100 najlepších filmov všetkých čias

Alejandro Jodorowsky Prullansky, slávny čílsko-francúzsky filmový režisér, básnik, dramatik a hudobný skladateľ, raz povedal: 'Vždy som si myslel, že zo všetkých umení je kino najúplnejším umením.' Súhlasím. V mnohých ohľadoch je kinematografia spojením všetkých ďalších dôležitých foriem umenia: maľby, písania a hudby. Nemôže to byť náhoda, že kino je tiež najmodernejšou formou umenia. Pre vznik kinematografie bol koniec koncov nevyhnutný vývoj ďalších umeleckých foriem. Skutočnosť, že zostáva najpopulárnejšou umeleckou formou takmer od okamihu svojho vzniku, vám hovorí o jej silných aj slabých stránkach: je ľahko prístupná, a preto komerčnejšia.

V tejto súvislosti vám s radosťou predstavujem zoznam The Cinemaholic’s 100 najlepších filmov všetkých čias . Predtým, ako začnete skúmať náš zoznam 100 najlepších filmov, ktoré sme kedy natočili, pripomeňme si znova, že zoznamy podľa ich povahy nie sú nikdy dokonalé. Takže o sebe netvrdíme, že je to Svätý grál v zozname absolútne najlepších filmov na svete. Môžem vás však ubezpečiť, že pri zostavovaní tohto zoznamu prešlo veľa výskumov. Zvažovalo sa o tisíckach filmových titulov a debatovalo sa o každom finálnom výbere. Som si istý, že v zozname nájdete množstvo vašich obľúbených filmov. Mnoho mojich obľúbených tiež chýba! Namiesto toho, aby ste sa tým frustrovali, využite túto príležitosť a pozrite si filmy, ktoré ste ešte nevideli. Ktovie, možno nakoniec objavíte svoje nové obľúbené položky!

100. Dáždniky z Cherbourgu (1964)

Jacques Demy svoju romantickú operu zafarbuje do mäkkej, nadštandardnej sofistikovanosti, ktorá pôsobí trochu hipstersky. Táto farba však nie je iba farba na stenách, oblečení a dáždnikoch. Je to tiež na lícach mladého dievčaťa, ktoré je neskutočne zamilované, keď prechádza cez ulicu, aby pozdravila svojho milenca a jeho neprítomnosť, keď vidíme túto tvár v závoji, mladú dievčinu, ktorá je teraz nevestou niekoho iného. Existuje aj farba, ktorá spočíva v spôsobe, akým ľudia hovoria, alebo presnejšie, spievajú si navzájom. Ale ich lyrické rozhovory sa nerýmujú ako väčšina piesní. Keď je všetko od povolaní lásky po obavy o peniaze pretkané nerozoznateľnou vášňou, nebolo by pre vás dobré, keby ste šli chytať rýmy alebo rozum. Zatiaľ čo film a všetky jeho melodické odhalenia, posilnené nadpozemskou hudbou Michela Legranda, sú srdečne romantické, všetky rozhodnutia, ktoré naše postavy robia, sú, tak ako všetko v živote, rozhodne nie.

Pre zápletku, ktorá je tak únavne známa, že bola základom nespočetných popových piesní a telenoviel, je každá snímka filmu „The umbrella of Cherbourg“, sršiaca melanchóliou, príťažlivo svieža a neznáma. Môžete to pripísať tomu, aké skutočné sú emócie a aké úprimné sú ich prejavy. Vďaka dáždniku, ktorý je taký skromný, vás dáždniky zničia najmenšími odrazmi. Bol som v nemom úžase nad tým, aký výrazný mohol byť dopad dvoch prázdnych stoličiek, ktoré raz zaplnili dvaja milenci. V Demyho láskavo pripravenej pochúťke pochodujeme na karnevaloch naplnených stužkami a konfetami, zdobíme vianočné stromčeky a dávame si darčeky, pričom všetky svoje city zastrčíme niekde do kútov svojich sŕdc, pretože bez ohľadu na to, ako ťažko niekto znáša neprítomnosť alebo minulosť je zabudnúť, všetko, čo môžeme urobiť, je žiť vo fantázii dneška.

99. Trainspotting (1996)

Je trochu ťažké vysvetliť cinefilom ako sme my, o fanatizmu „Trainspottingu“. Prišlo to v čase, keď sa realita drog práve začala prepadávať. Dalo by sa povedať, že to oklamalo zneužívanie drog a je to do istej miery pravda. Skutočnosť, ktorá z toho vyplynula, bol pokusom Dannyho Boylea ukázať najvyššie a najnižšie hodnoty zneužívania drog bez toho, aby sa postavili na jednu stranu. „Trainspotting“ je kultový film, ktorý so závislosťou rozpráva o štyroch priateľoch a ich priateľoch. Jediné dve slová, ktoré to opíšu, sú poburujúce a bizarné. Narkoman, ktorý chce ísť do čistoty, len na každom kroku zakolíše kvôli svojej najhlbšej túžbe dostať sa vysoko. Film, ktorý je veľkoryso predávaný humorom, sa snaží s úplnou vážnosťou podčiarknuť skutočnosť: Napriek luxusu, ktorý život ponúka, mládež ich s veľkou sebadôverou popiera. A dôvody? Nie sú dôvody. 'Kto potrebuje dôvody, keď máš heroín?'

98. Absolvent (1967)

Ach, dni mladosti! Bezstarostné a radostné. Zábava plná ničoho, čoho by ste sa mali obávať. Žiadna starostlivosť o minulosť, ktorá tu zostala, a žiadne starosti o budúcnosť, ktorá ešte len príde. Benjamin Braddock viedol tento bezstarostný život po ukončení vysokej školy. A keď sa konečne vrátil do svojho rodného mesta, tam sa stretol s pani Robinsonovou. Plameň záležitosti začne horieť. Keď sa mladý Ben pomýli so spoločníkom, život naberie záhadný smer. Keď sa zamiluje do jej dcéry, stane sa z toho vrchol. Film, ktorý podnecuje k zamysleniu sa v komediálnom filme je jedným z najzábavnejších filmov vôbec. V hlavnej úlohe s Dustinom Hoffmanom sa nachádza ikonická línia - „Pani Robinsonová, snažíte sa ma zviesť?“

97. Dvojitý život Veronique (1991)

Možno žiaden iný filmár nerozumel ženám do takých hlbokých emocionálnych hĺbok, ako to urobil Krzysztof Kieslowski. Muž ich jednoducho miloval a prejavil to s takou vášňou a intimitou, že si nemôžete pomôcť a cítite sa byť zamilovaní do jeho surovej emočnej sily. „Dvojitý život Veronique“ by mohol byť len jeho najväčším umeleckým počinom. Film rozpráva o žene, ktorá začína mať pocit, že nie je sama a že niekde na svete žije jej časť v inej duši. Veronique a Weronika sú dve identické ženy, ktoré sa navzájom nepoznajú, a napriek tomu majú medzi sebou tajomne intímne citové spojenie. Vysoko štylizovaná kinematografia Slawomira Idziaka maľuje film s nežne melancholickým nádychom, ktorý vás zabaľuje a nenechá ísť. Existujú pocity a emócie, ktoré sa dajú ťažko povedať slovami a film oživuje tieto nevysvetliteľné pocity zamysleného smútku a osamelosti. Film „The Double Life of Veronique“ je ohromujúcim umeleckým dielom, ktoré zobrazuje ľudskú dušu v celej jej krásnej slabosti a nehe.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mnoho ľudí považuje kinematografiu za pôžitok, činnosť voľného času, zábavu, ktorá nemá pre život nijaké následky. Ale ja, s armádou horlivých cinefilov, ktorí ma horlivo podporujú, môžem s absolútnym presvedčením skonštatovať, že kino je pre život rovnako dôležité ako život pre kino. A „Cinema Paradiso“ je krásny, aj keď ironický spôsob, ako poukázať na môj názor. Úspešný filmový režisér Salvatore sa jedného dňa vracia domov so správou o úmrtí Alfreda, ktorá sa vracia späť do jeho domovského mesta na Sicílii v 50. rokoch. Mladý a zlomyseľný Salvatore (prezývaný Toto) objaví trvalú lásku k filmom, ktoré ho lákajú do dedinského filmového domu Cinema Paradiso, kde je Alfredo premietačom. Po tom, čo sa chlapec do chlapca zamiluje, sa z neho stane otcovská postava, keď usilovne učí Tota zručnostiam, ktoré by boli odrazovým mostíkom jeho filmového úspechu.

Sledovať Toto a Alfreda s úctou diskutovať o kine a vidieť, ako Alfredo dáva životné rady prostredníctvom úvodzoviek z klasických filmov, je čistá radosť. Film Cinema Paradiso prostredníctvom príbehu o pribúdajúcom veku vrhá svetlo na zmeny v talianskej kinematografii a na umierajúci obchod s tradičnou tvorbou, strihom a premietaním, zatiaľ čo skúma sen mladého chlapca opustiť svoje mestečko a vydať sa na cestu do vonkajšieho sveta. Jeden z najlepších „filmov o filmoch“, aký tu bol.

95. Jeden prelet nad kukučím hniezdom (1975)

Jeden z tých vzácnych filmových zážitkov, vďaka ktorému cítite nepreberné množstvo emócií naraz. Je to čiastočne zábavné, v niektorých povznášajúce a v iných priam roztrhané so srdcom. Je to tiež jeden z ďalších vzácnych činov v zjednodušujúcom a efektívnom rozprávaní príbehov, rozprávanie o zločincovi Randlovi McMurphym, ktorý v nádeji, že sa mu podarí vyhnúť sa uväzneniu, predstiera, že je duševne chorý, a z dôvodu nepríčetnosti tvrdí svoju nevinu. Po príchode do ústavu pre duševne chorých sa vzbúri proti autoritárskej sestre Rached (hrá ju oceliarka Louise Fletcherová) v scenári klasického poriadku vs. chaosu. Tento film dokazuje, že v skutočnosti neexistuje nikto lepší, kto by mohol hrať postavy s ranou a šarmom v rovnakom pomere ako samotný Jack Nicholson, ktorý by si za svoj výkon vo filme získal zaslúžené ocenenie Oscara. To, čo začína ako trvalý a potešujúci film, eskaluje do tragického, hoci nádejného konca, po znepokojivých scénach zahŕňajúcich samovraždu a elektrokonvulzívnu liečbu pacientov. Film napriek tomu nikdy neopustí divácku pozornosť a pátos pre postavy na plátne, vyvoláva skutočné emócie a povzbudzuje ľudského ducha, ktorý vyžaruje aj pri neopatrnej autorite.

94. Pyaasa (1957)

Hustá myšlienkami spoločenských zmien a štipľavým komentárom súčasnej zlomyseľnosti a stigiem spoločnosti predstavovala film „Pyaasa“ nielen zlatý vek indickej kinematografie, ale bola aj odrazom samotnej indickej buržoázie. Je to film, ktorý má jemnú kvalitu sám osebe, kde sa pod povrchom vrčia všetky drzé pravdy a drsné skutočnosti spoločnosti, ktoré čakajú na preskúmanie a extrapoláciu vedomým publikom. ‘Pyaasa’ je nadčasová klasika, nie bez dôvodov. Aj po 60 rokoch od jeho uvedenia zostáva v modernej dobe relevantný, pretože Indiu naďalej sužujú rovnaké spoločenské prekliatia - korupcia, misogynia, materializmus - ktoré „Pyaasa“ priamo alebo nepriamo rieši.

93. Moderná doba (1936)

„Modern Times“ je humorný film so silným posolstvom. Tento obrázok, ktorý nesie témy Chaplinovej ochrannej známky nádeje a chudoby, sa zameriava na nepriaznivé účinky, ktoré majú stroje a ďalšie formy technologického pokroku na bežné obyvateľstvo, a to vytiahnutím do popredia pozornosti továrenského robotníka, ktorého život prechádza mnohými zvratmi a zmenami. vyrovnať sa s novým svetom. Aj keď je groteska slzotvorne zábavná, je to všetko obsiahnuté v nádobe smútku. „Moderná doba“ využíva inteligentné a jemné prvky na kladenie dôležitých filozofických otázok každú chvíľu. Vyvrcholenie je jedným z najdojímavejších, aké kedy vyšlo, zahŕňa smutnú formu šťastia a žiadnu skutočnú odpoveď alebo rozuzlenie. Tento film môže byť veľmi dobre Chaplinovým najlepšie napísaným dielom a je prekvapujúce, aké relevantné sú tu prezentované nápady aj dnes. Cesta, ktorou sa moderná doba uberá pri zdieľaní svojich myšlienok, je nepochybne najlepšou stránkou tohto filmového triumfu.

92. Tenká červená čiara (1998)

Terrence Malick Návrat k filmovej tvorbe z 20-ročnej prestávky bol poznačený touto nádherne ohromujúcou vojnovou drámou, ktorá skúma nie vojnu, ale emócie bojujúcej vojny. Film má skutočne maličký charakter a kladie väčší dôraz na vizuál ako na príbeh, vďaka čomu sa môžete ponoriť do zážitkov z neho. Génius filmu spočíva v Malickovej vízii vidieť krásu v niečom tak temnom a krvavom ako vojna. Potrebujete absolútneho génia, aby sa z niečoho tak brutálneho a krvavého, ako je vojna, stal taký hypnotický zážitok, ktorý presahuje realitu vojny a namiesto toho vás nechá nasávať emócie jej postáv. Je to taký pohlcujúci zážitok, ktorý vás žiada, aby ste cítili ľudské bytosti za zbraňami a bombami. Sú to zničené duše rovnako ako my, túžiace po jemnom dotyku, ktorým chýba teplo dychu ich mileniek a manželiek a zároveň musia čeliť najškaredším skutočnostiam ďaleko od nich. „Tenká červená čiara“ je jednoducho zážitok ako žiadny iný; taký, ktorý musí byť videný, cítený a odrážaný.

91. Blade Runner (1982)

Finálny strih filmu „Blade Runner“ od Ridleyho Scotta je podľa mňa najväčší dystopický film, aký bol kedy natočený. Aj keď je Metropolis diskutabilná voľba, treba sledovať neautentické vizuálne prvky spojené s nemeckým expresionistickým kinom. Program „Blade Runner“ je na druhej strane viac ako dokonalý pri budovaní sveta, ktorý trpí finančnou nerovnosťou, populačným boomom a nedostatkom všetkého prirodzeného, ​​pretože tu nemožno spoľahnúť ani na mäso. Scintilačné osvetlenie je kontextovo prirodzené, pretože je to elektronický svet a Jordan Cronenweth ho používa podobne ako každodenné osvetľovacie objekty vo filme noir. Aj keď to nemusí klásť také ďalekosiahle otázky ako „Vesmírna odysea“, vedie nás to k otázkam, či „androidy snívajú o elektrických ovciach“.

90. Fargo (1996)

Násilný, zábavný, vrúcny a brutálne intenzívny film Fargo je jedným z najlepších amerických filmov 90. rokov a jednou z najväčších kriminálnych drám, aké boli kedy natočené. Film je o mužovi, ktorý si najme dvoch mužov, aby uniesli jeho manželku a vydierali peniaze od jeho bohatého zaťa. Brilantné použitie čierneho humoru Coen Brothers preniká filmom cez atmosféru tepla, ktorá dodáva filmu veľmi osobitý tón. Práve táto majstrovská zmes komédie, drámy a násilia robí z filmu „Fargo“ taký nezabudnuteľný filmový zážitok. Tento nádherný úvodný záber na snehom naplnenú Minnesotu, nádherne doplnený strašidelným skóre, udáva tón filmu a vytvára pocit hlbokého smútku, ktorý sa skrýva pod násilím a humorom, ktorým je film nabitý. Frances McDormand je jednoznačne hviezdou filmu a kradne šou. Je v ňom stvárnená tehotná policajná šéfka uväznená vo svete zla a brutality, ktorá však dokáže nájsť svetlo a nádej. Film „Fargo“ je emotívne surový, brutálne intenzívny, roztomilo vtipný a bolestne realistický kúsok čistej strhujúcej kinematografie.

89. Eraserhead (1977)

„Eraserhead“ je učebnica o atmosférickom horore. Tento film, ktorý rozpráva príbeh muža s podivnými vlasmi, ktorý sa sám snaží založiť svoju rodinu, sa každou minútou mení na neskutočnú nočnú moru. Použitím zvuku a detailných záberov na ponúknutie pocitu klaustrofobického strachu a jeho zosúladením s dejom, ktorý pri prvých hodinkách nemá veľký zmysel, sa debut Davida Lyncha ukazuje ako jeden z najlepších v hlavnej úlohe režiséra, čo je samo o sebe veľkou chválou. To, čo spoločnosť „Eraserhead“ robí, je vytvoriť dystopický svet - posiaty škaredými budovami a mechanickými chytrosťami namočenými v začarovanom čierno-bielom - a vrhnúť doň postavy, ktoré sú svojim okolím viac-menej zmätené. Aj keď je zistenie „zmyslu“ tohto obrázku takmer nemožné, treba si uvedomiť, že to nikdy nie je zámerom. Film „Eraserhead“ vnáša do myslí svojich divákov pocit úplného nepohodlia, využíva vizuálny aj surrealistický štýl a nachádza spôsob, ako manipulovať s ich myšlienkami. Iba hŕstka obrázkov je rovnako nádherne štruktúrovaných, ale nepopierateľne hrozivých ako tento, a to by mohol vytiahnuť iba niekto ako Lynch.

88. Chlapčenstvo (2014)

„Chlapčenstvo“ je príjemnou pripomienkou zašlých rokov nespútanej radosti, nezlomného optimizmu a bublajúcej nevinnosti. Nespolieha sa na to, že krásu, radosť a emócie odvodzujú z bežného života ľudí a nie zo žiadneho zvýšeného dramatického aktu (chlieb s maslom pre väčšinu filmov). Je fascinujúce sledovať, ako od scény k scéne dochádza nielen k zmenám vo fyzickosti postáv, ale všimnete si aj premenu ich módy, účesu, vkusu v hudbe a všeobecne v pohľadoch na život. „Chlapčenstvo“, tak, ako to robí len veľmi málo filmov, presahuje hranice kinematografie a stáva sa nepatrnou súčasťou našej vlastnej existencie a skúseností. Linklater nám opäť pripomína, prečo je v odbore najlepší v rozprávaní jednoduchých príbehov o obyčajných ľuďoch.

87. Dni neba (1978)

Vývoj Terrenca Malicka na plne kontrolovaného a autoritatívneho filmového vizionára je jednou z najväčších vecí, aké sa kedy v americkom kine stali. Z jeho raných diel je zrejmé, že sa zúfalo snažil vyskočiť z konvenčných hraníc kina. Filmy ako Badlands a Days of Heaven mali zdanlivo priame príbehy, ale išlo o filmy, ktoré sa snažili byť niečím viac. Niečo viac ako len príbeh. Skúsenosť. Program „Dni neba“ dosahuje tento výkon bravúrnejšie ako program „Badlands“. Mnoho ľudí často kritizovalo film za slabý dej. Nemohol by som povedať, že sa mýlia, ale príbeh nie je najdôležitejším aspektom filmu. To, čo tu Malick robí, je použitie vizuálnej stránky filmu, ktorá kladie dôraz skôr na náladu príbehu ako na samotný príbeh. Jeho zámerom nie je dosiahnuť, aby ste sa pri kritickej situácii postáv cítili emotívni, ale aby ste ich mohli pozorovať, cítiť krásu krajiny a vôňu jej miesta. A vytvoriť takýto druh viscerálne dojemného zážitku nie je nič iné ako zázrak.

86. Hrob svetlušiek (1988)

Uštipačný, dojímavý film, ktorý je na rovnakej úrovni v každom aspekte, na aký si spomeniete. Ostatné živé akčné filmy zvýrazňujú vojnovú korisť. Tento japonský animovaný film sa sústredil na hrôzy druhej svetovej vojny zameraním na život súrodeneckej dvojice, zlomil mi srdce spôsobom, aký sa nepodarilo žiadnemu inému filmu, a stále šliapal po kúskoch až do samého konca. Keďže je to vojnový film, dokáže zázraky aj na ľudskej úrovni. Krásne si uvedomuje a rozvíja nežný vzťah medzi Seitou a Setsukom tvárou v tvár nepriazni osudu, ktorou bola druhá svetová vojna. Správa je hlasná a jasná. Žiadna vojna nie je skutočne vyhratá a všetku slávu spojenú s víťazstvami sprevádzajú aj kvílenie nevinných životov zničených počas vojny. Tlieskal by som filmu za to, že nie je zjavne emocionálne manipulatívny, aby nás donútil zakoreniť jeho postavy; ale nenechajte sa pomýliť, jeho mocný a nekompromisný pohľad na vojnu a útržky, ktoré prešli súrodeneckou dvojicou, vás prenesie do vzlykajúceho neporiadku. Je to TOTO smutné. To znamená, že neexistuje iný spôsob, ako by som to mal. Je to dokonalosť v tej svojej srdcervúcej podobe.

85. Manhattan (1979)

Romantika vo filmoch Woodyho Allena sa vždy cítila bolestne pravdivo a depresívne realisticky aj napriek príjemne štipľavému zmyslu pre humor, ktorým ich zaobchádza. Zatiaľ čo „Annie Hall“ zostáva jeho najodvážnejším filmom, film „Manhattan“ sa javí ako umelecky vyzretejšie dielo. Vo filme Allen hrá nudného, ​​zmäteného Newyorčana, ktorý sa nedávno rozviedol, chodí so stredoškoláčkou, ale nakoniec sa zamiluje do milenky svojho najlepšieho kamoša. Allen mierne zmiernil humor pre tento film, aby sme skutočne cítili smútok pohlcujúci jeho postavy, čo z neho robí taký emočne vyčerpávajúci zážitok. Je to len hlboko dojímavý portrét zmätených vzťahov a chybných ľudských bytostí zápasiacich so sebou a so svojou existenciou a zúfalo hľadajúcich šťastie, ktoré by nikdy nespoznali a nedosiahli. A práve toto sladko jemné, dojímavé uvedomenie si ľudského stavu robí z „Manhattanu“ taký silný film.

84. Marketa Lazarová (1967)

Česká ikona Franti & scaron; ek Vláčil, jeho nehmotný snový priestor, Marketa Lazarová, je jednoducho jedným z najneuveriteľnejších umeleckých diel z 20^thStoročia. Jeho avantgardný prístup k filmovému jazyku sotva zapadá do hraníc toho často zatracovaného obratu frázy - je to totiž niečo viac. Úchvatné spojenie zraku a zvuku, nespútané konvenciami, štruktúrou alebo akýmkoľvek iným písomným pravidlom, sa blázniví vedci z oblasti kinematografie dostali do filmovej formy v priebehu rokov. Pre porovnanie, všetko ostatné vyzerá tak prísne kontrolovane - tak neprirodzene a vykonštruovane pri výkone. Marketa Lazarová je surová, vnútorná a prekvapivo dynamická. Stručne povedané: je zadarmo - skutočný vrchol možností preskúmania každého centimetra filmového média. Z tohto dôvodu patrí medzi najväčšie filmy, aké boli kedy natočené.

83. Singin ‘In The Rain (1952)

Singin ‘In The Rain je najvýraznejším muzikálom zlatého veku Hollywoodu. Je nemožné zabudnúť na obraz Gena Kellyho, ktorý tancuje pri pouličnej lampe, keď hovoríme o ligotavých momentoch v kine. Film nielenže vynikajúco oslavuje svoju vlastnú odbornosť, ale aj prechod kinematografie od vizuálneho média k rezonujúcemu a stimulujúcemu. Kellyho režijné úsilie, ktoré bolo monumentálnym úspechom v kine Technicolor, bolo zábavnou formou pôvodne odmietnuté kritikmi i divákmi. Domnievam sa, že dôležitosť tejto klasiky rastie zo dňa na deň, keď sa zväčšuje priepasť medzi časovými obdobiami filmu (skutočný život a život navijaku) a súčasnosťou. Strácame kontakt s dôležitou érou a tento film sa hemží tvojou nostalgiou.

82. Do not Look Now (1973)

Je veľmi ťažké nájsť umelecké dielo, ktoré je také hypnotické ako dielo Nicolasa Roega „Dont Look Now“. V mnohých ohľadoch je toto majstrovské dielo ako odporný trpaslík na konci. Je nádherne zahalená do extatického sfarbenia, ale skrýva najhoršiu časť života: smrť. Bez ohľadu na to, aká efektná je postava Sutherlanda, myslím si, že ide o film poháňaný emóciami, pretože Roeg usiluje o stratenú lásku nad presvedčivým príbehom. Gotický základ je veľmi mocným prostriedkom na zdôraznenie dôležitosti zväzkov, na ktoré sa spolieha, na otcovskú a rodinnú lásku, ako aj na dodanie neurčitého tvaru duchom, ktoré prenasledujú hlavného hrdinu. „Niektoré miesta sú ako ľudia, iné svietia a iné nie“.

81. Klub bitkárov (1999)

Raz za čas príde umelecké dielo, ktoré definuje psychiku jednej generácie. Čo sa týka kina, 50. roky mali „Rebel Without A Cause“, 60. roky mali „The Graduate“ a 70. roky mali „American Graffiti“. A dokonca aj o dve desaťročia ďalej zapadá „Fight Club“ do namáhavého, nespokojného a anti-etického étosu našej generácie ako uliaty. Rovnako ako toľko skvelých filmov, aj film „Klub bitkárov“ je veľmi rozporuplný a dá sa filozoficky interpretovať mnohými odlišnými spôsobmi - niektorým sa zdá, že definujú súčasné mužstvo, zatiaľ čo iným sa pozdáva, že oslavujú násilie a nihilizmus.

Film, ktorý je v podstate trilerom, je rozprávaný POV nemenovaného protagonistu trpiaceho nespavosťou a nespokojného so svojou monotónnou prácou, ktorá sa skríži s impulzívnym mydlárom menom Tyler Durden. Durden a hlavný hrdina čoskoro založia podzemný „Fight Club“ ako spôsob, ako si nespokojní členovia spoločnosti môžu vybiť svoj hnev. Ale čoskoro sa Tylerove plány a vzťahy rozprávača vymknú spod jeho kontroly, čo povedie k výbušnému vyvrcholeniu (doslova!)

Spolu s propagovaným prístupom diabla k starostlivosti je „Fight Club“ tiež znakom určitého smeru esa od súčasnej legendy Davida Finchera. Temná farebná paleta, ostré úpravy a úhľadná kamera inšpirovali po filme hordu temných thrillerov. Prelomový film 90. rokov.

80. Pred západom slnka (2004)

Tu je pravda o ľudskej evolúcii, ktorú vám nikto nepovie: Ľudstvo čoskoro stratí umenie konverzácie. Technologický pokrok má veľký vedľajší efekt: Ľudia sa čoraz menej zaujímajú o skutočný rozhovor - pretože majú technológiu, za ktorú sa môžu schovať. A to je presne dôvod, prečo bude séria Before vydržať ďalšie desaťročia. Séria filmov o dvoch ľuďoch zapojených do skutočných rozhovorov je vzácnosťou aj pre túto generáciu. V budúcnosti sa takéto filmy nebudú vôbec vyrábať. Preto sa budúce generácie budú na trilógiu Before pozerať s úžasom a úžasom. A nebudem sa diviť, ak si trilógia nájde svoje zaslúžené miesto nielen vo filmovej histórii, ale aj v knižnici každej filmovej školy.

Spomedzi troch filmov Before (Vynikajúci) vyniká film ‘Before Sunset‘, ktorý je srdcervúco najkrajší. Film, ktorý je vo svojej podstate o najsilnejšej ľudskej túžbe: túžbe byť s niekým, s kým by si mohol stráviť zvyšok svojho života. Ak sa pozriete pozorne, film „Pred západom slnka“ sa nakoniec stane zrkadlom, pri pohľade do ktorého môžete posúdiť svoje vlastné vzťahy: Kde ste sa pomýlili? Kto bol pre vás vlastne „ten“? Aké príležitosti si premeškal? Čo mohlo byť? Je to jeden z najvzácnejších vzácnych filmov, pri ktorom vaša vlastná životná skúsenosť obohatí a vyživí vašu skúsenosť s filmom.

79. Matrix (1999)

Geniálny a dômyselný nápad stvárnený Wachowskými na plátne, ktorého výsledkom je film, vďaka ktorému si mnohí diváci dávajú pozor na realitu, v ktorej sa ocitli. Je pravda, že akonáhle bol Matrix natočený, už nebolo cesty späť, zmenil sa veci. Film nielen prelomil vo svojom príbehu niečo nové, ale priniesol aj revolúciu v spôsobe, ako sa neskôr sformovali sci-fi a akčné filmy. Úspech filmu „The Matrix“ spočíva aj v tom, ako sa majstrovsky stavia medzi témami vrátane filozofie, existencializmu alebo dokonca náboženstva, pričom sa vždy niesli v maske akčného a sci-fi filmu. Neova schopnosť manipulovať simulovanú realitu s vykonaním zdanlivo nemožných výkonov a použitie „bullet time“, čo je akčná technika, ktorá v súčasnosti nie je ničím iným ako ikonickým, zvyšuje vynaliezavosť filmu. Žáner je možno teraz preplnený, ale keď vyšlo ako prvé, dá sa povedať, že diváci nič také nevideli.

78. Siedmy kontinent (1989)

Nazvať hororový film Michaela Hanekeho „Siedmy kontinent“ mi znie veľmi zle, ale tak ho označuje väčšina ľudí, ktorí ho videli. Je ťažké s nimi polemizovať, pretože pri prezeraní tohto filmu sa človek cíti beznádejne, depresívne a vystrašený. Pokiaľ ide o rodinu, ktorá nenávidí svet a život všeobecne, má táto klasika z roku 1989 chladný a vzdialený postoj k ďalšej izolácii troch hráčov od zvyšku spoločnosti, čo pomaly, ale isto spôsobuje, že diváci k nim hlboko cítia, že sú ich existencia naberá temný smer. Ako jeden z najrušnejších filmov, ktoré kedy zdobili strieborné plátno, Hanekeho debutové dielo diváka posmeľuje a nikdy ho neopustí. Ak to diváci nazývajú hororovým filmom, robí to tým, že odkazuje na strašidelný film, ktorý sa nepodobá inému. Pokrytý nejednoznačnosťou a realitou Siedmy kontinent je osobné, intímne a hrôzostrašné prerozprávanie skutočného príbehu, ktorý vás nechá v tichu, pretože minimálne na pár minút po jeho ukončení nebudete schopný vysloviť jediné slovo.

77. Zodiac (2007)

‘Zodiac’ nie je váš konvenčný thriller; je pomalý a zameriava sa viac na náladu a postavy ako na zápletku. Existuje aura, ktorú David Fincher buduje natoľko, že cítiť náladu filmu v kostiach. Nie je to film, ktorý vás zanechá šťastnou, keď sa to skončí. Je to tiež film, kde zlý vyhráva, dobrí prehrávajú. A preto je to také dobré. Nielen dobré, ale aj moderné majstrovské dielo. Keď vás film dokáže trhať celé dve a pol hodiny a nechá vás premýšľať celé dni, muselo to napraviť veľa vecí, ktoré bežne vyrobené trilery nie. Podľa mňa je ‘Zodiac’ Fincherov najlepší film, kde svojou disciplinovanosťou a rozsahom schopností ukazuje, prečo niekedy „menej je viac“.

76. Magnolia (1999)

Magnolia je nepochybne najosobnejším dielom Paula Thomasa Andersona. Hysterická atmosféra, do ktorej Anderson vlieva film, prináša do melodrámy určitú emocionálnu plynulosť, ktorá je svojou energiou tak neuveriteľne návyková a katarzná. Celý film sa odohráva v údolí San Fernando a rôzne vzájomne súvisiace postavy prechádzajú rôznymi fázami svojho života, snažia sa vyrovnať so svojimi vlastnými vnútornými démonmi a emocionálnymi konfliktmi. Anderson týchto ľudí miluje, pozná ich a rozumie im, ale predstavuje ich ako neomylne tých, ktorí sú; ostro nahé ľudské bytosti, surové a čisté, čeliace a prekonávajúce svoje najhlbšie obavy a slabosti. „Magnolia“ je taká výnimočná, že je to film, ktorý toľko hovorí o svojom filmárovi. Dostaneme pohľad do Andersonovho života, miesta, kam patrí, a ľudí v jeho živote. Vo všetkom filme je toľko Andersona. Film ako „Magnolia“, ktorý by režíroval ktorýkoľvek iný filmový tvor, by sa cítil byť zastaraný a vyzeral skoro ako produkt svojej doby, ale s Andersonom to iba zvyšuje príťažlivosť filmu.

75. Rosemary’s Baby (1968)

„Rosemary’s Baby“ je temné, skrútené umelecké dielo, ktoré sa pohráva s nevinnosťou, aby vyvolalo pocit hrôzy. Pokiaľ ide o ženu, ktorá má počas tehotenstva komplikácie, film sa uberá úplne čerstvou cestou deja, pretože umožňuje hlavnú úlohu rituálnym prvkom. Je toho veľa, čo tento film miluje, počnúc od dobre napísaných postáv až po vzdialené prostredie, ktoré obklopuje každú udalosť, ktorá sa stane. V obraze vždy vládne pocit napätia, a to čiastočne vďaka tichej a pretrvávajúcej kinematografii prevedenej Polanského prísnym režisérskym štýlom. Mia Farrowová tu podáva najlepší výkon v kariére ako Rosemary Woodhouse, žena, ktorá slabne, keď bojuje s bolesťami, ktoré so sebou nesie dieťa. Celkovo sa atmosféra zachytená týmto filmom vyrovná len niekoľkým ďalším a spôsob, akým vsakuje do vašej kože, je skutočne niečo iné.

74. Dobrý, zlý a škaredý (1966)

Úchvatné postavy, ktoré hrajú legendárni herci, neskrotná, brutálna pištoľnícka akcia, háklivá hudba a intenzívna kinematografia - tretí diel trilógie ‘Dollars’, o ktorej sa hovorí, že je zrodom špagetových westernov, je zhovievavý, strhujúci a zábavný v tom najlepšom kine. Profesionálny pištoľník Blondie or No Name (Dobrý) a hľadaný psanec Tuco (Škaredý) vytvárajú neochotnú vernosť, keď každý zistí dôležitý detail o hromade zlata ukrytého na úteku konfederáciou. ktorého nájomný vrah Angel Eyes (The Bad) zabije. Cesta tria tvorí jadro strhujúcej zápletky, ktorá končí klasickým pohľadom v západnom štýle. Clint Eastwood ako Blondie je obrazom machizmu, Lee Van Cleef ako Angel Eyes je zosobnením zla a Eli Wallach ako Tuco dodáva charakterovú komplexitu impulzov a zúrivosti jednoduchším, ale okázalejším činom Good Vs Evil dvoch väčších hviezd. Opraty sú ale navždy režisérom v rukách Sergia Leoneho - na vytvorenie napätia v konaní používa podľa potreby rozťahané dlhé zábery a intenzívnu kinematografiu zblízka. Žánrovo definujúci film Quentin Tarantino, jeden z najväčších predstaviteľov moderného Západu, sa kedysi volal „Najlepšie režírovaný film na svete“.

73. Putujúci hráči (1975)

Intímny a delikátne zostavený epos Thea Angelopoulosa príliš dlho poznal málo filmových nadšencov a možno ho ocení ešte menej. Jeho majestátne, postupné budovanie filmového pamätníka nášho ezoterického, kryptického vzťahu s časom je pochopiteľné, nie pre každého. Ale pre zvedavcov z nás je známe, že poskytujú útechu, prepožičiavajú múdrosť a dar vnímanie, ktoré pomáha pri hľadaní konštánt, na ktorých by sme sa mohli držať v tomto univerzálne a kruto dynamickom svete. Medzi mnohými vecami, ktoré tento film dostane do poriadku, je jeho nedotknuté pochopenie odhalení v príbehu „Orestes“. Mytológia spojená s tragickou postavou je zachytená s otupujúcou pokorou, a napriek tomu nás film dokáže preniesť cez svoju vláčnu víziu k melancholickému, pretrvávajúcemu pohľadu na Grécko z polovice 20. storočia. Jeho časová elegancia ospravedlňuje prezeranie histórie tým, že stojí vedľa súboru: zvonku dovnútra. Máte tendenciu vnímať jeho drsnosť a uvažovať o jeho stvorení. Je to vzácna antifašistická lekcia histórie, pretože nám nikdy nehovorí, čo si máme myslieť. Iba nám ukazuje, čo máme cítiť. Angelopoulos a kameraman Giorgos Arvanitis nás umiestňujú do miest zastavujúcich srdce a vyplavujú ich zdrvujúcou dobou. „Cestujúci hráči“ je skromný, vzácny klenot, ktorý má pocit, akoby bol zachránený z ulíc nabitých nepokojmi a prežil hladom. Jednoduchšie povedané, nezaslúžime si to.

72. Cache (2005)

Michael Haneke je často obviňovaný z toho, že vždy narážal na pochmúrne príbehy. Táto charakteristika je úplne nespravodlivá, pretože v podstate poskytuje humánne pohľady do temnoty, ktorá nás všetkých obklopuje, ako naše chybné vnímanie vedie k trýznivej izolácii a ako naše bludy znižujú naše šance prekonať túto izoláciu. „Caché“ nie je len rozsiahly a pálčivý dokument, ktorý poukazuje na brutalitu masakru v Seine z roku 1961 a našu nehumánnosť ako spoločnosť, ale aj poeticky univerzálna štúdia postáv. Georges, náš hlavný hrdina, vníma život a jeho prítomnosť ako sociálnu bytosť v skreslenom zmysle radosti. Uteká z pohodlia dôvery a komunikácie s ostatnými. Vychutnáva si svoje odcudzenie, rovnako ako odcudzuje toľko ľudí, ktorí ho majú tak draho. Týmto sa Haneke vysmieva generácii, ktorá si želá zostať sama. Jeho kamera je občas nezvyčajne vzdialená, rovnako ako mnohí z nás sú vo vzťahu k svojmu okoliu. Ale pod jeho kontrolou musíme konfrontovať našu neprístojnosť, našu nerozvážnosť, našu realitu. Jeden z najnáročnejších kúskov kina, aký kedy uvidíte.

71. Duch úľa (1973)

Španielsky majster Victor Erice pred odchodom do dôchodku nakrútil iba tri celovečerné filmy. Jeho filmy ako El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ a najmä Spirit of the Beehive, jeho nedefinovateľný debut, sú stále nažive a všetci si prajú, aby filmy natáčal stále. Parabilická rozprávka o dvoch deťoch, jedno s nevinnou, často zmätenou fascináciou skúmajúce jeho existenciu, druhé posadnuté filmom „Frankenstein“, ktorý hral v miestnom divadle. Jeho mystifikujúci portrét španielskeho srdca zanecháva Ericein charakteristicky neutrálny smer v lákavej nejednoznačnosti - zriedka sa púšťa do filmovej metódy v prospech tichého pozorovania. Výsledná práca je zmätočná, pohltivá a nechá vás premýšľať nad skutočnou záhadou samotného života: jeho nezodpovedateľnými otázkami, jeho veľkými záhadami a ich mätúcou nenapadnuteľnosťou. Aby sme vás opustili úplne zničeného alebo neporovnateľne dojatého, niet pochýb o tom, že pre obidva extrémy bude „Duch úľa“ dôležitá skúsenosť.

70. Všetci prezidentovi muži (1976)

Watergate. Jedno slovo, ktoré zvrhlo závesy na prezidentskom kresle Richarda Nixona a prinútilo ľudí uvedomiť si, že aj človek vo funkcii prezidenta sa môže skloniť v čo najmenšej miere, aby mohol dokončiť svoje veci. Zatiaľ čo prezidentovi prezidentskí bratia boli zaneprázdnení upratovaním neporiadku, ktorý vytvoril, boli tu dvaja reportéri, ktorí ho dostali. Napriek hroziacim hrozbám neúnavne pracovali, sledovali aj tých najmenších z potenciálnych zákazníkov a občas si privodili nebezpečenstvo v procese získavania faktov pre ľudí. Na základe rovnomennej knihy, ktorú napísali novinári Bob Woodward a Carl Bernstein, je film „Všetci prezidentovi muži“ vychytralým postrehom toho, čo by skutočná žurnalistika mala byť. Režisér Alan J Pakula bol nominovaný na osem cien akadémie, nakoniec získal tri a mimochodom stratil najlepší obraz pre „Rockyho“.

69. Army of Shadows (1969)

Myslím si, že pre nováčikov v práci Jean-Pierra Melvilla je vynikajúcim porovnateľným bodom Stanley Kubrick. Obaja praktizujú mimoriadnu technickú precíznosť a vyžarujú absolútnu dôveru v každú prácu, ktorú odovzdajú počas dlhej a kreatívne lukratívnej kariéry. To znamená, že lacná, ale náročná sťažnosť, ktorú môže každý podať americkému režisérovi, je jeho „bezduchosť“. Uvoľnené ľudské miesto. To nie je prípad Melvillu. V „Army of Shadows“ postavy Melvillea horia horkou iskrou zúfalou, ktorá spôsobuje, že každá ich akcia vyteká z ľudstva. V smrteľnom svete hnutia Vojnový odpor môže jeden falošný pohyb viesť k úplnej deštrukcii a práve so spomínanou milosťou a virtuóznou kontrolou nad jeho kinom Melville šíri zárodky úplne dôveryhodného a presvedčivo mŕtveho sveta. „Armáda tieňov“ je jedným z najtichších, najzaujímavejších a monumentálne ovplyvňujúcich diel, ktoré vychádzajú z francúzskeho kina - a nechať si ujsť takúto kriminálne prehliadnutú klasiku by znamenalo urobiť si vážnu medvediu službu.

68. The Shining (1980)

Svojou adaptáciou klasiky Stephena Kinga vytvoril Stanley Kubrick v roku 1980 film, ktorý pokračoval v predefinovaní žánru hororu. Tu sa bojí nielen príbehu alebo postáv. Prostredie a spôsob jeho natáčania úžasne pomáha umožniť, aby napätie otupujúce myseľ preniklo do myslí publika. Film sleduje Jacka Torrenca, novovymenovaného správcu v hoteli The Overlook Hotel, a jeho rodiny, keď v tajomnej budove trávia obdobie úplnej izolácie. Vďaka ohromujúcim výkonom a vynikajúcej práci s kamerou sa Kubrick stará o to, aby sa obsah filmu dostal hlboko do nášho podvedomia. Spôsob, akým manipuluje so zvukom a atmosférou, je absolútne neuveriteľný a vytvára nezabudnuteľné aj dve a pol hodiny mraziace chrbtice. Svet ‘The Shining’ je nádherne tmavá a počas celého svojho dychberúceho tretieho dejstva vás pevne drží za golier.

67. Čínska štvrť (1974)

Medzi týmito dvoma filmami je noir a neo-noir. Sedí Jake Gittes a je úhľadne oblečený do sviežej fedory, ktorá komplimentuje úškrnom na tvári. Aj keď je Polankim veľkým obdivovateľom, vždy sa nájde niečo, čo sa nezhoduje s konečným produktom jeho filmov. Okrem Čínskej štvrte. Toto kľúčové majstrovské dielo si vytvorilo nielen identitu pre seba, ale vždy sa na ňu pozerajú aj tvorcovia, ktorí si jej štýl požičiavajú na vytvorenie identity pre svoj film. Polanski je v práci kúzelník, ktorý nás podvádza rozlíšiteľnými elektródami, ako aj klasickou stimuláciou a nastavením noir. Potom však príde na rad posledné dejstvo Čínskej štvrte, ktoré tak rýchlo prelomí všetky konvencie, ktoré sa pôvodne spájali s podobnými mysterióznymi filmami, a zanechá v tebe ohromujúci pocit šoku a zúfalstva. Jeho neúspech poraziť Kmotra II ma stále mätie, ale po polstoročí ľudia zabudli na Sicíliu, nikdy však nie na čínsku štvrť.

66. Satan Tango (1994)

Vyznanie číslo jeden: Takmer nikdy som nevidel rozľahlé, úžasné dielo Bélu Tarra. Dalo by sa predpokladať, že je to jeho obľúbený status všetkých čias a vynikajúca reputácia, ktorú si získal medzi americkými umeleckými kruhmi a medzi niektorými z najinformovanejších filmových kritikov na celom svete, by ma zaujal. Samotná nesmiernosť jeho trvania (asi 432 minút) a lorisovského tempa, ktoré som si tak užil v Tarrovej ‘Werckmeister Harmonies‘, sa zdali odradzujúce. Vyznanie číslo dva: ‘Sátántangó‘ som videl prvýkrát na jeden šup. Zhypnotizoval ma jeho pragmatický zmysel pre skutočný svet a trpezlivý a rozvážny zmysel pre film. Viac pozorovalo, než odrážalo a viac uvažovalo, ako podávalo úhľadne sformulované vyhlásenia. Jeho mýtický, pochmúrny realizmus bol príliš dobrý na to, aby bol pravdivý, a príliš brutálny na to, aby sa dal realizovať s takým okom pre krásu.

Všetko, čo som si prial urobiť, bolo zavrieť všetky svoje okná a zahaliť sa do tmy, pretože film pre mňa bol ako ten blázon v kostole a jeho kvílenie malo príliš veľký zmysel. Vyznanie číslo tri: S potešením oznamujem, že „Sátántangóove“ chytré spoločenské a politické úvahy mi začali byť jasné, keď som sa k tomu opakovane vracal. Obzvlášť nezabudnuteľné bolo leto strávené hltaním románu Lászlóa Krasznahorkaia, ktorý slúži ako východiskový materiál k filmu. Všetko, čo teraz môžem urobiť, je dúfať, že budem naďalej zbierať dividendy z tejto šťastnej nehody.

65. Exorcista (1973)

Film „Exorcista“ od Williama Friedkina je perfektne zrežírovaný. Muž je neslávne známy vďaka nepravidelnej kariére, v ktorej klasika upadá do bezvýchodiskovej situácie (a tieto dve skupiny často prechádzajú cez fascinujúce skúmanie filmovej nehanebnosti). Vo svojom najlepšom filme sa Friedkin rozhodol nakrútiť drámu, ktorá sa práve týkala démonického vlastníctva: Šitie pátosu pre jeho zložité postavy a vizuálny preklad textu pôvodného autora Williama Petera Blattyho uväzneného medzi vierou a ochromujúcou pochybnosťou. Konečný výsledok dvoch skvelých umelcov, ktorí pracujú na vrchole svojej hry a prinášajú trblietavú klasiku amerického kina: Ten, ktorý zatieni takmer každý film svojho žánru (okrem netradične hrôzostrašného filmu „Wake in Fright“ alebo náhodného turné Tobe Hoopera) -sila Texaský masaker motorovou pílou ). Jednoducho ohromujúci.

64. Suspiria (1977)

„Pretože v našich snoch vstupujeme do sveta, ktorý je úplne náš,“ - J. K. Rowling. A čo keby sa jedna z najkrútenejších myslí kina rozhodla nastriekať svoje podvedomie na kúsok filmu. Suspiria od Daria Argenta sa považuje za diváka filmovej logiky s jeho podivne štruktúrovaným príbehom. Ale verím, že je to neoexpresionistické majstrovské dielo, ktoré zachytáva skutočnú podstatu kinematografie, ktorá spočíva v tom, aby sme sa cítili skutočne, skutočne nažive. Argento chápe hodnotu vesmíru, a preto sa viac zameriava na kinematografiu a scénografiu, ktoré sú dominantnými obyvateľmi jeho filmu. Film „Suspiria“ predstavuje nielen štýl Argenta, ale aj celý taliansky horor, žáner inšpirovaný estetikou umenia.

63. Muž utiekol (1956)

Bezchybne presný a inšpiratívne hospodárny bol tak vzácny terč Roberta Bressona zasiahnutý filmom „A Man Escaped“ z roku 1956. Vrchol ortuťových právomocí muža ako filmára, nadväzuje na pokusy francúzskeho agenta odboja Fontaina uniknúť z čoraz nebezpečnejšieho nacistického väzenia a nachádza zmysel v každej jednotlivej snímke. Od úchvatne ľudského stvárnenia úlohy neherca Françoisa Letterriera, ktorého vpadnuté líca a vystrelené oči tak presvedčivo vyjadrili drvivú váhu života vo vojne, až po Bressonov minimalizmus, ktorý dokázal vypestovať žhavú intimitu medzi divákmi a spomínaným zúfalým mužom : Z častých poviedok a elegantných kompozícií, ktoré nepreháňali techniky, sa Bressonova okolitá tvorba niekedy utopila. Neodrezal by som ani jeden záber - a ten pohyb teda slúži ako absolútne zásadný spôsob výučby pre začínajúcich filmových tvorcov: namaľte niečo také živé a husté bez toho, aby to niekedy bolo panovačné.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

V obdobiach, ako sú tieto, neexistuje lepší film ako „To Kill A Mockingbird“, ktorý by neonacistom vysvetlil pravý význam kasty, viery a rasy. Afričan-Američan, zasadený do časových plánov rasovo rozdelenej Ameriky, je obvinený z porušovania skromnosti bielej ženy. Na vrchole rasovej nespravodlivosti, keď súd plný bielych ľudí žiada o jeho krv, príde na rade jeden muž, ktorý bude bojovať proti jeho prípadu. Jeden beloch, menom Atticus Finch. Bojoval statočne, aby predniesol skutočnosť, že všetci ľudia sú pred súdom stvorení ako rovní, či už je to farebný alebo nie. Jeho úsilie je márne, pretože súd vyhlási muža za vinného. Čo však zostáva divákovi späť, je lekcia, ktorú Atticus Finch vnucuje svojim deťom. To znamená, že ‘človeku nikdy v skutočnosti nerozumieš, kým nezvážiš veci z jeho pohľadu‘. Film „To Kill A Mockingbird“, ktorý vychádza z rovnomenného bestselleru Harper Lee, je jedným z najlepších filmov všetkých čias.

61. Zadné okno (1957)

To, čo sa od majstrovského trilerového filmu odlišuje od bežne používaných stokových kanálov, je to, že v druhom z nich prichádzajú zvraty bleskovo a spočívajú skôr na našom šoku, ako na pravdivosti zákroku, ktorý má mať vplyv. Ale vo filmoch ako „Zadné okno“ sú viditeľné nepatrné veci od profesionálneho fotografa L.B., ktorý jazdil na invalidnom vozíku. „Jeff“ Jeffries sa pozerá zo svojho zadného okna, hromadí sa kvapku po kvapke, až kým nie sú zaplavené vodou, vďaka čomu má neškodný Jeff podozrenie, že muž, ktorý žil cez nádvorie, spáchal vraždu. Hitchcock používa svoj fotoaparát majstrovsky ako nástroje iluzionistu, aby udržal svojich divákov v napätí, klamaní a hádaní, kým sa odhalenie čeľustí neodhalí. Prostredníctvom Jeffovho obsedantného sledovania predmetu záujmu Hitchcock komentuje bludy voyeurizmu, aké lákavé to môže byť a pochmúrnosť osamelého mestského životného štýlu, ktorý k tomu vedie. Ešte neuveriteľnejšie je to rovnako komentár k voyeurizmu diváka ako k Jeffovmu; pretože sme uchvátení Jeffovým uchvátením. Sledovať, keď nie sme sledovaní, je zlá radosť; Hitchcock to vie, obdivuje a priťahuje nás to.

60. 4 mesiace 3 týždne a 2 dni (2007)

Niektoré filmy vás posunú; niektoré vás rozosmejú; niektoré ti lámu srdce. Film „4 mesiace, 3 týždne a 2 dni“ patrí do špeciálnej kategórie filmov: tých, ktoré vás znepokojujú a znervózňujú. Ako by ste hádali, takéto filmy sú pravdepodobne najvzácnejšie zo vzácnych plemien. Film sleduje dvoch priateľov, ktorí sa snažia zabezpečiť potrat v brutálnom komunistickom režime Ceausescu v Rumunsku. Viscerálny a nekompromisný film vás chytí za krk a nikdy vás nepustí. Pozerať tento film je ako zažívať ten mrzutý pocit, ktorý máte, keď nervózne čakáte, až po operácii vyjde z operačného sálu niekto z vašich blízkych. Nie je to len najlepšie realistické kino; je to tiež jeden z filmov, ktorý vám zmení život, aký kedy uvidíte.

59. Minulý rok v Mariánskych Lázňach (1961)

Film Alana Resnaisa z filmu „Last Year At Marienbad“ z roku 1961 je to najbližšie, čo sme sa dostali k vizualizácii sna, a deje sa to čo najpodivnejším spôsobom. Hudba, ktorá zaberá pozadie po väčšinu behu, funguje ako sedatívum, ktoré uvedie publikum do somnolentného stavu. Napriek tomu je takmer nemožné odtrhnúť zrak od obrazovky, pretože na celom obrázku sa toho deje toľko, aj keď je zobrazených len málo. Rád by som spomenul na „Last Year At Marienbad“ ako film predstavovaný z podvedomia, kvôli jeho opakujúcej sa a mätúcej povahe. Postavy sú zmätené z bizarného sveta, do ktorého sa tiež dostali. Je to zrelý a sofistikovaný kúsok a podľa mňa je základná zápletka - zapojenie muža a jeho vzťah s cudzou ženou, ktorú si zreteľne pamätá, keď sa stretla rok predtým, hoci si o ňom nepamätá to isté - veľmi ponorná, originálna, vášnivý, romantický, snový a samozrejme brilantný.

58. Lesné jahody (1957)

Boli ste niekedy na ceste, kde nemáte nič lepšie ako pozerať sa z okna? Po určitú dobu hľadíte na výhľad von, skôr ako sa vám vrhnú myšlienky a to, čo je vonku, je teraz iba šablóna - už vás neudrží pozornosť. Tak sa deje s Isakom Borgom, protagonistom Bergmanovej klasickej náladovej skladby, ktorá si našla miesto v nespočetných zoznamoch najlepších filmov všetkých čias, vrátane jedného, ​​ktorý zostavil Stanley Kubrick v roku 1963. Cestuje so svojou nevestou, aby získal titul „Doctor Jubilaris“ z jeho alma mater. Nemá ho rada a plánuje opustiť svojho syna. Ale nášho profesora v podaní brilantného Victora Sjöströma príliš nezaujíma budúcnosť. Jeho myšlienky a v dôsledku toho film katapultovaný mnohými ľuďmi, ktorých stretne na svojej ceste, vrhli svetlo iba na jeho minulosť. Pri pohľade na Bergmanovo zhovievavé a zaistené objektív sú jeho spomienky jednoduché, známe a ľudské. Neoslavujú jeho život ani neodmietajú jeho úspechy. Sú strapaté, ako väčšina našich a vedome skreslené. Keď konečne dorazí na miesto, ktoré mu bude udelené vyznamenanie, uvedomíme si, že nikdy nepotreboval odmenu. Dostal to už v tých jahodách, ktoré zbieral so svojou milou z detstva, obchodníkom, ktorý si ho pamätal, problémovým vzťahom s manželkou, dobrými i zlými, vykupiteľmi i neodpustiteľnými. Rovnako ako my v podobe tohto tajomného, ​​nevysvetliteľne dojímavého filmu.

57. Pravidlá hry (1939)

Dômyselná, štipľavá komédia správania sa Jeana Renoira dokáže po všetkých tých rokoch prekvapivo dobre držať, zatiaľ čo zostáva rovnako hravá a strašidelná ako kedykoľvek predtým. V čase jeho uvedenia sa mu vyhýbali kritici i diváci, čo malo za následok, že Renoir po katastrofálnej premiére vystrihol významnú časť filmu - časť, ktorá mala väčšinou postavu Octavea, ktorého stvárnil samotný Renoir. Ťažko prekvapivý je odvtedy jeho rast. Film je svojím mazaným a autoritatívnym žonglovaním s postavami, témami, tónmi a prostredím vždy delirálne zábavný, ale nikdy nie menej usilovný alebo prepracovanejšie ako to najlepšie zo svetovej kinematografie z daného obdobia. Jeho dôkladne sfalšované vizuálne prvky pulzujú sofistikovanosťou, ale vynaložené úsilie nie je nikdy viditeľné a film vás nechá zúriť v údive, ako hlboko ste sa zaplietli do jeho zručne vybudovanej atmosféry. Kameraman Jean Bachelet a Renoir sa hrajú s kamerou spôsobom, ktorý filmu dodáva vzdušnosť, ale vďaka jeho neúnavnej kontrole je z neho neustále zaujímavý počin. Ak to všetko nestačí, mali by ste vedieť, že Alain Resnais kedysi povedal, že film bol jediným a najdrvivejším zážitkom, aký kedy v kine zažil. Ťažko by sme našli žiarivejšie odporúčanie.

56. Tretí muž (1949)

Film-noir je žáner spojený s filmami, ktoré oplývajú temnými uličkami, tajnostkárskymi, zvodnými postavami, tajomstvom a krémovo čierno-bielou farbou. Aj keď sú mnohé z týchto obrázkov zaujímavé a ponúkajú dobrý čas, málokto vyskúša niečo inovatívne a iné. Tretí muž je jedným z najväčších filmových noirov, aké kedy vznikli, pretože mimoriadne dobre rozpráva svoj ohromujúci príbeh. Využíva pri tom pôsobivé holandské náklony, pôsobivé svetlo a krásnu hudbu. Tento film súvisí s mužom a jeho samovražedným vyšetrovaním vraždy jeho finančne zabezpečeného priateľa. Dej filmu Tretí muž je lemovaná romantikou, čiernym humorom, zvratmi a napätím. Film môže byť v jeho jadre nazvaný sladkým príbehom lásky, ale so všetkým ostatným, o čom sa vrhá, je táto zamilovanosť ponechaná na pochybách. Prehrajte majstrovsky napísaný scenár a nádherný magnetofón Carol Reedovej vás udrží na okraji sedadla až od jeho skromného, ​​ľahkovážneho prvého počinu až po koniec, ktorý môže byť najchytrejším finále každého vášho obrázka. “ Uvidím.

55. Cries and Whispers (1972)

Tragická rodinná dráma Ingmara Bergmana sa zaoberá smútkom, ktorý je bezchybne zúfalý a horúčkovito naliehavý. Nie je to trpezlivo zostavené scénu za scénou a do konca to nie je na tanieri. Ste inhalovaní od samého začiatku filmu, ktorý predstavuje hlavných hráčov a ich zatvrdnutý, horľavý smútok s nádhernými detailmi, vďaka ktorým je ich dusné nepohodlie jasne viditeľné. To všetko je pokryté neodpustiteľnou plejádou červenej farby v podobe karmínovej farby, ktorou sú natreté steny domu, v ktorom sa príbeh odohráva. Bergman nás upozorňuje na zápach smrti, ktorý obklopuje ženy, takýmto impozantným smerom, že skutočná smrť nie je dôvodom na poplach. Vďaka svojej inherentnej násilnej túžbe urobilo všetko vo filme strašidelnú, krvou nasiaknutú spomienku. Neustále fascinujúce vizuálne prvky Svena Nykvista sú tlmené Bergmanovým jemným písmom a majstrovsky prežívanými výkonmi hercov. Svietiaca Liv Ullmanová vyzerá akoby mystifikovala a nadchla vždy, keď je na nej kamera, zatiaľ čo nedôverčivá Ingrid Thulinová a Harriet Anderssonová sú vo svojej práci natoľko nezištní, že pri kontakte s ich pocitmi pôsobí invazívne. Bergman nám nedáva jasné nápady, ako si vziať domov, ale popiera nám všetky ďalšie vnemy, než aké zažívajú jeho postavy. Zaujímalo by nás, ako ďaleko jeho prístup k našim emóciám siaha a on ho rozširuje na každom kroku. „Plaču a šepotu“ nakoniec nemožno uveriť, treba ho žiť.

54. Bol raz na západe (1968)

Možno je to strašidelné skóre Morriconeho alebo možno vízia Delliho Colliho, ktorá je taká rozsiahla ako Západ, alebo možno neochvejná drvina burácajúca v očiach Bronsona a Fondu a možno to je vyvrcholenie všetkých týchto aspektov v takmer každej snímke maestrom Sergiom Leoneom . Ak potrebujete western, ktorý má tak krásu Johna Forda, ako aj nemilosrdnú divokosť Sama Peckinpaha, potom Leoneovi jednoducho nie je nikto. Vo svojom veľkolepom opuse dosahuje to, čo mu predtým prinieslo 3 filmy, aby vytvoril mystický svet uprostred ničoho. Aj keď na povrchu nemusí byť nič duchovné, film má bohov. Bohovia športové koruny naplnené 10 galónmi strelného prachu a piesok, ktorý prehltnú vodou. Tiež to, že Henry Fonda sa stal antagonistom, bolo pravdepodobne rozhodnutím toho desaťročia, pretože jeho ľadové modré oči sa nepodobali ničomu, čoho kedy Západ bol svedkom.

53. Annie Hall (1977)

Nikto nemôže tvrdiť, že chápe mätúcu a všeožierajúcu záhadu, ktorou je láska ako Woody Allen. A žiadny film Woodyho Allena sa nepribližuje k uvedeniu v jeho skutočnej, svojráznej sláve ako tento príbeh Alvyho Singera, neurotického, nihilistického komika v New Yorku, ktorý si „viac ako lásku“ zamiluje do ditzy, prchavej a veselej Annie Hall a potom z toho vypadne. Film tiež skúma rodové rozdiely v sexualite prostredníctvom vzťahov Alvy’s a Annie ‘Yin and Yang‘. Nakoniec aj Alvy prijíma lásku ako „iracionálnu a bláznivú a absurdnú“, ale v živote potrebnú. Použitie viacerých inovatívnych naratívnych techník, ako napríklad improvizované prelomenie štvrtej steny, rýchle striedanie minulosti a súčasnosti prostredníctvom plynulých strihov, zobrazovanie v titulkoch, ako sa cítia Alvy alebo Annie, zatiaľ čo v skutočnosti hovoria niečo úplne odlišné, a doplnenie znaku „ príbeh v príbehu “ako vyvrcholenie, povýšte už aj tak pútavý príbeh. ‘Annie Hall’ je pravdepodobne prvou skutočne modernistickou romancou o celuloide a inšpirovala namiesto nej generáciu romantických komédií. Žiadny nie je taký pôvabný ako ten, ktorý sa snažia napodobniť.

52. M (1931)

Nástup technológie nahrávania hlasu, fenomén, pre ktorý v tiráži platil ako „The Jazz Singer“ z roku 1927, viedol k absurdnému nasýteniu dialógov vo filmoch. Táto technológia bola považovaná za samozrejmosť ako priama aktualizácia, a nie ako nástroj používaný v spojení so zavedeným filmovým jazykom. Fritz Lang, muž, ktorý začal svoju kariéru v nemom kine sériou majstrovských diel vrátane Destiny, Dr. Mabuse Gamblera, Die Nibelugen a výnimočného Metropolisu. Jeho migrácia na zvuk dosiahla vrchol v roku 1931 „M“ - film, ktorý na rozdiel od všetkých okolitých zdrojov odstránil takmer všetok okolitý hluk. Výsledkom je tichý vysielač s neuveriteľne nezáživnou atmosférou: taký, ktorý tak účinne podopiera jeho rozprávanie. Predmetný príbeh útočí na detského vraha a nekompetentnosť nemeckej vlády chytiť ho - vytvoriť vlastný klokanový súd na potrestanie vraha. Komunikuje tu Lang s neuveriteľnou zrelosťou v správach: Spravodlivosť, ktorá si zaslúži byť úplne narušená politickým kontextom doby - so zaznamenanou politikou eutanázie Národnej socialistickej strany a čoraz násilnejšími ideálmi, ktoré sa prejavujú ako zhubný nádor na obvineniach ľudí . Vystúpenie Petra Lorra, bohaté na pátos a mučený humanizmus, pomáha biť domov hlbokým podvodom „M“, ktoré sa nezmerne pohybuje dodnes.

51. 12 Nahnevaní muži (1957)

Odpoveď na otázku, či bol chlapec vinný alebo nie, sa nikdy nedozvieme. Ale jedna vec, ktorú 12 Angry Men tvrdí, je, že logika vždy zvíťazí nad intuíciou, ak je vo svete bláznov jeden príčetný človek. A je hlúposť chorobou alebo iba vedľajším produktom nevedomosti? Dráma Sidneyho Lumeta od vás nežiada, aby ste používali svoj mozog na srdce, ale snažte sa dosiahnuť bod, v ktorom sa môžete rozhodnúť, pričom obaja pracujú v tandeme. Spolu s pútavým scenárom, ktorý sa hrdo nachádza v učebných osnovách všetkých filmových škôl na celom svete, je kameramanská práca a inscenácia akoby z japonskej klasiky novej vlny. 12 Angry Men je pamätníkom amerického filmu a môže sa pochváliť nezabudnuteľným predstavením hereckého súboru.

50. Mestské svetlá (1931)

Nie veľa začínajúcich filmárov má v dnešnej kultúre uznanie a popularitu, ktorá sa Chaplinovi teší. Môže to byť z mnohých dôvodov. Jeho filmy hovoria s každým a sú čudne vtipné, ale okrem toho sa jeho príbehy pozerajú na melancholické situácie vo vtipnom svetle. To je prípad pravdepodobne jeho najosobnejšieho obrazu „City Lights“, ktorý rozpráva príbeh trampa a jeho snahy zaujať a pomôcť chudobnej slečne flowergirl. Robí tak pod fasádou, pretože sa vydáva za boháča, aby upútal jej pozornosť, ale pri tom sa dostane do problémov. Keď je film v dnešnej dobe rovnako zábavný a dojímavý ako pred 75 rokmi, zvyčajne to znamená, že robí niečo správne. Film „Mestské svetlá“ zanechal vo svete svoju stopu svojím vyobrazením chudoby a života v ťažkých rokoch hospodárskej krízy, ktoré je tak dobre prevedené a malo pocit, že nikdy nedokáže pohnúť publikom, pričom im dáva nádej na lepšie zajtra.

49. Príďte a uvidíte (1985)

Druhá polovica neuveriteľne zručného filmárskeho tímu, režisér Elem Kilmov, sa oženil s Larisou Shepitko - svetlou virtuózkou v pozadí filmu „Wings“ a „The Ascent“. Keď tak smutne zomrela pri autonehode, Kilmov dokončil práce na svojom výnimočnom nedokončenom projekte „Rozlúčka“ (ktorý by sa jednoducho mohol umiestniť na tomto mieste) - a myslím si, že to, čo robí všetky tieto súvislosti tak silnými, je spôsob, akým muž vykrváca. každý rámec jeho práce. Kilmovovo kino kypí nevyjadreným zúrivosťou a zúfalstvom: Obrovská váha vlastnej ohromnej váhy emócií - a len málo filmov, ktoré sa kedy nakrútili, pulzuje rovnako silným pocitom ako Poď sa pozrieť . Pravdepodobne najlepší vojnový film, aký bol kedy natočený, jeho pekelné zobrazenie invázie Wehrmachtu do Bieloruska sa odráža v ohlušujúcich výbuchoch, desivých vizuáloch a svete, ktorý pomaly vyprcháva zo života - jeho scény natočené v nádhernom dutom svetle. Napriek všetkému tomuto trápeniu si Kilmov nájde cestu k porozumeniu v jeho transcendentálne zrelom závere. Možno vo svojom odhodlaní uvažovať o pominuteľnosti života konečne nachádza silu pochovať kosti svojej zosnulej manželky. Ostáva len dúfať.

48. Siedma pečať (1957)

Už od prvých obrázkov ikonického dokumentu Bergmana o viere, strachu a spokojnosti je na vás kúzlo. Prudký, zrnitý pohľad na more, pobrežie a na neho odvážny rytier a jeho osudové stretnutie s personifikáciou smrti definuje objektívnu jasnosť filmu, aj keď ponecháva priestor neustálej prítomnosti zvodnej, až desivej nejasnosti. Využije magnetické predstavenie neporovnateľného Maxa von Sydowa a skupiny hercov, ktorí povýšia Bergmanov úžasný materiál založený na jeho hre „Wood Painting“ na neočakávané úrovne. „Siedma pečať“ má počas svojich skromných 90 minút vplyv stará bájka odovzdávaná generáciami, ktorá poháňa predstavivosť oveľa expanzívnejšiu, ako môže dúfať. Šumivá, svieža čierno-biela od Gunnara Fischera zaručuje, že intenzita útrap sa plazí pod našu pokožku. Plynulosť ako prúd je výsledkom rozprávania rozvinutého so vznešenou istotou a hmatateľnou vyrovnanosťou. Môže to byť úplne jednoduchý príbeh, ktorý napriek tomu v lone ukrýva cenné nápady, ale je šitý látkou tak zložitou a odvážnou, že si nemôžete pomôcť a znova sa na ňu pozriete znova a znova, aby sa pretavila do trvalej pamäti.

47. La Dolce Vita (1960)

Felliniho opatrný, trpezlivo a poeticky zmäkčený virtuóz sa naplno ukazuje v jeho víťazovi Palme d’Or, ktorý vo svojom oduševnenom a temnom pôvabe zachytáva spôsob života, ktorý sa javí príliš nepolapiteľný a v niektorých ohľadoch až príliš reálny. Jeho tempo zdôrazňuje zmysel bezcieľnosti hlavného hrdinu a núti nás kúpať sa v symfonickom usporiadaní živosti života a toho, aké je to všetko prchavé. Tento hlavný hrdina hrá najlepší v kariére Marcello Mastroianni, ktorý tento dar času využíva na to, aby naplnil jeho oči neodolateľnou únavou zo sveta. Spochybnenie významu určitých častí sekcie „La Dolce Vita“, ktoré sa môžu zdať bez filozofického významu alebo naratívnej relevancie, spočíva v odmietnutí možnosti nechať na vás prenikať pikantné podrobnosti a následnom zvažovaní následkov. Keď nás nebeské skóre Nina Rotu prenesie do závratného sveta Ríma, videného Felliniho iluzórnym okom, uvidíte iba to, čo chce, aby ste videli, a rýchlo sa stane aj tým, čo chcete vidieť vy.

46. ​​Psycho (1960)

Ľudské bytosti, v najlepšom prípade, možno označiť za zvláštne. Ľudská myseľ, ktorá je schopná mnohých ohromujúcich vecí, je tiež schopná sa sama zdegenerovať na nepochopenie. Film „Psycho“ od Alfreda Hitchcocka nepotrebuje predstavovanie, pretože drží hlavu vysoko, uprostred nadčasových kín. Okrem toho, že je to klasika, je to aj smutný komentár zlyhávajúcej morálky ľudských bytostí. A nie je to tak, že ti Norman Bates vadí! Žieravé zadržiavanie pani Batesovej, ktoré normalizovalo Normanov život v detstve a nakoniec v dospelosti, pripomína, ako sa láska môže dusiť. Pán Hitchcock slávne prijal zvláštne pravidlá pre film „Psycho“, ktorý zahŕňal aj to, aby sa do filmu nedostali neskoro účastníci. Bol prijatý, aby sa zaistila úplná spravodlivosť voči pulzujúcej vrcholnej scéne filmu. ‘Psycho’ thriller v tej najvernejšej podobe je príbehom syna, jeho matky a ich nezdravého puta majetníctva. Hitchcock bol pred finále tak ostro strážený, že film propagoval v tomto motíve - „Nedávajte koniec - Je to jediný, ktorý máme!“

45. Solaris (1972)

Tarkovského film „Solaris“ je celkom ako fenomén vyobrazený vo filme. Od mätúceho svojím hlboko zakoreneným konceptom až po vývoj v entitu, s ktorou sa neviem rozlúčiť, je to skúsenosť, ktorá ma núti uvažovať o zabudnutej povahe každej molekuly, ktorá predstavuje vesmír. Možno si uvedomujeme vedecké dimenzie, ale môže nejaký prístroj vypočítať množstvo lásky alebo smútku, ktoré človek drží na nanograme srdca? Nájde niečo mozgovú bunku, v ktorej sa nachádza nezabudnuteľná pamäť? Od Bachovej čarovnej hudby v úvodnej sekvencii až po vytrvalú scénu na diaľnici je Tarkovského využitie času na odpojenie diváka od fungovania normálneho sveta majstrovské. Solaris je ríša, kde vás emócie pošlú na zbláznenie, ale kto by neemitoval, keď je šialenosť krásna na dotyk a taká vnútorná, aby vás zbavila vlastného ja.

44. Schindlerov zoznam (1993)

Dôležitý film, ktorý výrazne ťaží zo Spielbergovho talentu pre dramatický film, je rovnako znepokojujúcim a citlivým zážitkom pre seba. Film je, rovnako ako mnoho iných na tomto zozname, majstrovským kurzom niečoho, čo by som rád nazval zjednodušujúcim a pôsobivým rozprávaním. Príbeh sleduje Oskara Schindlera, nemeckého podnikateľa, ktorý počas holokaustu zachránil životy viac ako tisíc Židov tým, že ich zamestnal vo svojich továrňach. Všetci traja vedúci, Liam Neeson ako Oskar Schindler, Ralph Fiennes ako Amon Goth a Ben Kingsley ako Itzhak Stern, sú v úžasnej forme a predvádzajú najúprimnejšie vystúpenia. Scéna najmä na konci filmu, kde sa Schindler rozpadá vzhľadom na to, koľko ďalších životov by mohol zachrániť, je hlboko dojemná a zostáva mi vrytá ako jedna z najsilnejších scén vykresľujúcich srdce v Kine. To, že bol film natočený čiernobielo, s občasným použitím farieb na symbolizáciu alebo zvýraznenie dôležitého prvku, zvyšuje zážitok. Ľahko, najlepší Spielbergov film, zostáva základným zážitkom zo sledovania filmu.

43. Lawrence z Arábie (1962)

Kino ako médium je stále veľkolepejšie. Vďaka špičkovým technológiám, ktoré majú k dispozícii, nám dnešní tvorcovia ponúkajú niekoľko vizuálnych filmových zážitkov. Existujú však aj niektoré filmy, ktoré boli natočené pred tým, ako bola v móde CGI, ktorých priehľadný a monumentálny rozmer si nenašiel obdobu. Epická historická dráma Davida Leana založená na živote T. E. Lawrence , jedna z najrenomovanejších osobností Británie, je jedným z takýchto filmov. Hrá v ňom Pater O’Toole ako Lawrence a zaznamenáva jeho dobrodružstvá na Arabskom polostrove počas prvej svetovej vojny. Hneď na začiatku David Lean vykresľuje nádherný pohyblivý obraz nekonečnej púšte v celej jej sláve, pomáha mu kameraman Freddie Young a strhujúca partitúra Maurice Jarre. Ale v žiadnom prípade to neobetuje emócie za extravaganciu. V jeho strede je „Lawrence z Arábie“ ohromujúcou štúdiou charakteru Lawrenca - jeho emocionálneho boja s osobným násilím spojeným s vojnou, jeho vlastnej identity a rozdelenej vernosti medzi jeho rodnou Britániou a jej armádou a jeho novoobjavenými súdruhmi. arabské púštne kmene. Vďaka tejto zdravej kvalite je film „Lawrence z Arábie“ jedným z najvplyvnejších filmov, aké kedy existovali.

42. Pátrači (1956)

Pravdepodobne najväčší western, aký bol kedy vyrobený, najlepší film o veľkej kariére Johna Forda, „The Searchers“ je americká klasika, ktorá patrí medzi najlepšie filmy, ktoré vznikli v päťdesiatych rokoch. Aj keď bol v tom čase obdivovaný a rešpektovaný, jeho tržná a ohromujúca sila nebola rozpoznaná niekoľko rokov, ale začiatkom sedemdesiatych rokov bola oslavovaná ako klasika žánru a možno najkvalitnejší western, aký bol kedy vyrobený. Čas určite nahlodal silu niektorých filmov, ale nie to, ako sa týči zúrivý výkon Wayna, ani rasizmus vo filme, ktorý poháňa hnev a zúrivosť. Dramatický príbeh filmu, Ethan a jeho hľadanie, sú nadčasové, rovnako silné ako dnes, možno skôr preto, že toľko jemných príbehových bodov je teraz jasných.

41. Pather Panchali (1955)

Film, ktorý svetu priniesol indickú kinematografiu, a uviedol do kinematografie jedného z najlepších autorov Satyajit Ray. Film „Pather Panchali“, ktorý je založený na románe Bibhutibhusana Bandopadhaya, rozpráva o zbedačenej rodine, ktorá sa snaží prosperovať prostredníctvom mnohých nepriaznivých životných situácií. Možno tvrdiť, že to romantizuje chudobu, pretože divák je svedkom mnohých utrpení, ktorým čelí rodina a ktoré si zarábajú na živobytie. Napriek tomu divákovi zostávajú okamihy, prelínané hudbou majstra Raviho Shankara. Láskavý vzťah medzi Appu a jej sestrou Durgou, vlaková sekvencia, ktorá je jedným z vrcholov filmu, posúva film na úplne inú úroveň. Film „Pather Panchali“ sa v priebehu rokov stal jedným z kultových filmov a zaslúžene sa pravidelne objavuje na zoznamoch najlepších filmov všetkých čias.

40. Casablanca (1942)

Podstatný americký klasický film. Na jeho šarme je možno niečo tak nákazlivé, že si ho stále zamilujete, a to aj po všetky tie roky. Okrem nesmierneho faktora opätovnej sledovateľnosti je to vynikajúce aj vďaka nezabudnuteľnému skóre (As Time Goes By!) A mimoriadne čitateľnému dialógu. Jednoducho povedané, je to lahôdka, keď sú všetky prvky skvelého filmového zážitku prítomné v správnom množstve!

Dej je prinajmenšom jednoduchý, takmer hraničí niekedy s banálnym. Cynický muž so zlomeným srdcom, ktorý vedie najslávnejší nočný klub v Casablance, sa ocitne na križovatke, keď sa s manželom objaví dáma, ktorú miloval. Dejovými zariadeniami sú slávne tranzitné listy, ale príbeh je priamo o dvoch milencoch na pozadí raných fáz druhej svetovej vojny a o tvrdom rozhodnutí, ktoré musí podstúpiť Bogartova postava, visieť alebo nechať ísť. Ako v mnohých filmoch tohto žánru, aj v tomto prípade prevedenie robí triky a transformuje film „Casablanca“ na jednu z najpútavejších romantických drám všetkých čias, ktorá je tiež neuveriteľne dobre rozohraná; Humphrey Bogart a Ingrid Bergman sú špičkové a sú šikovne podporovaní hráčmi ako Paul Henreid, Claude Rains a Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Keď sa na kino pozeráme ako na umeleckú formu, nemožno poprieť dokonalosť Barryho Lyndona, od nádhernej kinematografie, hypnotizujúcich scénických scén, vynikajúcej hudby až po silnú réžiu. Ako príbeh rozpráva o živote mladého muža v Európe 18. storočia, keď stúpa po stupňoch aristokracie, až ho jeho zlý osud dovedie späť. Obraz má v sebe jedny z najlepších scén, aké boli kedy natočené, pričom využíva svetlo, farby, fyzikálne vlastnosti atď. Na padajúce čeľuste. Neexistuje lepší spôsob, ako zhrnúť život človeka, ako sa na neho pozerať objektívne, a to je to, čo tento film urobil pomocou nespoľahlivého rozprávača. Je chladné a vzdialené, zriedka dáva divákom príležitosť cítiť sa s hlavným hrdinom. Z tohto pohľadu Barry Lyndon je bohatá štúdia postáv s bohatými postavami, realistickým nádychom a poetickým spôsobom komunikácie emócií. Je to jednoducho kino v najlepšej kvalite.

38. Všeobecný

Jeden z najstarších titulov v zozname „Generál“ slúži ako pripomienka toho, že mnoho moderných akčných majstrovských diel sedí vo veľmi dlhom tieni nikým iným ako génius tichej komédie Buster Keaton. Môže sa pochváliť tak pôsobivým dielom, ako dokonca aj Charlie Chaplin, milý tramp tohto umelca vymieňa miesta s kavalkádou príjemne praštěných postáv v Keatonovom prípade; všetci obklopení naježenou filmovou zvedavosťou, ktorá vo filmoch rýchlo pretiahla hranice média, ako napríklad Sherlock mladší a kameraman. To všetko bez toho, aby sme spomenuli jeho opus Magnum z roku 1927 The General: Nasledovanie inžiniera Konfederácie, ktorý sa ponáhľal varovať svoju stranu postupujúcich vojsk Únie počas americkej občianskej vojny. Jeho príbeh tvorí šablónu pre nedávny film Mad Max: Fury Road od Georgea Millera a takmer všetkých filmov o mačkách a myšiach, ktoré boli kedy natočené. Je plný veselých komédií, pôsobivých špeciálnych efektov a drzých kaskadérskych kúskov, vďaka ktorým Keaton ohrozuje viac svoj život. než raz za obdivovanie jeho milujúcich divákov. Generál zostáva jedným z najlepších, ak vôbec nie najlepším akčným filmom, aký kedy bol natočený - filmom, ktorý sa baví s každou troškou svojho bytia a dokáže privolať toľko vynikajúco spracovaných momentov epického rozsahu, aby sa vyrovnal akémukoľvek dovážaniu nabitému CG, ktoré sa dnes vyrába.

37. Blow Up (1966)

Čas ? Hojdacie šesťdesiate roky. Miesto? Londýn. Mesto, ktoré oslňuje a žerie. Živé a očarujúce. Sex, drogy a rock n roll. Celkovo možno povedať, že deň v živote Thomasa, módneho fotografa, ktorý žije životom, povedzme pochybnou morálkou. V deň plný udalostí pri prechádzaní fotografiami dvojice, ktorú v skryte, dosť tajne zachytil v parku, v ňom objaví mŕtve telo. Zájde na to isté miesto a nájde telo, ktoré bude mužom z páru. Bojí sa, že sa vráti do svojho ateliéru, aby zistil, že je vyplienené, ale zostáva mu len jedna fotografia, mŕtve telo. Na druhý deň telo zmizne. Kto ho zavraždil? A prečo sa telo stratilo? Prečo mal Thomas pocit, že je sledovaný? Film „Blow Up“ predstavuje klasický film režiséra Michelangela Antonioniho, ktorý v priebehu rokov inšpiroval mnohých filmových tvorcov vrátane Briana De Palmu a Francisa Forda Coppolu.

36. Večný svit nepoškvrnenej mysle (2003)

Závratné, neskutočné zjavenie lásky a lámania srdca nebolo nikdy preskúmané spôsobom a do takej miery úspechu, ako to robí „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“. Vďaka nádherným obrazom a invenčným skóre podobným soundtracku v štýle tichej éry nie je možné vysvetliť všetko o filme „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“. Film je bezpochyby navrstvený ťažko sledovateľným príbehom - aj keď je to jednoduché, len čo začnete sledovať - ​​je to jeden z tých filmov, ktoré sú bohato obohacujúce už len preto, že sa nemôžete brániť omdlievaniu nad veľmi premysleným konceptom a hlbokým dojmom. film, že to je. Skutočnou hviezdou šou je ale jej autor, Charlie Kaufman , ktorý v podobe filmu „Večný svit nepoškvrnenej mysle“ možno veľmi dobre napísal najskvelejší geniálny scenár, aký kedy v dejinách filmu patril. Film, ktorý je nielen svojím spôsobom jedinečný, ale aj nekonečne opakovane pozerateľný, pričom pri každom sledovaní sa dá nájsť niečo nové.

35. Taxikár (1976)

V kategórii „Taxikár“ nám Martin Scorsese predstavuje jedného z najviac narušených, nepravdepodobných, ale napriek tomu rozmarných protagonistov našej doby v Travisovi Bicklovi. Film ho sleduje, keď sa stáva taxikárom, ktorý sa vyrovná so svojou nespavosťou, a sleduje, ako ho pomaly premáha všetko šialenstvo v meste okolo neho. Skutočným spôsobom, ako Taxikár zvíťazí vo filme, je to, ako sa mu darí vkrádať sa k vám a pomaly sa prepracovávať cez špinavosť a hrôzu, ktorá, zdá sa, naráža na Travisa Bickleho. V tomto ohľade oprávnene získava vyznamenanie ako psychologický triler viac ako dráma, ktorá často pracuje na viacerých úrovniach než na tých dvoch. Film môže byť pre niekoho znepokojujúcim vzhľadom na jeho temnú tematiku, ešte temnejšie spracovanie a hŕstku násilia, ale pre divákov, ktorí sú ochotní sa pozrieť okolo, nejde o nič iné ako brilantný pokus o pochopenie časti filmu. ľudská psychika, ktorá najčastejšie pramení vo forme vigilantizmu. Myslím, kto nemá múzu o tom, že povstal až do nesprávnosti našej doby a vrátil ju späť? Je to práve táto hlboko zakorenená predstava o splnení priania, s ktorou „taxikár“ veľmi účinne hračkuje. Tento film je dnes všeobecne považovaný za jeden z najdôležitejších filmov, aké boli kedy natočené, a predstavil svetu silu, ktorou bol Scorsese.

34. Cesta slávy (1957)

Predtým, ako Stanley Kubrick pochodoval ďalej, aby preskúmal nevysvetliteľné aspekty spoločnosti, ktoré presahovali nielen čas, ale aj očakávania divákov od ich vlastného ja, vytvoril tento strhujúci vojnový kúsok, ktorý som zaradil vedľa filmu „Príď a pozri“. Na rozdiel od toho druhého, Paths of Glory extrahuje svoje srdcervúce stvárnenie WW z rovnakej povrchnosti ľudstva, ktorá dominovala v Kubrickových posledných dielach. V Kubrickovom svete nie sú démoni pokrytí krvou a bahnom, ale medailami a pýchou a na najposvätnejších miestach súdu je peklo. V čase, keď priemysel prijal atraktívny 3 prúžok, vymaľovala Kubrickova monochromatická vojna vojnu jediným odtieňom. Telá, handry, kasárne, dym, popol, všetko maskované spoločným pohľadom na nepríjemnú agóniu.

33. Tri farby: červená (1994)

Najsmutnejšia časť umelcovho zániku je, keď si myslíte, že ich posledné dielo je najväčším v histórii. To bol prípad poľského autora Krzysztofa Kieslowského a jeho posledného filmu ‘Red’. Kieslowski už oznámil svoj odchod z filmovej tvorby po premiére filmu v Cannes v roku 1994, ale je to jeho tragický zánik takmer dva roky po tom, čo oznámil svoj odchod, čo ho robí ešte hlbšie smutným. Film „Red“ je posledným dielom jeho vysoko cenenej trilógie „Three Colors“ a je o mladej žene, ktorá natrafí na starca po tom, čo svojím autom nešťastne zasiahne jeho psa. Starý muž je sudca na dôchodku, odtrhnutý od života a akýchkoľvek emócií a svoj čas trávi špehovaním iných ľudí. Medzi nimi sa vytvorí nepravdepodobné puto s jemnými romantickými podtónmi. „Červená“ je o šanciach a náhodách, ktoré nás každodenne zasiahnu, a o tom, že si neuvedomujeme ich krásu a význam. Vo filme sa vyskytuje nevysvetliteľný pocit melanchólie, ktorý pojednáva o tragédii ľudského osudu a času a o tom, ako sme ako ľudia vo svete tak či onak prepojení. Film „Red“ je úžasným filmovým počinom a je jednoducho jedným z najlepších filmov, aké boli kedy natočené.

32. Poklad Sierra Madre (1948)

Ako už názov napovedá, hľadanie pokladov si často spájame s pulzujúcim dobrodružstvom a s ním spojeným adrenalínom. Existuje ale len veľmi málo príbehov, ktoré hovoria o emóciách, ktoré ľudia podstupujú, keď sa vydávajú na cestu za týmto zlatom. Často sa hovorí, že nepriazeň osudu prinesie váš skutočný charakter. Film „Poklad Sierry Madre“ rozpráva príbeh, v ktorom túžba po zlate prináša nechutné zmeny v postavách, ktoré nakoniec vyústia do ich individuálnej dezolácie. Aj keď sa pozornosť zameriava na chamtivosť, ktorá kazí svedomie, divákovi zostáva štúdium ľudského charakteru v nepriaznivých situáciách. Tento film, ktorý je tragickým príbehom chamtivosti a zrady, získal cenu akadémie za najlepšieho režiséra, najlepšie adaptovaný scenár a najlepšieho herca vo vedľajšej úlohe. V priebehu rokov sa z toho stala kultová klasika pre milovníkov kinematografie na celom svete.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, pojem označovaný ako časopisy alebo knihy, ktorý zdôrazňuje najviac násilia, pohlavia a kriminality. Vďaka týmto prvkom sa časopisy predávali ako horúce palacinky. Tarantino vzal tieto prvky, spojil ich okolo troch príbehov a vytvoril príbeh, ktorý nebol ničím menším ako filmový génius. Jeden z najunikátnejších popkultúrnych filmov, ktorý bol natočený, sa divákovi predstaví svet mafiánskeho nájomného zabijaka Vincenta Vegu, jeho zločinného partnera a partnera Julesa Winnfielda, gangsterskej manželky Mie Wallaceovej, boxera Butcha Coolidgea a vyhodí ho z vzduchu jeho štýlové zaobchádzanie s trestnou činnosťou a násilím. Jedným z najdôležitejších aspektov filmu, ktorý prispel k jeho úspechu, bolo predstavenie Samuela L. Jacksona. Ako nájomný vrah Jules Winnfield, ktorý cituje biblické verše ako pointy, bol fenomenálny. Jeden z najväčších filmov tejto éry, film „Pulp Fiction“, sa stal učebnicou pre začínajúcich filmových tvorcov po celom svete.

30. Bitka o Alžír (1966)

Máloktorý film nesie bremeno politiky spôsobom, ktorý obohacuje jeho filmový efekt, ale necháva to na uhladenom zápalnom talianskom maestrovi Gillovi Pontecorvovi, ktorý vezme stále sa vrúcny bod blesku francúzskeho koloniálneho útlaku z konca 50. rokov voči alžírskemu ľudu a urobí z neho niečo úplne presvedčivé. Stále prezieravé paralely, ktoré dnes obdivuhodne neutrálne pozoruje Pontecorvo, ktorého sa teroristi a terorizmu dopúšťajú, robia z prežívania „bitky o Alžír“ fascinujúcu intelektuálnu výzvu pre naše chápanie čierno-bielej vojny, a-la napodobňujúci chlad Miklósa Jancsóova nezmazateľná filmografia. Okrem toho sú jeho techniky úpravy týždenníkov medzníkom vo filmovej komunikácii a podľa môjho názoru oveľa viac využívajú zbesilé techniky rezania Nouvelle Vague ako mnohé z jeho exploratívnych tirážov. Raz videný, nikdy nezabudnutý - „Bitka o Alžír“ je jednoducho kľúčovým kúskom svetovej kinematografie.

29. Goodfellas (1990)

Je snom režiséra vytvoriť filmovú epochu pre obdobie, v ktorom sa vyrába. Pre Martina Scorseseho je to však zvyk. Za každé desaťročie pôsobenia v kategórii A-Lister nakrútil film považovaný za jeden z najväčších v danom období. V 70. rokoch vytvoril filmy „Taxikár“, v 80. rokoch minulého storočia „Raging Bull“, v 90. rokoch minulého storočia „Goodfellas“, v 20. rokoch minulého storočia „The Departed“ a v 90. rokoch „The Wolf Of Wall Street“. A práve gangsterská dráma z roku 1990 založená na skutočnom príbehu gangsterského spolupracovníka Henryho Hilla sa stala jedným z merítok v žánri. Film, ktorý v prvej osobe rozpráva Hill, zaznamenáva jeho vzostup a pád ako súčasť newyorskej mafie od roku 1955 do roku 1980. Na rozdiel od gangsterskej extravagancie v snímkach „Krstný otec“ alebo „Scarface“ sa film „Goodfellas“ zaoberá filmom autentické detaily každodenného života gangstrov, zameranie sa na to isté zameranie na Hillov vzťah s manželkou Karen ako na jeho zneužívanie so spoluhráčmi z gangu. Ale Scorsese používa všetky šípy vo svojom toulci trikov, aby bola táto záležitosť lákavá tento legendárny dlhý sledovací výstrel , nezabudnuteľný dialóg a výbušný čin Joe Pesciho ako Tommyho DeVita, Hillho búrlivého spolupracovníka. Pokiaľ ide o žáner kriminality, film „Goodfellas“ je taký dobrý, ako býva.

28. Zúriaci býk (1980)

Martin Scorsese je známy tým, že vo svojich filmoch zobrazuje príbehy zlomených, chybných, často sebazničujúcich protagonistov. A často prehľadával dejiny dejín, aby našiel svojich padlých hrdinov v skutočných príbehoch. ‘Zúriaci býk’ je životný príbeh legendárneho boxera Jakea LaMottu, ktorého sebazničujúca a obsedantná zúrivosť, sexuálna žiarlivosť a živočíšny apetít, vďaka ktorým sa stal šampiónom v ringu, zničili jeho vzťah s manželkou a rodinou. Celý film je nakrútený čierno-bielo, aby skutočne vystihoval dobu, v ktorej sa nachádzal, a temnú, depresívnu náladu, ktorú definoval. Scorsese očakával, že to bude jeho posledný projekt. Pri svojej filmovej tvorbe bol teda usilovne náročný. Rovnako oddaný bol aj Robert De Niro, ktorý hrá hlavnú úlohu. Pribral 60 kíl a v skutočnosti sa vyučil za boxera. Keď sa úplne ponorí do svojej postavy, vstrebáva nakrátko spojené spôsoby LaMotty s ohnivou dokonalosťou. Za svoje ťažkosti dostal zaslúžené. Toto je najväčší triumf Scorsese-De Nira. Intenzívny, silný opus magnum.

27. Krstný otec II. Časť (1974)

V histórii druhých dielov je známe, že len málo filmov žije v sláve tých prvých, v niektorých aspektoch ich prekonáva. Ak sa vytvorí zoznam vrátane takýchto filmov, jeho vrcholným klenotom bude film „Kmotr II.“. Dožiť sa dedičstva prvého bolo samo o sebe mamutou úlohou, ale toto pokračovanie ságy „Krstný otec“ nielenže uspelo, ale aj rozšírilo svoje dedičstvo, aby sa stalo súčasťou najväčšieho amerického príbehu o organizovanom zločine, aký bol kedy rozprávaný. Film predstavuje dva paralelné príbehy; jeden sa zaoberá Michaelom Corleone ako novým vedúcim „rodinného podniku“ Corleone, druhým je vynikajúci Robert De Niro ako mladý Vito Corleone a jeho nástup k moci. Tieto dva príbehy sú šikovne utkané a poskytujú lákavé rozprávanie, ktoré diváka nezbaví ani raz. Al Pacino tu robí niektoré zo svojich najlepších diel. Jeho novoobjavený pohľad zakaždým, keď sa objaví na obrazovke, prakticky rozžúva scenériu. Jeden z tých takmer dokonalých filmov, ktoré je možné sledovať bez ohľadu na čas, miesto a vaše posledné prezeranie, a napriek tomu skončíte v úplnom podrobení a úžase. Ak je I. časť svätý oltár, 2. časť je chlieb a víno.

26. Mechanický pomaranč (1971)

Prvá vec, ktorá vám pravdepodobne príde na myseľ, keď budete požiadaní, aby ste tento film opísali jedným slovom, je „znepokojujúca“. Jediný film na zozname, ktorý si dovolím znovu navštíviť, som sa pri sledovaní tohto filmu pristihol, že som viackrát trhal. „A Clockwork Orange“ je nanajvýš nekompromisný spoločenský komentár, ktorý poskytuje ostré snímky, z ktorých sa človek nikdy nezotaví. Je temná, skrútená a neposkytuje vykúpenie tým, ktorí ju hľadajú vo filme s pravdepodobne bezútešným stvárnením dystopie v spoločenskom vyjadrení. A v tom, myslím, spočíva úspech filmu, ktorý priniesol znepokojujúce posolstvo domov. Je to netradičné, ako si len viete predstaviť, poskytuje nám protagonistov, ktorí sú zlomyseľní voči jadru a oddávajú sa činom „ultraviolence“ a znásilňovaniu; komentuje spoločensko-politický stav vecí tým najkrutejším spôsobom, aký si len dokážete predstaviť, stavia vás do stavu zmätku, pretože Alex DeLarge (hral charizmatický Malcolm McDowell) je podrobený neľudským spôsobom obnovy a končí tak, že nechá publikum v farrago všetkých vecí, z ktorých vás táto znepokojujúca skúsenosť robí naraz. Skutočne, dielo kubrickovských rozmerov.

25. Vertigo (1958)

Príbeh filmu „Vertigo“ znie takto - bývalý detektív Scotty (James Stewart) trpí akrofóbiou v dôsledku incidentu, ktorý sa stal pri výkone služby. Osloví ho starý priateľ, aby dával pozor na svoju manželku Madeleine, o ktorej je presvedčený, že je posadnutá. Scottie, ktorá bola pôvodne skeptická, sa čoskoro stala sebadeštruktívne posadnutou peknou dámou, ktorá sa zdá byť oveľa viac, ako sama necháva. Brilantnosť Alfreda Hitchcocka spočíva v tom, že jeho najväčšie filmy, napínavé pri prvom sledovaní, akoby divákovi otvárali novú vrstvu porozumenia pri každom ďalšom nahliadnutí. Iste, na prvý pohľad, ‘Vertigo; je dobre spracovaná záhada psychologickej vraždy. Ale keď to sledujete znova a znova, jeho témy mužskej agresie a budovania ženského obrazu v mužskej mysli sa začnú odvíjať ako schránka nekonečna a pohltia vás. Pravdepodobne najjemnejšie starnúci film, aký kedy bol natočený, o pomalom horení brilantnosti Vertiga svedčí skutočnosť, že po otvorení zmiešaných recenzií je film všeobecne považovaný za jeden z najlepších filmov, aké boli kedy vyrobené. Majstrovské dielo od majstra thrillerov.

24. Hirošima, moja láska (1959)

Film „Hirošima mon amour“, ktorý sa narodil z mysle francúzskeho ľavicového vizionára Alaina Resnaisa, je film, ktorý plače transcendentálnou silou. Príbeh času, ktorý sa prelínal s pamäťou a zjazvením oboch, ktoré sa odohrali v Hirošime počas druhej svetovej vojny, vyrozprávali dvaja ľudia - jeden Francúz a jeden Japonec - keď sa pokúšali spojiť prevažujúce posolstvo, ktoré tam bolo zničené. Ibaže z takej hlúposti sa nedá nič intelektuálne ani emocionálne získať. Je to kus práce ponorenej do medzinárodného smútku - siahajúci ďalej ako samotný konflikt a do právd a represií, ktoré prenasledujú ľudské bytosti každý deň. Dozvukom atómového výbuchu nájdeme malú časť toho, čo je so nami tak zlé. Skutočnosť, že Resnais tomuto nedotknuteľnému zmätku jednoducho rozumie, a nie sa ho pokúšať napraviť, robí z filmu „Hirošima mon amour“ jedno z veľkých umeleckých diel kina.

23. Náhodný Baltazár (1966)

Pusté majstrovské dielo Roberta Bressona je cvikom na cítenie. Odchádza od definovania jasného protagonistu alebo ústrednej témy, pokiaľ nepočítate zázračnú prírodnú silu, ktorou je Balthazar, a ak vezmete film na pravú mieru, nie. Ale ak mu dovolíte, aby sa stal vašim prístupovým bodom do emočnej a tematickej krajiny filmu, je ťažké sa z neho vrátiť bez odmeny. Balthazarov zvláštny, štíhly a chladný vizuálny štýl sa pri spätnom pohľade zdá byť takmer okázalý; jeho pokojná krehkosť zabalená v rezignovanom, mimoriadne múdrom pocite kontroly. Aj v jeho citeľnej poctivosti sa skrýva študovaná snaha trochu sa zadržať, vyživiť v jeho jednoduchosti nastavenia a charakteru bohatstvo, ktoré divákom zostáva objaviť a v niektorých dychberúcich prípadoch si to predstaviť. Pretože herci hovoria tak málo o svojich ťažkostiach, zažívame náhodné, neprimerané činy krutosti a pociťujeme dusivý smútok pre ich. V podobe, v ktorej sa aj tí najuznávanejší umelci zameriavajú iba na zvýšenie zmyslov divákov prispôsobením sa osvedčeným a osvedčeným, mi Bressonove obrazy poskytli lyrickú šablónu, na ktorej je možné založiť veľkosť môjho súcitu, dokonca posúdiť, aký vedomý je tento súcit. .

To všetko ma vracia k mojej pôvodnej myšlienke. Priradenie významu každému okamihu filmu „Balthazar“ nezávisí od toho, či jeho obsah považujeme za alegóriu sociálnej alebo dokonca politickej povahy, ale od spôsobu, akým nás robí cítiť vychutnávaním ich zložitosti a ticha namiesto toho, aby sa spoliehali na bezduchú expozíciu, ku ktorej sa väčšina filmov uchyľuje. Dáva teda dokonalý zmysel, aby hlavným hrdinom bol rovnomenný somár.

22. Andrej Rublev (1966)

Verím, že ‘Andrej Rublev’ je najlepším príkladom koncepcie sochárstva ruského autora Andreja Tarkovského v čase. Mnoho z jeho posledných prác bolo abstraktných, pretože sa zaoberal neuveriteľne osobnými témami a vizualizáciou, ktoré boli roztrúsené po rôznych časových obdobiach. Tarkovskij pomocou filmu „Andrej Rublev“ zachytil samotný čas a potom ho pohladil najhlbšími odtieňmi duše umelca. Tarkovskij je pravdepodobne jediný filmár, ktorý dokázal dosiahnuť najväčší úspech v zobrazení represie umelca. Skúma represívne režimy Ruska, ktoré sú pre ňu rovnako pôvodné ako jej hlboká literatúra, ktorá prekvapivo spochybňuje tie najpútavejšie otázky týkajúce sa duchovna a metafyziky. Na ceste Andreja Rubleva je možné pozorovať mnoho z Tarkovského neskorších čŕt, vrátane natáčania toku prírody. Je to film, ktorý vás nakrúti, rozbije a prinúti premýšľať - či už počas filmu, alebo dlho potom, čo sa zrodia titulky.

21. Dobrodružstvo (1960)

Čo si myslíš o nevyriešenej záhade? Alebo nedokončený príbeh? Hľadáte uzavretie tým, že ho zúfalo hľadáte? Alebo prijmete fakty a potom pôjdete ďalej? Nie je to všetko o živote? Kompromis a ísť ďalej? Film, ktorý priniesol Michelangelovi Antonionimu uznanie po celom svete, ‘L’Avventura’ je príbehom zmiznutia mladej ženy počas jachtingu cez pobrežie Sicílie. Pátranie po nej spojí jej bývalého milenca a najlepšieho priateľa a začne sa rušivý vzťah. Aj keď je príbeh utkaný okolo hľadania nezvestnej ženy, jeho skutočným účelom je vytvoriť príbeh, bez toho, aby sa sústredil na významnú udalosť a stále dokázal zaujať divákov. Skutočné motívy ústredných postáv nie sú nikdy úplne vysvetlené a po skončení filmu je divák nútený akceptovať, že niektoré udalosti zostávajú nevysvetlené, rovnako ako život. Nesporné majstrovské dielo!

20. Bez dychu (1960)

Dávno predtým, ako sa Quentin Tarantino prebojoval na americkú nezávislú scénu svojím divoko šialeným prístupom k filmovej tvorbe, ktorý zvýšil zameranie štýlu na podstatu, bol tu tento muž menom Jean Luc-Godard, ktorý sa nebojácne ujal tradičných filmových gramatík a bezohľadne ich porušil. zostupuje, predefinuje a formuje filmy tak, ako to vidíme dnes, s filmom s názvom „Breathless“. Azda žiadnemu inému filmu sa nepodarilo zachytiť prchavé šialenstvo mladosti tak, ako to robí „Breathless“ svojou neuváženou energiou a opojnou atmosférou. Podivné použitie skokových strihov vzrušuje inherentné šialenstvo premisy, keď vás Godard urputne vyhýba od svojich postáv a žiada vás, aby ste sa namiesto celého príbehu zamerali na rozdrobené aspekty dejovej línie. Film „Breathless“ je jedným z najdôležitejších filmových debutov v histórii kina a hoci naďalej polarizuje cinefilov a kritikov, nemožno poprieť jeho vplyv na moderné kino.

19. Sedem samurajov (1958)

Akira Kurosawa je jedným z najoriginálnejších, najvplyvnejších a najreferovanejších režisérov, aký kedy žil. Roger Ebert raz o Kurosawovi povedal: „Dalo by sa tvrdiť, že tento najväčší z režisérov dal zamestnanie akčným hrdinom na nasledujúcich päťdesiat rokov“ a nemohol byť pravdivejší. Film „A Fistful Of Dollars“ od Sergea Leoneho, ktorý údajne zrodil žáner Western Spaghetti, sa inšpiroval filmom Kurosawa „Yojmbo“. Aj náš súčasný vstup je technickým a kreatívnym zlomom a inšpiroval nespočetné množstvo priamych prerozprávaní, rovnako ako mnoho vizuálnych prvkov v modernom kine . Epická dráma zachytáva príbeh siedmich ronin (samuraj bez pána), ktorí sa chopia zbraní na obranu chudobnej civilizácie, ktorá už pre nich nemá miesto pred nájazdmi banditov v Japonsku v 16. storočí, ktoré vrcholí v tvrdej vrcholnej bitke. Brilantnosť filmu „Sedem samurajov“ spočíva v tom, že rozpráva o množstve dobre prepracovaných príbehov naprieč žánrami až po hlavnú drámu. Celý film obsahuje prvky akcie, dobrodružstva, romantiky a dospievania. Skladá sa tiež z postáv bohato vyvinutých ako vzácny biftek, z ktorého by sa neskôr stali stálice viacerých žánrov. Skutočne inšpiratívne umelecké dielo.

18. Strom života (2010)

„Strom života“ je najvyššou formou kina: nerozpráva príbeh, má za cieľ zmeniť váš život. Je to film, ktorý si bude vyžadovať čas, aby na vás dorástol, a keď sa tak stane, bude ťažké neustále na neho nemyslieť. Filmový strom s mimoriadnym rozsahom a ctižiadostivosťou, „Strom života“, nevyžaduje od svojich divákov iba pozorovanie, ale aj reflexiu a precítenie. V najjednoduchšom prípade je to príbeh cesty hľadania samého seba. V najkomplexnejšej podobe je to meditácia o ľudskom živote a našom mieste vo veľkej schéme vecí. Nezáleží na tom, akej viere veríte alebo či už vôbec veríte vo vyššiu entitu. Skutočný pocit údivu vo filme vyplýva z mágie, ktorou je sám život. Najkrajšou stránkou filmu je to, že sa časom zlepšuje, ako napríklad kvalitné víno.

17. Zblízka (1990)

Zosnulý veľký iránsky autor Abbas Kiarostami často videl krásu a poéziu v tých najabsurdnejších pozemských epizódach ľudských životov. S klamlivo jednoduchými zápletkami a naturalistickým prostredím Kiarostami skúmal univerzálne témy, ktoré plynulo prekonávali kultúrne bariéry kvôli druhu ľudskosti, do ktorej bolo jeho kino neodmysliteľne zakomponované. „Zblízka“ je pravdepodobne jeho najuznávanejšie dielo a jedno z najoriginálnejších, vynaliezavých diel. filmového umenia, ktoré sa kedy vyrobilo. Film má podobu dokumentárnej fikcie, ktorá dokumentuje skutočný životný pokus s mužom, ktorý sa vydával za iránskeho filmového režiséra Mohsena Makhmalbafa. Herecké obsadenie zahŕňa ľudí, ktorí sa skutočne zúčastnili procesu a hrali sa vo filme. „Zblízka“ je úžasným skúmaním ľudskej identity videným očami bežného človeka, ktorý sa snaží vyrovnať sám so sebou a so svojím životom. Zo zúfalého smútku a skutočnej lásky k filmovému umeniu kráča v koži svojho idolu, aby vedieť, aké to je byť skutočne živý, obdivovaný a rešpektovaný. Toto je filmovanie najvyššieho rádu.

16. Jeanne Dielman, 23 rokov, Quai Du Commerce, 1080 Brusel (1975)

Táto francúzska avantgardná postava v hlavnej úlohe s Delphine Seyrig ako hlavnou postavou nie je obyčajným filmovým zážitkom. Je bližšie k cvičeniu - testu a ovplyvňuje vás spôsobmi, ktoré predtým alebo potom odviedlo niekoľko ďalších filmov. Nezávislé dielo sa zameriava na tri dni v živote osamelého, problémového domáceho majstra, keď prechádza svojím prísnym harmonogramom plným všedných domácich prác. Je matkou a vdovou, ktorá vo večerných hodinách vykonáva sexuálne služby pre pánov, aby si zarobili na živobytie. Problémy nastávajú, keď je druhý deň jej rutina mierne narušená, čo vedie k akoby domino efektu, ktorý sa prejaví v nasledujúcich hodinách. Jeanne Dielman vtiahne človeka do svojho pomalého a meditatívneho sveta s výrazným Akermanovým režijným podpisom zahŕňajúcim diegetickú atmosféru a hypnotickou aurou vyvolanou pokojnou, jemnou a trpezlivou osobnosťou majstrovského diela, ktoré je bolestivou oslavou jednotvárnosti existencie.

15. Rashomon (1950)

Film ‘Rashomon’, jeden z najkonvenčnejších a najexperimentálnejších filmových diel svojej doby, sleduje majstra v práci a rozpráva sa so svojimi rozprávačskými schopnosťami. Zjednodušene povedané, ide o incident, ku ktorému došlo prostredníctvom štyroch veľmi rozdielnych názorov, a to obvinených, obetí a osôb, ktoré sa vydávajú za očitých svedkov. Vyniká na všetkých technických základoch s takmer bezchybným strihom a majstrovským vedením, ale film si víťazstvo získava v tematických otázkach, ktorým sa venuje; otázky o existencii absolútnej pravdy. Je pravda skutočne taká objektívna a nespravodlivá, ako sa z nej robí, alebo s ňou súvisí nejaká subjektivita? Za normálnych okolností je objektívny alebo sa o ňom prinajmenšom všeobecne uvažuje, pretože zdanlivo nemá žiadne iné verzie. Tento film to spochybňuje tak, že divák sám zostáva podráždený otázkami, pričom často komentuje, ako ľudia niekedy nie sú k sebe úplne čestní. Je to tak tematicky zložité, ako to len ide, a napriek tomu to vyzerá tak jednoducho, ako to chcete.

14. Stalker (1979)

Udržiavanie svojich menších potomkov, medzi ktorých patrí nesmierne úspešný televízny seriál „Westworld“, nemôže byť preceňovaný kolosálnym vplyvom „Stalker’s“ na vizuálne rozprávanie. Myšlienky - filozofické, duchovné a vedecké - ako aj ich obratné a slávne filmové skúmanie filmu „Stalker“ našli svoje dojmy v mnohých sci-fi, ktoré po ňom prídu. Nie je to ani tak kĺzavé, tranze vyvolávajúce a v bodoch abstraktné tempo alebo dušou strhujúce použitie monochromatickej sépie mimo „zónu“ a farby odtlačkov miest v Estónsku, ktoré sa zrkadlili v práci filmových tvorcov ako Terrence Malick a Lav Diaz, aby sme vymenovali aspoň niektoré, ale pretrvávajúca trpezlivosť a pokora. Tarkovskij, ktorý divákom prevažne odovzdáva filozofické kraľovania, necháva divákom toľko priestoru, aby pre seba objavili viac metafyzických aspektov filmu, že dokonca aj jeho bezkonkurenčná doslovná a vizuálna poézia sa javí ako taký výmysel našej fabulácie, ako aj jeho a jeho spolupracovníkov “. Napriek tomu je film stále rezervovaný a vedie nás do nevyspytateľných tajomstiev mysle a srdca a nikdy ich nerozlúštime, pretože priama cesta nikdy nie je správna.

13. Fanny a Alexander (1982)

Takmer 35 rokov po prvom uvedení je Bergmanova posledná režisérska funkcia rovnako fascinujúca ako pitva kritikov z celého sveta, ktorí v tom čase vyzerali, že majú problém zabezpečiť, aby ich názory boli vypočuté. Tieto názory boli oveľa rozporuplnejšie ako dnes, ale zdá sa, že miesto filmu v Bergmanovej filmografii je stále ťažké definovať. Je to na rozdiel od tónu, štruktúry a obrovskej veľkosti všetko, čo Bergman do tej doby urobil. Ale je to tiež nespochybniteľné zlúčenie všetkých jeho tematických a vizuálnych inštinktov pretínajúcich sa v tejto životom potvrdzujúcej gobelíne rodiny na začiatku 20. storočia vo Švédsku. Zdá sa, že jeho malebná bujnosť vám pri prvom prezeraní priláka všetku pozornosť. Jeho hlboko pohlcujúce variácie červenej, zelenej a miernej, teplej žltej vytvárajú tak opojnú farebnú paletu, že jej absencia - keď je všetko zahalené v bielej, čiernej a drsnej modrej - zdá sa represívny. Bergmanove precízne vytvorené kroniky vyžarujú s nadšením rodinného pikniku a sú v nich známe ľudské väzby, ktoré po celé desaťročia držala skutočná, krehká náklonnosť. V tomto veľkoryso vydanom stvárnení života sú narodenie aj smrť vedľajšie. V malom svete tieto postavy ako väčšina z nás obývajú obvodové radosti, v ktoré všetci môžu dúfať, a stačia im, ako by pre nás mali byť. Je to všetko ilúzia? Pri sledovaní tohto obrovského súboru, ktorý robí také zázraky, by sa to mohlo zdať. Ak je to tak, verte mi, že to nechcete rozbiť.

12. Apokalypsa teraz (1979)

Existujú vojnové filmy, ktoré ukazujú komplikovanosť vojny (napríklad „Enemy At The Gates“), niektoré ďalšie vyvracajú a oháňajú ich predstavy (napríklad „The Pianist“), a potom tu existuje odvážny film „Apocalypse Now“, ktorý neponúka názor alebo záver, ale namiesto toho vykresľuje grafické znázornenie hrôz vojny a oslavuje vojakov, ktorí sa jej zúčastňujú. Do dnešného dňa sa vedú debaty o tom, či je program „Apocalypse Now“ pro-vojnový alebo protivojnový. Milovať to alebo nenávidieť; isté je, že si to budeš pamätať. Jedna z najproblematickejších inscenácií v histórii Hollywoodu, finálna podoba spisovateľa a režiséra Francisa Forda Coppolu skončila jeho technicky najskvostnejším dielom. Holá premisa je jednoduchá - kapitán Willard musí „ukončiť s extrémnymi predsudkami“ plk. Kurtz, ktorý vstúpil na nepriateľské územie a stal sa AWOL. Ale je to vyčerpávajúca Willardova cesta naprieč hrozivými vietnamskými bojiskami (povznesená dychberúcou kinematografiou Vittoria Storara), ktorá zostáva vrytá v mysliach dlho potom, čo sa dostanú titulky. Vďaka jednej nezabudnuteľnej scéne za druhou a definitívnym vystúpeniam Martina Sheena ako Willarda, Marlona Branda ako Kurtza a Roberta Duvalla ako „nadšenca napalmu“ podplukovníka Kilgora, „Apocalypse Now“, ako správne uviedol Coppola, nejde o Vietnam. Je to Vietnam “.

11. 400 úderov (1959)

Film „400 úderov“ od Françoisa Truffauta je skutočným umeleckým dielom prameniacim zo skutočnej bolesti. Skutočne úprimné a hlboko osobné dielo, venoval Truffaut film svojmu duchovnému otcovi a medzinárodne uznávanému filmovému teoretikovi André Bazinovi. Truffautovo vlastné detstvo bolo výrazne autobiografické a trápilo ho to, čo sa vo filme veľmi výrazne odzrkadľuje. Navonok je film o kriminalite mladistvých a adolescentov, ktorá je často vedená spoločenským a rodičovským zanedbávaním. Pozri sa trochu hlbšie a nájdeš film o nádeji; to je intenzívne a terapeutické. Antoine Doinel, hlavný hrdina, je do istej miery strohým zastúpením spoločnosti samotnej, spoločnosti, ktorá skrýva svoje vlastné zlyhania za pravidlami, trestami a rozsudkami. Film plynie ako rieka a vedie divákov po ceste nádeje, zúfalstva, empatie a dokonca úplného hnevu. Ak ste niekedy chceli vidieť, ako vyzerá majstrovské dielo, nehľadajte nič iné ako „The 400 Blows“.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch nie je filmár. Muž je snílek. A „Mulholland Drive“ je najväčší sen, o akom kedy sníval. Sen, ktorý obklopuje všetky emócie, ktoré zahŕňajú ľudskú existenciu. Je ťažké vysvetliť alebo opísať film ako „Mulholland Drive“, pretože sa jedná skôr o film o zážitkoch a o tom, čo si z nich odnesiete, než o zápletku založenú na konvenčnom rozprávaní, ktorá vás živí odpoveďami, s ktorými si môžete šťastne odniesť domov. Lynch často uvádzal, že jeho vízia filmu je v zásade postavená na mnohých nápadoch a pocitoch. A to sa stáva bránou k porozumeniu filmu tak zložitého a vrstveného ako „Mulholland Drive“. Je to labyrint snov, ambícií, túžob a nočných môr. Lynch vie, čo nás najviac desí a čo nás vedie k úplnému šialenstvu. A práve tento znepokojivo intímny odraz ľudského podvedomia robí z „Mulholland Drive“ také nesmierne trýznivé umelecké dielo. Ten, ktorý vás obklopí pocitom tepla a nehy, skôr ako sa prereže priamo cez vašu lebku.

9. Zlodeji bicyklov (1948)

„Jednoduchosť je najvyššia sofistikovanosť“ - Leonardo Da Vinci. Jednou z najťažších úloh pri filmovaní je prísť na to, kedy svoj film ukončiť. Koniec v Zlodejoch bicyklov je tak tonálne synchronizovaný so začiatkom, keď začíname od Antonia, každodenného človeka vychádzajúceho z davu, až po Antonia, každodenného človeka, ktorý sa rozplýva v dave. Život v povojnovom Ríme sa každý deň zmenil na boj a sotva sa našiel niekto, kto sa z toho močiara biedy dostal. Existuje len veľmi málo filmov, ktoré poskytujú introspekciu tak hlbokú ako Zlodeji bicyklov. Je to film, ktorý vám rozbije srdce na kúsky a napriek tomu vás inšpiruje k tomu, aby ste žili život naplno. Málokedy je film tak jednoduchý vo svojej premise, taký brilantne efektívny vo svojom posolstve. Je prakticky nemožné zabudnúť na film, ktorý ste si pozreli. Aj keď najväčším úspechom filmu je to, koľko nezávislých tvorcov ho inšpirovalo, ktorí dodnes ako inšpiráciu uvádzajú „Zlodejov bicyklov“.

8. Tokijský príbeh (1953)

„Tokijský príbeh“ je to, po čom túži každý filmár, ktorý chce povedať zmysluplný príbeh. Je zrejmé, že všetky zaostávajú! Niet lepšieho príkladu filmu, ktorý podáva epický príbeh takým jednoduchým, ale majstrovským, efektívnym a nezabudnuteľným spôsobom. Vďaka filmu „Tokijský príbeh“ dosiahol Yasujiro Ozu niečo, čo je snom každého žijúceho tvorcu: zostať navždy v srdci a mysli publika. Každý, kto videl „Tokijský príbeh“, bude vedieť, o čom hovorím. Film rozpráva príbeh starnúceho tradičného japonského páru, ktorý navštevuje svoje deti v Tokiu, len aby si uvedomil, že ich deti sú príliš zaneprázdnené svojimi životmi, aby sa o ne mohli starať, a kultúrne a emocionálne sa im nesmierne vzdialili. . Na filme je tiež tak úžasná jeho univerzálna téma, ktorej sa môže týkať každý a kdekoľvek. Ozuov štýl filmu tiež zaručuje, že vás pohltí príbeh, ktorý ponúka hlboký pohľad na meniacu sa ľudskú psychiku s meniacimi sa časmi. Jednoducho geniálne!

7. In the Mood For Love (2000)

Film „In the Mood For Love“ je jednoducho najväčší príbeh lásky, aký sa kedy dostal na film. Obdobie. Mohla to byť ľahko hra alebo dokonca poézia. S krásnymi, podmanivými obrazmi a vynikajúcou hudbou prenikajúcou dušou rozpráva ‘In The Mood For Love‘ komplexný príbeh dvoch jednoduchých jednotlivcov. Dvaja jedinci, ktorí prechádzajú strachom a vábením zamilovanosti; a raz zaľúbený, úplná bolesť z toho, že ho necháte neúplný. Film „V nálade pre lásku“ zobrazuje lásku v jej najzraniteľnejšej podobe. A tým odhalíme naše vlastné zraniteľnosti a to, ako sme bezmocní pred láskou. Málokedy má film tak podhodnotený a tak vyhradený taký vplyv po prezeraní.

Nie som si istý, či režisér Wong-Kar-Wai mal v úmysle nakrútiť film, ktorý nakrútil, pretože film natočil väčšinou bez scenára. Ak sa pozriete do histórie, najdôležitejšími umeleckými dielami sú šťastné nehody. Počítajte medzi nimi ‚In Mood For Love‘.

6. 8 1/2 (1963)

Počet osem a pol vo filmografii talianskeho maestra, tento svižný, svůdný epos fantázií, nočných môr a príliš zakalenej reality je ako biscotti - vo svojom tvare rozhodne absurdný a pečený spôsobom, ktorý neumožňuje jeho úplné zožranie v jeden choď. Jeho strašidelné, nepokojné kameramanské dielo komplimentuje Felliniho vedomú víziu filmára, ktorý sa vo svojom novom filme pokúša sprostredkovať mnoho meniacich sa zážitkov, ktoré zažil v priebehu svojho zauzleného života. Môže to byť poloautobiografický, „8 1/2“ vánok okolo publika so všetkou svojou strhujúcou zložitosťou neporušený v takom radikálnom tempe, že som sa pokúsil dekonštruovať svoje bystro komponované obrazy s cieľom nájsť si svoje vlastné miesto v Felliniho týčiace sa špecifiká, ale nikdy nebol schopný pevne pristáť na zemi.

Felliniho číra elektrina môže využívať tieňované gravitácie Marcella Mastroianniho a môže byť ohromujúca. Zostávate vo svojom vnímaní konkrétneho okamihu a spoznávate jeho dusné bohatstvo, až keď zistíte, že filmár prešiel k inej trepotavej, delikátne pripravenej sekvencii. Jeho predstavy o umelcoch a ich zmätenej, smiešnej posadnutosti samými sebou sa môžu javiť ako datované - alebo ešte horšie, irelevantné -, ale drzosť ich konštrukcie a prejavu sa u nás nikdy nestratila. Očaruje nás a očarí, nikdy nám nedovolí odtrhnúť oči od toho a potom prekĺzne pomedzi prsty, keď nám svitne, že sme to nikdy nemali na dosah. Fellini sa príliš nelíši od jasnovidkyni Mayy vo filme, ktorá, zdá sa, vie, na čo si všetci myslia: zručnosť, ktorú jej asistent pripisuje telepatii. Keď sa náš hlavný hrdina Guido spýta asistentky, ako to robí, jednoducho poznamenáva: „Je to čiastočne trik a čiastočne skutočné. Neviem, ale stáva sa. “ Žiadne slová nemôžu byť výstižnejšie na opísanie filmu.

5. Osoba (1966)

Myslím si, že sa dá bezpečne povedať, že film „Persona“ zlomil kinematografiu jednou rukou. Keďže ide o horor na povrchu, klasika Ingmara Bergmana z roku 1966 je viac štúdiom identity jednotlivca ako čohokoľvek iného. Tento film využíva inovatívne techniky úprav, ostré uhly kamery, chladné výrazy, pohlcujúce dialógy a nádherné réžie. Tento film rozpráva čo najpochybnejšie dvojzmyselným spôsobom príbeh slávnej herečky, ktorá stráca hlas, a sestry, ktorá sa o ňu stará. v ústraní, kde sa ich výrazné osobnosti pomaly navzájom spájajú. Film Persona, ktorý je režisérovým najviac „filmovým“ počinom, prekrúca všetky bežné pravidlá filmovej tvorby a snaží sa priniesť nový a fascinujúci zážitok. Vďaka jednému z najväčších hereckých výkonov na celuloide, atmosféra filmu nám pomáha oceniť otázky, ktoré o ňom máme, tým, že inteligentne posunula naše zameranie na remeslo, ktoré sa hrá. Jednoducho neexistuje nič podobné ako ‘Persona‘, a to by mohla byť veľmi dobre skutočnosť.

4. Krstný otec (1972)

Možno, najvplyvnejší film, aký bol kedy natočený. Jedna z najvzácnejších adaptácií, ktorá je v skutočnosti lepšia ako východiskový materiál - v prípade rovnomenného románu Maria Puza - si tento film vytrpel celé veky a je klasikou v pravom slova zmysle, ktorá sa s každým vylepšuje. prezeranie. Film zaznamenáva mafiánsku rodinu pod vedením Don Vita Corleoneho a zameriava sa na prechod jeho syna, keď preberá rodinný podnik po zániku patriarchu. Bezpochyby sú predstavenia jednou z hlavných silných stránok tohto filmu, pričom velikáni vrátane Marlona Branda ako Vita Corleoneho a Al Pacina ako Michaela Corleoneho svojimi výkonmi predefinovali herecké štandardy. Všetko ostatné, najmä scenár a kinematografia a skóre nálady, sú očakávané podľa A-žánru a žánru. Je správne, že neexistuje cinefil, ktorý by nevidel toto majstrovské dielo filmu. Je to oltár, kam sa chodíme modliť.

3. Občan Kane (1941)

Svätý grál americkej kinematografie. Film „Občan Kane“ definoval takmer každý aspekt, ktorý zahŕňa umenie filmu. Film, ktorý porušil nespočetné konvencie filmovej tvorby, len aby vytvoril nové. Film „Citizen Kane“, od svojich prelomových technických prvkov vrátane osvetlenia, zvuku a vizuálu až po vysoko inovatívny štýl rozprávania, zmenil spôsob výroby filmov. Tento film je hlboko hlbokou štúdiou postáv, ktorá má podobu tajomnej drámy pri odhaľovaní životných práv tajomného vydavateľského magnáta, ktorého posledné slovo vyvolalo záujem reportéra. Vydáva sa na cestu, spoznávať človeka, ktorý kedysi začal svoj život so surovými ambíciami a túžbami, ale čoskoro by podľahol zvodným silám chamtivosti a autority. „Občan Kane“ je nesmierne silné umelecké dielo, ktoré sa zamýšľa nad skúmaním hlbokých tém a zachytáva nekonečne zložité emočné stránky živého života človeka.

2. Zrkadlo (1975)

Mohlo by byť umenie niekedy také osobné, že by sa ho nepodarilo odlíšiť od jeho tvorcu? To je otázka, ktorá ma zarazila, keď som prvýkrát uvidel film „Zrkadlo“ Andreja Tarkovského. Toto je umelecké dielo, v ktorom sa umelec úplne odovzdá svojej práci, ktorú nerozlišujete medzi ním a dielom, ktoré robí. Tarkovskij akoby dýchal celým filmom. Auteurs made their masterpieces, mění a formuje kinematografiu tak, ako ju vidíme dnes, ale Tarkovskij urobil krok ďalej a dosiahol nedosiahnuteľnosť; dávať život svojmu umeniu. Film „Zrkadlo“ práve dýcha kinom. Mohli ste vidieť Tarkovského, jeho rodinu, kultúru, v ktorej vyrastal. V skutočnosti by ste sa v nej mohli presvedčiť o sebe, svojej matke a pri pohľade na tieto miesta vám napadne ten pocit Deja Vu, ktorý vám udrie do očí. Je to takmer akoby ste tam boli, možno v živote alebo vo sne, ktorý sa niekde stratil. A aby umelec vytvoril niečo, čo je osobné a intímne, skutočne niečo nad reč. Je to film, ktorý potvrdzuje to, čo sme vždy vedeli: kino je najväčšou umeleckou formou.

1. 2001: Vesmírna odysea (1967)

Rovnako ako všetky ostatné záznamy v tomto zozname, aj rok 2001 je lekciou filmovej tvorby. Niekoľko filmových tvorcov, napríklad Christopher Nolan či Denis Villeneuve, hovorilo o tom, ako bol film ich inšpiráciou. Takže, áno, film je technickým zázrakom. Ale to nie je dôvod, prečo film obsadil prvé miesto na tomto zozname toľkých skvelých filmov. Sedí na vrchole, pretože ide o film, ktorý sa odvážil ísť na miesto, kde doteraz žiadny film nešiel. Sakra, nikto ani len netušil, že existuje také miesto, kam by mohlo ísť kino. A ak si niekedy umenie filmu vyžadovalo dôvod alebo dôkaz potvrdzujúci, že jeho účel existencie je oveľa viac ako iba zábava, potom tu je: úplne presvedčivý a nanajvýš mýtický film „2001: A Space Odyssey“.

Stanley Kubrick rozšíril obzor kinematografie takmer o všetky svoje filmy. Filmom „2001: A Space Odyssey“ dal nový zmysel aj tomu, čo môže kinematografia dosiahnuť. Väčšina filmových tvorcov používa film ako médium na rozprávanie príbehov. Ale Kubrick použil na spochybnenie kino. Čo spochybnil? Všetko, od Boha až po účel našej existencie. Zatiaľ čo film „2001: A Space Odyssey“ je sám o sebe vysoko inteligentným sci-fi filmom, je ho tiež oveľa viac. Verím, že je to film, ktorý je skôr filozofickým hľadaním, či má existovať Boh. Hovorte o mierení vysoko!

.