie po prvý raz, akoby pri každom ďalšom nahliadnutí otvorili divákovi novú vrstvu porozumenia. Iste, pri letmom pohľade, ‚vertigo; je dobre spracovaná záhada psychologickej vraždy. Ale ako ho sledujete znova a znova, jeho témy mužskej agresie a budovania ženského obrazu v mysli muža sa začnú odvíjať ako nekonečná schránka a pohltia vás. Pravdepodobne najjemnejšie starnúci film, aký bol kedy natočený, o pomaly horiacej brilantnosti Vertiga svedčí skutočnosť, že po otvorení protichodným recenziám je tento film všeobecne považovaný za jeden z najlepších filmov, aké boli kedy natočené. Majstrovské dielo od majstra trilerov.

24. Hirošima, moja láska (1959)

Hirošima mon amour, ktorý sa zrodil z mysle vizionára francúzskej ľavostrannej banky Alaina Resnaisa, je film, ktorý plače transcendentálnou silou. Jeho príbeh o čase prepletený so spomienkou a zjazvením oboch, ktorý sa odohral v Hirošime počas druhej svetovej vojny, vyrozprávaný prostredníctvom dvoch ľudí – jedného Francúza, jedného Japonca –, keď sa pokúšajú dať dokopy prevládajúce posolstvo o skaze, ktorá tam bola spôsobená. Ibaže z takejto hlúposti sa nedá nič intelektuálne ani emocionálne získať. Je to kus práce nasiaknutý medzinárodným smútkom, ktorý siaha ďalej ako samotný konflikt a do právd a represií, ktoré prenasledujú ľudské bytosti každý jeden deň. Prostredníctvom dozvukov atómového výbuchu nachádzame malú časť toho, čo je na nás tak zlé. Skutočnosť, že Resnais jednoducho chápe tento nedotknuteľný zmätok, namiesto toho, aby sa ho pokúšal napraviť, robí z filmu Hiroshima mon amour jedno z veľkých majstrovských diel kinematografie.

23. Pri náhodnom Baltazárovi (1966)

Bezútešné majstrovské dielo Roberta Bressona je cvičením cítenia. Odkláňa sa od definovania jasného hlavného hrdinu alebo ústrednej témy, pokiaľ nepočítate zázračnú silu prírody, ktorou je Balthazar, a ak film beriete ako nominálnu hodnotu, tak nie. Ale ak mu dovolíte, aby bol vaším bodom prístupu k emocionálnemu a tematickému prostrediu filmu, je ťažké vrátiť sa z neho bez odmeny. Balthazarov zvláštny, štíhly a chladný vizuálny štýl sa pri spätnom pohľade zdá takmer očarujúci; jeho pokojná krehkosť zabalená do rezignovaného, ​​výnimočne múdreho pocitu kontroly. Dokonca aj jeho hmatateľná úprimnosť v sebe skrýva naštudovanú snahu trochu sa zdržať, vyživovať v jednoduchosti prostredia a charakteru bohatstvo ponechané publiku na objavovanie a v niektorých úchvatných prípadoch si predstavovať. Keďže herci hovoria tak málo o svojej ťažkej situácii, zažívame náhodné, nerozumné činy krutosti a cítime dusivý smútok pre ich. Vo forme, v ktorej sa aj tí najuznávanejší umelci snažia iba zvýšiť zmysly divákov tým, že sa prispôsobia osvedčeným a osvedčeným, mi Bressonove obrázky poskytli lyrickú šablónu, na ktorej môžem založiť veľkosť môjho súcitu, dokonca posúdiť, do akej miery je súcit vedomý. .

To všetko ma privádza späť k mojej pôvodnej myšlienke. Prisudzovanie významu každému momentu v „Balthazarovi“ nezávisí od toho, či považujeme jeho obsah za alegórie sociálnej alebo dokonca politickej povahy, ale od spôsobu, akým nás robia. cítiť vychutnávaním si ich komplexnosti a ticha, namiesto spoliehania sa na bezduchú expozíciu, ku ktorej sa väčšina filmov uchyľuje. Dáva teda dokonalý zmysel, aby hlavným hrdinom bol rovnomenný somár.

22. Andrej Rublev (1966)

Som presvedčený, že „Andrei Rublev“ je najväčším príkladom koncepcie sochárstva v čase od ruského autora Andreja Tarkovského. Veľa jeho posledných prác bolo abstraktných, pretože sa zaoberal neuveriteľne osobnými témami a vizualizáciou, ktorá bola rozptýlená v rôznych časových obdobiach. S „Andreim Rublevom“ zachytil Tarkovskij samotný čas a potom ho pohladil v najhlbších odtieňoch umelcovej duše. Tarkovskij je pravdepodobne jediným filmárom, ktorý dokázal dosiahnuť najväčší úspech v zobrazení umelcovej represie. Skúma utláčateľské režimy Ruska, ktoré sú v krajine rovnako pôvodné ako jej hlboká literatúra, ktorá prekvapivo spochybňuje najnaliehavejšie otázky týkajúce sa duchovného a metafyzického. Mnohé z neskorších Tarkovského čŕt vrátane natáčania toku prírody možno pozorovať na ceste Andreja Rubleva. Je to film, ktorý vás zfilmuje, rozbije vás a prinúti vás premýšľať – počas filmu, ako aj dlho po tom, čo sa prevalili titulky.

21. Dobrodružstvo (1960)

Ako vnímate nevyriešenú záhadu? Alebo nedokončený príbeh? Hľadáte uzavretie tým, že ho zúfalo hľadáte? Alebo akceptujete fakty a potom idete ďalej? Nie je o tom život? Kompromis a ísť ďalej? Film „L’Avventura“, ktorý priniesol Michelangelovi Antonionimu uznanie po celom svete, je príbehom zmiznutia mladej ženy počas plavby na jachte cez pobrežie Sicílie. Pátranie po nej spojí jej bývalého milenca a najlepšieho priateľa a začne znepokojujúci vzťah. Aj keď je príbeh utkaný okolo pátrania po nezvestnej žene, jeho skutočným účelom je vytvoriť príbeh bez toho, aby sa sústreďoval okolo veľkej udalosti a stále dokázal zaujať publikum. Skutočné motívy ústredných postáv nie sú nikdy úplne vysvetlené a na konci filmu je divák nútený akceptovať, že niektoré udalosti ostávajú nevysvetlené, tak ako život. Nespochybniteľné majstrovské dielo!

20. Breathless (1960)

Dávno predtým, ako si Quentin Tarantino prerazil cestu na americkú nezávislú scénu so svojím divoko individualistickým prístupom k filmovej tvorbe, ktorý umocnil zameranie štýlu na podstatu, tu bol muž menom Jean Luc-Godard, ktorý nebojácne prevzal tradičné filmové gramatiky a bezohľadne ich porušil. nadol, nanovo definovať a formovať filmy tak, ako ich vidíme dnes, pomocou filmu s názvom „Breathless“. Snáď žiadnemu inému filmu sa nepodarilo zachytiť prchavé šialenstvo mladosti tak, ako to robí „Breathless“ svojou bezohľadnou energiou a opojnou atmosférou. Podivné použitie skokových strihov vzrušuje prirodzenú šialenosť predpokladu, keď vás Godard zúrivo odháňa lakťami preč od svojich postáv a žiada vás, aby ste sa namiesto príbehu ako celku zamerali na fragmentované aspekty príbehu. „Breathless“ je jedným z najdôležitejších filmových debutov v dejinách kinematografie a hoci naďalej polarizuje cinefilov a kritikov, nemožno poprieť jeho vplyv na modernú kinematografiu.

19. Sedem samurajov (1958)

Akira Kurosawa je jedným z najoriginálnejších, najvplyvnejších a najreferencovanejších režisérov, ktorí kedy žili. Roger Ebert raz povedal o Kurosawovi Dalo by sa tvrdiť, že tento najväčší z režisérov zamestnával akčných hrdinov na ďalších päťdesiat rokov a nemohol byť pravdivejší. Skladba A Fistful Of Dollars Sergea Leoneho, o ktorej sa hovorí, že zrodila žáner Spaghetti Western, bola inšpirovaná Kurosawovou skladbou Yojmbo. Aj naša súčasná položka je technickým a kreatívnym predelom a inšpirovala nespočetné množstvo priamych prerozprávaní, ako aj mnoho vizuálnych prvkov v modernej kinematografii . Epická dráma zachytáva príbeh o siedmich ronin (samuraj bez pána), ktorí sa chopia zbraní, aby bránili chudobnú civilizáciu, ktorá už pre nich nemá miesto, pred nájazdmi banditov v Japonsku 16. storočia, ktoré vyvrcholí krutou vrcholnou bitkou. Brilantnosť filmu „Sedem samurajov“ však spočíva v tom, že v rámci hlavnej drámy rozpráva množstvo dobre vytvorených príbehov naprieč žánrami. V celom filme sú prítomné prvky akcie, dobrodružstva, romantiky a dospievania. Pozostáva tiež z postáv bohato rozvinutých ako vzácny steak, ktoré sa neskôr stali základmi viacerých žánrov. Skutočne inšpiratívne umelecké dielo.

18. Strom života (2010)

„Strom života“ je najvyššia forma kina: jednoducho nehovorí príbeh, ale jeho cieľom je zmeniť váš život. Je to film, ktorý vám nejaký čas potrvá, a keď sa tak stane, bude pre vás ťažké neustále naň myslieť. Filmová báseň mimoriadneho rozsahu a ambícií „Strom života“ od svojich divákov nežiada len pozorovanie, ale aj úvahy a pocity. V tej najjednoduchšej podobe je to príbeh o ceste hľadania samého seba. Vo svojej najkomplexnejšej podobe je to meditácia o ľudskom živote a našom mieste vo veľkej schéme vecí. Nezáleží na tom, akej viere veríte alebo či vôbec veríte vo vyššiu entitu. Skutočný pocit úžasu vo filme vyplýva z mágie, ktorou je život sám. Najkrajším aspektom filmu je, že sa časom zlepšuje ako dobré víno.

17. Close Up (1990)

Zosnulý veľký iránsky autor Abbas Kiarostami často videl krásu a poéziu v najabsurdnejších všedných epizódach ľudských životov. S klamlivo jednoduchými zápletkami a naturalistickým prostredím Kiarostami skúmal univerzálne témy, ktoré plynule prekračovali kultúrne bariéry v dôsledku druhu ľudskosti, do ktorej bola jeho kinematografia neodmysliteľne zabalená. 'Close Up' je pravdepodobne jeho najdokonalejším dielom a jedným z najoriginálnejších, najvynaliezavejších diel. filmového umenia, ktoré sa kedy vytvorilo. Film má formu dokumentárnej fikcie, ktorá zachytáva skutočný súdny proces s mužom, ktorý sa vydával za iránskeho filmového režiséra Mohsena Makhmalbafa. Obsadenie zahŕňa ľudí, ktorí boli skutočne zapojení do súdneho procesu a hrali samých seba vo filme. „Close Up“ je úžasným skúmaním ľudskej identity videnou očami obyčajného človeka, ktorý sa snaží vysporiadať so sebou samým a so svojím životom, a zo zúfalého smútku a skutočnej lásky k umeniu filmu vstúpi do kože svojho idolu vedieť, aký je to pocit byť skutočne živý, obdivovaný a rešpektovaný. Toto je filmová tvorba na najvyššej úrovni.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brusel (1975)

Tento francúzsky avantgardný film s Delphine Seyrig v hlavnej úlohe nie je len filmovým zážitkom. Je to bližšie k cvičeniu – skúške a ovplyvní vás tak, ako to predtým alebo potom dokázalo len málo iných filmov. Nezávislé dielo sa sústreďuje na tri dni v živote osamelej, problémovej gazdinky, ktorá si prechádza prísnym rozvrhom plným všedných domácich prác. Je matkou a vdovou, ktorá vo večerných hodinách vykonáva sexuálnu prácu pre pánov, aby si zarobila na živobytie. Problémy nastanú, keď sa na druhý deň jej rutina mierne naruší, čo vedie k dominovému efektu, ktorý sa prejaví v nasledujúcich hodinách. Jeanne Dielmanová vtiahne človeka do svojho pomalého a meditatívneho sveta s Akermanovým výrazným režijným rukopisom, zahŕňajúcim dietetickú atmosféru a hypnotickú auru vyvolanú pokojnou, jemnou a trpezlivou osobnosťou majstrovského diela, ktoré je bolestnou oslavou monotónnosti existencie.

15. Rashomon (1950)

Jeden z najnetradičnejších a najexperimentálnejších diel filmovej tvorby na svoju dobu, ‚Rashomon‘, sleduje majstra pri práci a naplno využíva jeho rozprávačské schopnosti. Zjednodušene povedané, ide o popis incidentu, ku ktorému došlo zo štyroch veľmi odlišných pohľadov, pohľadov obvinených, obetí a tých, ktorí sa vyhlasovali za očitých svedkov. Vyniká na všetkých technických základoch takmer bezchybným strihom a majstrovskou réžiou, no svoje víťazstvá si zabezpečuje v tematických otázkach, ktorými sa zaoberá; otázky o existencii absolútnej pravdy. Je pravda naozaj taká objektívna a nespravodlivá, ako sa o nej niekto vydáva, alebo s ňou súvisí určitá subjektivita? Normálne je objektívny alebo sa zaň aspoň všeobecne považuje, pričom zdanlivo neexistujú žiadne jeho iné verzie. Tento film to spochybňuje takým spôsobom, že samotného diváka znepokojujú otázky, často komentujúce aj to, ako ľudia niekedy nie sú úplne úprimní ani sami k sebe. Je to tak tematicky zložité, ako to len môže byť, no zdanlivo také jednoduché, ako chcete.

14. Stalker (1979)

Stalkerov kolosálny vplyv na vizuálne rozprávanie príbehov sa nedá preceňovať, keďže jeho menší potomkovia, medzi ktoré patrí aj mimoriadne úspešný televízny seriál „Westworld“, sú na uzde. Nápady – filozofické, duchovné a vedecké – ako aj ich obratné, slávne filmové skúmanie v „Stalkerovi“ našli svoje dojmy v mnohých sci-fi, ktoré po ňom prídu. Nie je to ani tak kĺzanie, navodzovanie tranzu a v bodoch, abstraktné tempo alebo duševne vzrušujúce použitie monochromatickej sépie mimo Zóny a vtlačujúce farby miest v Estónsku, ktoré sa odzrkadlili v práci filmárov ako Terrence Malick. a Lav Diaz, aby sme vymenovali aspoň niektoré, ale vytrvalá trpezlivosť a pokora. Tarkovskij, ktorý z veľkej časti odovzdáva publiku filozofickú vládu, necháva divákom toľko priestoru na objavenie viacerých metafyzických aspektov filmu, že dokonca aj jeho bezkonkurenčná doslovná a vizuálna poézia sa zdá byť rovnako výplodom nášho výmyslu ako jeho. a jeho spolupracovníkov“. A predsa, film zostáva v ústraní, vedie nás do nevyspytateľných tajomstiev mysle a srdca a nikdy ich nerozlúskneme, pretože rovná cesta nikdy nie je tá správna.

13. Fanny a Alexander (1982)

Takmer 35 rokov po svojom prvom vydaní je Bergmanov posledný režijný film rovnako fascinujúci na rozpitvanie, ako to bolo v tom čase pre kritikov na celom svete, ktorí sa zdalo, že všetci majú problém zabezpečiť, aby ich názory naň boli vypočuté. Tieto názory boli oveľa rozdeľujúcejšie ako dnes, no miesto filmu v Bergmanovej filmografii sa zdá byť stále ťažko definovateľné. Tónom, štruktúrou a čírou veľkosťou sa to nepodobá ničomu, čo dovtedy Bergman urobil. Ale je to tiež nepochybné spojenie všetkých jeho tematických a vizuálnych inštinktov, ktoré sa prelínajú v tejto životu potvrdzujúcej tapisérii rodiny zo začiatku 20. storočia vo Švédsku. Zdá sa, že jeho malebná bujarosť si pri prvom pohľade upúta všetku vašu pozornosť svojimi hlboko pohlcujúcimi variáciami červenej, zelenej a jemnej, teplej žltej, ktoré tvoria takú opojnú farebnú paletu, že jej absencia – keď je všetko zahalené do bielej, čiernej a drsnej modrej – zdá sa trestuhodné. Bergmanove precízne vypracované kroniky vyžarujú s vervou rodinného pikniku a vyznačujú sa známosťou ľudských väzieb, ktoré celé desaťročia drží pohromade pravá, krehká náklonnosť. V tomto veľkoryso namontovanom stvárnení života sú narodenie a smrť náhodné. V malom svete tieto postavičky, ako väčšina z nás, obývajú, obvodové radosti sú všetko, v čo sa dá dúfať a stačia im, ako by nám mali byť. Je to všetko ilúzia? Niekto by si mohol myslieť, že keď tento gigantický súbor robí také zázraky. Ak áno, verte mi, nechcete, aby sa to rozbilo.

12. Apocalypse Now (1979)

Sú vojnové filmy, ktoré ukazujú zložitosť vojen (napríklad „Nepriateľ pred bránami“), niektoré iné, ktoré túto predstavu kritizujú a nenávidia ju (napríklad „Pianista“), a potom je tu odvážny „Apocalypse Now“, ktorý neponúka nič. názor alebo záver, ale namiesto toho odhaľuje grafické zobrazenie hrôz vojny a zároveň oslavuje vojakov, ktorí sa jej zúčastnili. Diskusia o tom, či je „Apocalypse Now“ provojnová alebo protivojnová, prebieha dodnes. Milovať alebo nenávidieť; istá vec je, že si to zapamätáte. Jedna z najproblematickejších produkcií v dejinách Hollywoodu, posledný zostrih scenáristu a režiséra Francisa Forda Coppolu skončil jeho technicky najgeniálnejším dielom. Holá premisa je jednoduchá – kapitán Willard musí skončiť s extrémnymi predsudkami plukovníka Kurtza, ktorý vstúpil na nepriateľské územie a odišiel AWOL. Ale je to Willardova vyčerpávajúca cesta naprieč trýznivými vietnamskými bojiskami (povznesená úchvatnou kinematografiou Vittoria Storara), ktorá zostáva vrytá do myslí ešte dlho po uvedení titulkov. S jednou nezabudnuteľnou scénou za druhou a definitívnymi výkonmi Martina Sheena ako Willarda, Marlona Branda ako Kurtza a Roberta Duvalla ako „napalmového nadšenca“ podplukovníka Kilgora, „Apocalypse Now“, ako správne uviedol Coppola, nie je o Vietname. Je to Vietnam.

11. The 400 Blows (1959)

„The 400 Blows“ od Françoisa Truffauta je skutočným umeleckým dielom prameniacim zo skutočnej bolesti. Skutočne úprimné a hlboko osobné dielo, Truffaut venoval film svojmu duchovnému otcovi a medzinárodne uznávanému filmovému teoretikovi André Bazinovi. Truffautovo vlastné detstvo, ktoré má výrazne autobiografický charakter, bolo nepokojné, a to sa vo filme veľmi zreteľne odráža. Navonok je film o kriminalite mladistvých a dospievajúcich, ktorá je často poháňaná spoločenským a rodičovským zanedbávaním. Pozrite sa trochu hlbšie a nájdete film o nádeji; nádej, ktorá je intenzívna aj terapeutická. Antoine Doinel, hlavný hrdina, je akýmsi ostrým predstaviteľom spoločnosti samotnej, spoločnosti, ktorá svoje zlyhania skrýva za pravidlá, tresty a úsudky. Film plynie ako rieka a berie divákov na cestu nádeje, zúfalstva, empatie a dokonca aj čistého hnevu. Ak ste niekedy chceli vidieť, ako vyzerá majstrovské dielo, nehľadajte ďalej ako „The 400 Blows“.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch nie je filmár. Muž je snílek. A ‚Mulholland Drive‘ je ten najväčší sen, aký kedy sníval. Sen, ktorý zahŕňa každú emóciu, ktorá zahŕňa ľudskú existenciu. Je ťažké vysvetliť alebo opísať film ako „Mulholland Drive“, pretože je to film o zážitku a o tom, čo si z neho odnesiete, a nie o dejovom základe konvenčného príbehu, ktorý vás kŕmi odpoveďami, ktoré by ste si s radosťou mohli vziať domov. Lynch často uvádzal, že jeho vízia filmu je v podstate postavená na mnohých nápadoch a pocitoch. A to sa stáva vstupnou bránou k pochopeniu tak zložitého a vrstveného filmu, akým je „Mulholland Drive“. Je to labyrint snov, ambícií, túžob a nočných môr. Lynch vie, čo nás najviac desí a čo nás privádza do úplného šialenstva. A práve tento znepokojivo intímny odraz ľudského podvedomia robí z „Mulholland Drive“ tak hlboko mučivé umelecké dielo. Takú, ktorá vás zahalí pocitom tepla a nehy predtým, ako vám prereže lebku.

9. Zlodeji bicyklov (1948)

Jednoduchosť je najvyššia sofistikovanosť – Leonardo Da Vinci. Jednou z najťažších úloh vo filme je zistiť, kedy svoj film ukončiť. Záver v Bicycle Thieves je tak tónovo synchronizovaný so začiatkom, keďže začíname od Antonia, bežného človeka vynárajúceho sa z davu, až po Antonia, bežného človeka, ktorý sa rozplýva v dave. Život v povojnovom Ríme sa zmenil každý deň na boj a sotva sa našiel niekto, kto by sa dostal z tohto močiara biedy. Existuje len veľmi málo filmov, ktoré poskytujú tak hlbokú introspekciu ako Zlodeji bicyklov. Je to film, ktorý vám rozbije srdce na kúsky a zároveň vás inšpiruje žiť život naplno. Málokedy je film tak jednoduchý vo svojej premise tak brilantne účinný vo svojom posolstve. Po zhliadnutí filmu je prakticky nemožné zabudnúť. Hoci najväčším úspechom filmu je to, koľko nezávislých filmárov inšpiroval, ktorí dodnes ako svoju inšpiráciu uvádzajú „zlodejov bicyklov“.

8. Tokijský príbeh (1953)

„Tokyo Story“ je to, čo každý filmár, ktorý chce vyrozprávať zmysluplný príbeh, túži po tom. Je zrejmé, že všetky zaostávajú! Neexistuje lepší príklad filmu, ktorý vykresľuje epický príbeh tak jednoduchým, ale majstrovským, efektívnym a nezabudnuteľným spôsobom. S „Tokyo Story“ Yasujiro Ozu dosiahol niečo, čo je snom každého žijúceho filmára: navždy prebývať v srdci a mysli divákov. Každý, kto videl „Tokyo Story“, bude vedieť, o čom hovorím. Film rozpráva príbeh starnúceho, tradičného japonského páru, ktorý navštívi svoje deti v Tokiu, aby si kruto uvedomil, že ich deti sú príliš zaneprázdnené životom, aby sa o ne mohli starať, a že sa im nesmierne vzdialili, kultúrne a emocionálne. . Čo je na filme také skvelé, je jeho univerzálna téma, s ktorou sa môže stotožniť každý a kdekoľvek. Ozuov filmový štýl tiež zaisťuje, že vás pohltí príbeh, ktorý ponúka hlboký pohľad do meniacej sa ľudskej psychiky s meniacou sa dobou. Jednoducho geniálne!

7. In the Mood For Love (2000)

„In the Mood For Love“ je jednoducho najväčší milostný príbeh, aký bol kedy natočený. Obdobie. Pokojne to mohla byť hra alebo dokonca poézia. „In The Mood For Love“ s krásnymi, podmanivými obrazmi a vynikajúcou, dušu prenikavou hudbou rozpráva zložitý príbeh dvoch jednoduchých jednotlivcov. Dvaja jedinci, ktorí prechádzajú strachom a návnadou zo zamilovania sa; a raz zamilovaný, čistá bolesť z toho, že to zostane neúplné. „In the Mood for Love“ zobrazuje lásku v jej najzraniteľnejšej podobe. A pri tom odhaľuje našu vlastnú zraniteľnosť a to, akí bezmocní sme pred láskou. Málokedy má film tak podhodnotený a tak rezervovaný taký vplyv po zhliadnutí.

Nie som si istý, či režisér Wong-Kar-Wai zamýšľal nakrútiť film, ktorý natočil, vzhľadom na to, že väčšinou nakrútil film bez scenára. Ak sa pozriete do histórie, najdefinujúcejšie umelecké diela sú šťastné náhody. Medzi nich počítajte „In the Mood For Love“.

6. 8 1/2 (1963)

Číslo osem a pol vo filmografii talianskeho majstra je tento horúci, pôvabný epos fantázií, nočných môr a príliš zahmlenej reality ako sušienka – rozhodne absurdná vo svojom tvare a upečená spôsobom, ktorý nedovolí úplne ju zhltnúť. jedným ťahom. Jeho strašná a nepokojná kamera dopĺňa Felliniho vedomú víziu filmára, ktorý sa pokúša vo svojom novom filme nasmerovať mnohé meniace sa skúsenosti, ktoré zažil počas svojho spletitého života. Akokoľvek je to poloautobiografické, „8 1/2“ preletí okolo svojho publika so všetkou svojou úchvatnou komplexnosťou nedotknutou takým radikálnym tempom, že som sa pristihol, že sa pokúšam dekonštruovať jeho dômyselne skomponované obrazy, aby som našiel svoje vlastné miesto v Felliniho obrovská špecifickosť, ale nikdy nedokázal pristáť pevne na zemi.

Felliniho čistá elektrina, ktorá využíva tienené gravitácie Marcella Mastroianniho, môže byť ohromujúca. Držíte sa svojho vnímania konkrétneho momentu a spoznáte jeho zmyselnú bohatosť, len aby ste zistili, že filmár prešiel k ďalšej vlajúcej, delikátne vyváženej sekvencii. Jeho predstavy o umelcoch a ich mätúcej, smiešnej posadnutosti sebou samým sa môžu zdať zastaralé – v horšom prípade irelevantné – ale drzosť ich konštrukcie a výrazu nás nikdy nestráca. Očaruje a očarí nás, nikdy nám nedovolí odtrhnúť z neho oči a potom nám prekĺzne pomedzi prsty, keď nám dôjde, že sme ho nikdy nemali v rukách. Fellini sa veľmi nelíši od jasnovidkyne Mayy vo filme, ktorá, ako sa zdá, vie, čo si každý myslí: schopnosť, ktorú jej asistent pripisuje telepatii. Keď sa náš hlavný hrdina, Guido, pýta asistenta, ako to robí, jasne poznamená: Je to čiastočne trik a čiastočne skutočné. neviem, ale stáva sa. Žiadne slová nemôžu byť výstižnejšie na opísanie filmu.

5. Osoba (1966)

Myslím, že je bezpečné povedať, že „Persona“ sama zlomila kinematografiu. Klasika Ingmara Bergmana z roku 1966 je na prvý pohľad hororovým filmom a je skôr štúdiou individuálnej identity než čohokoľvek iného. S využitím inovatívnych strihových techník, ostrých uhlov kamery, chladných výrazov, pohlcujúcich dialógov a skvelej réžie rozpráva tento film čo najdokonalejším nejednoznačným spôsobom príbeh slávnej herečky, ktorá príde o hlas, a sestry, ktorá sa o ňu stará. v odľahlom dome, kde sa ich výrazné osobnosti pomaly začínajú spájať. Ako režisérov najfilmovejší počin, „Persona“ dbá na to, aby prekrútila každé bežné pravidlo filmovej tvorby, aby sa pokúsila priniesť svieži a vzrušujúci zážitok. Vďaka niektorým z najlepších hereckých výkonov, aké kedy boli použité na celuloide, nám atmosféra filmu pomáha oceniť otázky, ktoré o ňom máme, tým, že inteligentne presúva pozornosť na remeslo, ktoré do hry vkladáme. Nič také ako „Persona“ jednoducho neexistuje a to by mohla byť skutočnosť.

4. Krstný otec (1972)

Možno najvplyvnejší film, aký bol kedy natočený. Jedna z najvzácnejších adaptácií, ktorá je v skutočnosti lepšia ako zdrojový materiál – v tomto prípade rovnomenný román Maria Puza – film pretrval veky a je klasikou v pravom slova zmysle, ktorá sa každým dňom zlepšuje. prezeranie. Film zaznamenáva mafiánsku rodinu pod vedením Dona Vita Corleoneho a zameriava sa na prechod jeho syna, keď preberá rodinný podnik po smrti patriarchu. Výkony sú bezpochyby jednou z hlavných predností tohto filmu, pričom velikáni vrátane Marlona Branda ako Vita Corleoneho a Al Pacina ako Michaela Corleoneho svojimi výkonmi predefinovali herecké štandardy. Všetko ostatné, najmä scenár a kinematografia a skóre, ktoré udávajú náladu, sú podľa očakávaní áčkové a žánrovo určujúce. Správne, neexistuje cinefil, ktorý by toto majstrovské dielo filmu nevidel. Je to oltár, kam sa chodíme modliť.

3. Občan Kane (1941)

Svätý grál americkej kinematografie. „Občan Kane“ definoval takmer každý aspekt, ktorý zahŕňa umenie filmu. Film, ktorý porušil nespočetné množstvo konvencií filmovej tvorby, len aby vytvoril nové. Od svojich prevratných technických prvkov vrátane osvetlenia, zvuku a vizuálu až po vysoko inovatívny štýl rozprávania, „Citizen Kane“ zmenil spôsob, akým sa filmy natáčali. Film je hlbokou štúdiou postáv, ktorá má formu mysterióznej drámy odhaľujúcej pravdy o živote záhadného vydavateľského magnáta, ktorého posledné slovo vzbudilo záujem reportéra. Vydáva sa na cestu za poznaním ľudskej bytosti, ktorá kedysi začínala svoj život so surovými ambíciami a túžbami, no čoskoro podľahla zvodnej sile chamtivosti a autority. „Citizen Kane“ je nesmierne silné umelecké dielo, ktoré strháva vo svojom skúmaní hlbokých tém a zachytáva nekonečne zložité emocionálne aspekty ľudského života.

2. Zrkadlo (1975)

Môže byť umenie niekedy také osobné, že ho človek nedokáže odlíšiť od jeho tvorcu? To je otázka, ktorá ma napadla, keď som prvýkrát videl „Zrkadlo“ Andreja Tarkovského. Toto je umelecké dielo, kde sa umelec úplne oddáva svojej práci, pričom nedokážete rozlíšiť medzi ním a prácou, ktorú robí. Je to skoro, ako keby Tarkovskij dýchal celý film. Auteurs vytvorili svoje majstrovské diela, zmenili a formovali kinematografiu tak, ako ju vidíme dnes, ale Tarkovskij urobil krok ďalej a dosiahol nedosiahnuteľné; dať život svojmu umeniu. „The Mirror“ priam dýcha kinematografiou. Mohli ste vidieť Tarkovského, jeho rodinu, kultúru, v ktorej vyrastal. V skutočnosti by ste v nej mohli vidieť seba, svoju matku a pri pohľade na tieto miesta vám napadne ten pocit Deja Vu. Je to skoro, ako keby ste tam boli, možno v živote alebo v sne, ktorý sa niekde stratil. A pre umelca vytvoriť niečo, čo je osobné a intímne, je niečo, čo sa skutočne nedá povedať. Je to film, ktorý potvrdzuje to, čo sme vždy vedeli: kino je najväčšia forma umenia.

1. 2001: Vesmírna odysea (1967)

Ako každá iná položka na tomto zozname, aj „2001“ je lekciou filmovej tvorby. Niekoľko filmárov, vrátane takých ako Christopher Nolan a Denis Villeneuve, hovorilo o tom, ako bol film ich inšpiráciou. Takže áno, film je technický zázrak. Ale to nie je dôvod, prečo sa film umiestnil na vrchole tohto zoznamu toľkých skvelých filmov. Sedí na vrchole, pretože je to film, ktorý sa odvážil ísť na miesto, kam sa ešte žiadny film nedostal. Do pekla, nikto ani nevedel, že existuje také miesto, kam by sa kino mohlo zamerať. A ak niekedy kinematografické umenie vyžadovalo dôvod alebo dôkaz, ktorý by potvrdil, že účel jeho existencie je oveľa viac ako obyčajná zábava, potom je to tu: úplne presvedčivá a nanajvýš mýtická „2001: Vesmírna odysea“.

Stanley Kubrick rozšíril obzory kinematografie takmer všetkými svojimi filmami. S filmom „2001: Vesmírna odysea“ tiež dal nový význam tomu, čo môže kinematografia dosiahnuť. Väčšina filmárov používa kino ako médium na rozprávanie príbehu. Ale Kubrick použil kino na otázku. Čo sa pýtal? Všetko, od Boha až po účel našej existencie. Aj keď je „2001: Vesmírna odysea“ sám o sebe vysoko inteligentný sci-fi film, je aj oveľa viac. Verím, že je to film, ktorý je skôr filozofickým pátráním po tom, či Boh existuje. Hovorte o mieri vysoko!