100 najlepších japonských filmov všetkých čias

Najskôr by som chcel venovať nejaký čas čestným uznaniam a takmer nezmeškaným udalostiam: nevydarili sa namáhavé plávajúce oblaky Miko Naruse, Keď žena vystúpi na schody, túžba a zhovievavejší Zvuk hory. Snažil som sa nechať dostatok času na zahriatie sa do jeho práce, ale smutné je to, že ma neustále nezaujíma. Tampopo, Hrad z piesku, Muž za slnkom, Angel’s Egg, Belladonna of Sadness a The Taste of Tea tiež smutne nevyhovovali mojej filmovej palete. Aby som znížil prílivový prúd na nadmerné množstvo Akiry Kurosawy a Jasujira Ozu, nezahrnul som ich vynikajúci Zatúlaný pes, Škandál alebo Kagemusha; ani preukázateľne plodné Ozu’s I was Born But & hellip ;, Early Summer, Late Autumn, The Only Son, The End of Summer, The Flavour of Green Tea over Rice a A Hen in the Wind.

Majte na pamäti, že tento zoznam je určený pre najlepšie filmy: Takže žiadny z týchto filmov ho v skutočnosti celkom nepripísal na miesto č. 100, bez ohľadu na to. Chcel som len uznať ich kvalitu uprostred toľkých ďalších skvostov. Rovnako tak chýbajú pevné, ale nakoniec neuspokojivé ošípané a bitevné lode Shohei Imamura, Pornografi a Muž zmiznú spolu s krásnym Coup D'état a Wuthering Heights od Yoshishige Yoshidy, skromnou Konlaikacou Kon Ichikawu, Srdcom a desiatimi čiernymi ženami, ako aj Hirokazu Koreeda dotýka sa After Life, Like Father Like Son a Nobody Knows & hellip; to všetko ma nadchlo hľadať Po búrke, keď to skončí. Na záver by som chcel chvíľu hovoriť o diele Sion Sono: Napriek frustrovanej vytrvalosti a zúfalej nádeji - nemôžem povedať, že by som stál iba za ten kúsok, ktorý som vyskúšal. Studené ryby, kmeň Tokia, vinný z romantiky a vyliečiteľne zlá láska k láske, to sú všetko fušky, v neposlednom rade to druhé - čo bol najhorší film, aký som na tejto ceste japonským kinom videl. Neznesiteľné.

Keď už sme z toho: Začnime. Tu je zoznam najlepších japonských filmov, aké boli kedy natočené.

100. Brána pekla (1953)

Luxusne zariadený dobový podnik, odvolanie brány pekla spočíva v jeho nádhernej palete vzorov. Režíruje Teinsuke Kinugasa, ktorý je známy najmä vďaka svojmu medzníku z roku 1926 Stránka šialenstva , je to napjatá poviedka, ktorá si vyžaduje asi dva pokusy, ako plne oceniť, najmä pre západné recenzie, ktoré nepoznajú čestný kódex feudálneho Japonska, ale odmeny s bohato spracovaným zvratom a zlovestnými náznakmi nadprirodzenej hrozby, na ktorú názov odkazuje.

99. Séria Osamelý vlk a mláďa (1972… 74)

Zvláštny uchádzač o kráľa franšízy komiksov, Osamelý vlk a mláďa sleduje exilového kata a jeho mladého syna prostredníctvom sedemdielnej série pohybov, z ktorých všetky tvoria toto miesto na zozname. Časť III: Baby Cart to Hades a časť VI: Biele nebo v pekle sú najsilnejšie v mojej mysli - aj keď každý z nich si zaslúži hodinky a od tohto roku je novo dostupný v zbierke Criterion Collection. Je to výber hrejivých charakterových kúskov s dráždivou akciou a humorom, ktoré zatienia všetky formality príbehu - všetko stojí za pozretie a je viac než hodné vytvoriť si tu svoj vlastný priestor.

98. Ichi Killer (2001)

Neohrozený až nehorázny Miikov nebojácny príval štýlu podkopáva akúkoľvek potrebu podstaty, sústreďuje zameranie na skazenosť a prebytok od samého začiatku a plní svoj prísľub bolesti a krviprelievania do tej miery, že tomu dokáže porozumieť len málo filmov na právnej strane linky. Je to úžasne praštěná zábava s lízaním tmy tak extrémnym, že to musíte brať vážne. Nemôžem si pomôcť, ale rešpektujem Ichi zabijak za to, že je tak pohodlný vo svojej vlastnej absurdite - a hoci sa titulárna postava javí ako klišéovitá nuda, Miike nájde v počiatočných fázach dostatok hybnej sily, aby so mnou zakaždým prešiel zmätený, zmätený a úplne fascinovaný zážitkom.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, muž stojaci za antológiou zločinu Bitky bez cti alebo ľudskosti , je umelec, ktorý tu vyjadruje všadeprítomnú kvalitu tak úžasnú pre širšiu japonskú kinematografiu: bez obáv z prijatia žánrového filmu. Battle Royale je osobitne navrhnutý ako uber-hlúpa satirická komédia a popri tom zasahuje humanistické stopy. Rieky postriekania a bezchybné komediálne načasovanie, ktoré Fukasaku pripája aj k tým najbláznivejším situáciám, robia z filmu absolútny výbuch. Obzvlášť pozoruhodný je zákrok Takeshiho Kitana, ktorý vyraďuje všetky predstavy o zodpovednosti za totálny útok na vtip a vkus. Battle Royale je chaotický, to je pravda, ale spôsob, akým sa tak neúnavne znovu a znovu preskupuje za ďalší útok na skeptika, je slávny. Fukasaku bez váhania pochopí tupú zbraň, ktorú drží v rukách, a hojdá ňou plnou silou. Skutočnosť, že išlo o jeho posledný film, prepožičiava mužovým snahám určitú dôstojnosť - samovražedná misia narážajúca na smiešnu kosť, musíte byť v kóme, aby ste sa necítili tŕpnutie aspoň raz alebo dvakrát. Nevyhnutná zábava.

96. Godzilla (1954)

Klasický príšerkový film, ktorý v mierke súperí s ľuďmi ako King Kong alebo s niektorou z originálnych šterlingov spoločnosti Universal. Godzilla nemá celkom ľudskosť a dôvtip Neviditeľného človeka alebo zúrivú túžbu Tvora z Čiernej lagúny - ale je to zábava. Sledovanie veľkého muža v smrteľne náročnom obleku prechádzať mestským Japonskom je dodnes pútavým zážitkom, predovšetkým pre jeho neodškriepiteľne skromné ​​čaro. Cíti sa v tejto chvíli a napriek svojim rýchlo sa rozvíjajúcim účinkom je viac než vítané zostať tu ako pozostatok dávno stratenej éry - a teraz je lepšia doba ako ktorákoľvek iná, aby ste dúfali, že jej maskované vedenie Haruo Nakajima spočíva v pokoji.

95. Crazed Fruit (1956)

Predný zakladateľ japonskej novej vlny, Crazed Fruit’s zameranie na plameň mladosti nájde svoje nohy jednoduchým príbehom, ktorý presahuje jeho skromné ​​parametre: Preskočenie plotu dvoch mužov zamilovaných do tej istej ženy, aby odrážali dojem povojnovej generácie ako celku. Títo ľudia sú urputní, nezávislí a zúfalo sa snažia dokázať, že ich zjazvila opakovaná znesvätenie hodnôt ich národa. Nájde miesto pre rozprávanie príbehov, ktoré sa odráža v sociálnych a politických kontextoch - a predstavuje široké prvé kroky novej vlny. Ako bude tento zoznam pokračovať, uvidíme, že hnutie s dlhou životnosťou sa navždy odvážilo dovnútra - buď fascinované, alebo vystrašené, a pri tom nenašlo rozprávanie nie o národoch - ale o sexualite, zvrátenosti, násilí, chamtivosti, nadprirodzenosti a psychóze. Druhá svetová vojna možno stále číha v týchto príbehoch - považujem však za zaujímavé, že sa k nej stavia rovnako otvorene Šialené ovocie sa nakoniec stretol s dôrazom, a nie s výbuchom témy.

94. Život Oharu (1952)

Náš prvý pohyb od Kenjiho Mizoguchiho, Život Oharu dokazuje klasicky dojemnú štúdiu postáv, vďaka ktorej je jej protagonistka odrazom situácie žien v povojnovom Japonsku, čo Mizoguchi počas svojej kariéry obdivuhodne urobil. Mizoguchi, rozsiahle a zložité dramatické dielo, ktoré využíva čas na zdôraznenie nepríjemnej situácie, ktorá sa rýchlo dostane do centra jeho pozornosti, produkuje jedno zo svojich najlepších diel čisto pre spôsob, akým sa humanisticky pripútava a rozbíja spolu so samotnou Oharu - režisérkou pohnutou nepriazňou osudu. Práve tento vzťah krváca priamo cez obrazovku umožňuje filmu pozdvihnúť jeho drámu mimo dôveryhodnosť.

93. Sny (1990)

Odpísaný na zadnej strane svojho vlastného podvedomia Akira Kurosawa’s Sny je maliarskym vyobrazením vnútra mysle jedného človeka: voľne porovnateľné s Pastiersky okrem chýbajúcej citlivosti novej vlny v prospech meranejšieho, pokojnejšieho prieskumu nočných potuliek Kurosawou. Výsledná zbierka vinetiek odhaľuje niečo surové a jedinečné o spôsobe filtrovania života objektívom nášho podvedomia - a v tomto môže byť len najúprimnejší film, aký Akira Kurosawa natočil. Jasný, krásny malý klenot.

92. Pohrebná prehliadka ruží (1969)

Doširoka otvorený prístup režiséra Toshia Matsumota k filmu Oidipus Rex (možno to najlepšie kino), Pohrebná prehliadka ruží predstavuje rozhodujúci zlom pre alternatívnu sexualitu a rodovo náročné snímky v japonskom kine - a predáva sa bez hraníc, ktoré dnes zmenili toto hnutie. Je to oslava i kritika ľudského prejavu, porozumenie zmätku, ktorému čelia jeho postavy, ako aj prijímanie ich rozhodnutí s pokorou a radosťou. Definuje táto kritická domnienka konfliktu Pohrebná prehliadka ruží ‘Úspech a hoci si nemyslím, že je to vrcholne úspešný úspech Matsumota, spôsob, akým takto čestne chybne presadzoval svoje predmety, je niečo, z čoho by sme sa dnes mohli všetci poučiť.

91. Paprika (2008)

Film Satoshi Kon z roku 2008 je často v porovnaní s filmom Chrisa Nolana Počiatok - obe vychádzajú z konceptov invázie snov a nátlaku. Myslím si, že kľúčovým rozdielom, ktorý necháva fanúšikov rozdelených cez barikádu, je skutočnosť, že Nolanov pokus má väčšiu emocionálnu rezonanciu a zameranie na postavy - ale to všetko je uviaznuté v nudnej štruktúre. Kon píše 85 minút a každý snímok plní opojným rozkvetom energie a premosťuje farby medzi vrstvami takou slobodou a flexibilitou pri rozprávaní príbehov, že Nolanova hustejšia práca jednoducho nestíha. Nakoniec sú to oba solídne príklady remesla a vynaliezavosti - ale pokiaľ ide o to, čo by som si najradšej dal na konci náročného dňa, neexistuje žiadna súťaž. A objaviť obrovské množstvo tvorivých schopností Paprika drží vo svojom arzenáli, okrem toho, že je iba zábavnou príchuťou Inception - stačí chytiť blu ray a kliknúť na play.

90. Anjelská extáza (1972)

Ako odvetvové hnutie cítim, že sa prevládajúce body japonskej novej vlny točia na základe sexu a násilia. Oba sú neoddeliteľnou súčasťou života a sú umeleckými prvkami, ktoré naďalej pôsobia na celom svete ako filmový výstup. Mám ale pocit, že len málo filmov ich rieši v zábere. Extáza anjelov chápe, že je to vlastná vulgárnosť. Pokračujúce rokovania režiséra Koji Wakamatsua s tak extrémnou tematikou mu umožnili zdokonaliť vykreslenie brutálne násilných osobností - a výsledkom je bláznivé skúmanie v štýle Sid & Nancy v anarchickej strate seba samého, ako aj horký nádych romantiky vrhnutej do tváre. mixér. Bez ohľadu na váš výhľad na konci je to divoká jazda.

89. Okrasná vlásenka (1941)

Spomedzi všetkých predvojnových umelcov, ktorých pamäť sa abstrahuje časom, je Hiroshi Shimizu asi hlavným z tých, ktorí nutne potrebujú znovuobjavenie. Napriek hojnému uvedeniu Eclipse v zbierke Criterion (bolesť, ktorú je možné zohnať a hrať kdekoľvek mimo Ameriky), sa javí ako nespomínaný medzi najdôležitejšími režisérmi v danom období a ja sa absolútne držím viery, že by mal byť podporovaný medzi najlepšími z nich. Okrasná vlásenka bol prepustený, keď Japonsko vláčilo Ameriku do druhej svetovej vojny, a napriek tomu je popretkávaný nádejou a jednoduchosťou, ktorá sa vrhá na civilizovanejší vek - alebo aspoň hovorí o pacifizme, ktorým mohol Shimizu žiť zo dňa na deň - ignorovanie konfliktu považuje za barbarstvo a vzpiera sa vtedajšiemu obrazu Japonska. Bez toho, aby sme tento popis zablúdili do príliš veľkého množstva politík, Okrasná vlásenka leží medzi najlepšími vlastnosťami, ktoré vytvoril Shimizu, a práve jeho pretrvávajúci minimalizmus zaisťuje jeho nádherne podhodnotenú rezonanciu.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Nepochybujem o tom, že som sa stretol s rozšíreným vitriolom pre umiestnenie tak všeobecne uznávanej klasiky na tak nízku úroveň - ale treba povedať, že medzi nespočetnými tisíckami Ugetsu Monogatari stále patrí medzi 100 najlepších japonských filmov, aké boli kedy natočené. Mám výraznú nechuť k Mizoguchiho tvrdenému majstrovskému dielu: Pretrvávajúca rana občas až príliš jednoduchého smeru, ktorá často zničí jeho tak často dokonalú umelinu a zruší všetky jeho predchádzajúce účinky. To znamená, že by som klamal, ak by som nehovoril o tom, aké zvláštne bolo toto švihnutie pre mňa, keď som bol mladší, a napriek neuspokojivej sérii opätovných prehliadok v poslednej dobe magické okamihy, keď všetko zapadá na svoje miesto a Mizoguchiho zázrakom zložené, filmovo strhujúca a nakoniec ľudská príťažlivosť sa vkradla späť do mojich žíl. Ugetsu Monogatari čiastočne sa hodí na zoznam, pretože je to kľúčové dielo, čo je škoda, pretože som hrdý na to, že uprednostňujem osobný status. Avšak podstatou veci je, že ho chcem milovať. Niekedy sa môže náklonnosť znovu objaviť a Mizoguchiho majstrovské dielo stúpne ešte vyššie. Čas ukáže.

87. Inferno prvej lásky (1968)

Sledovanie paralel v jeho koncepcii kolmo späť k podobným Bez dychu a meditatívne spoločenstvo Erica Rohemera v Moja noc v Maud’s z prebiehajúcej Nouvelle Vague, Inferno prvej lásky je tiché, nádherne pohlcujúce pozorovanie páru, ktorý robí svoje prvé spoločné kroky, a lákavého, vášnivého, namrzeného, ​​chladného, ​​často prázdneho vzduchu, ktorý okolo nich visí, keď sa pokúšajú využiť spojenie, ktoré názov filmu tak odvážne sľubuje publiku. Jedná sa o umelecké dielo nenáročné na údržbu, ktoré odmeňuje divákov divákov pohybujúcou sa ľudskou interakciou.

86. Cure (1997)

Úpravy v Vyliečiť je smrteľná. Postupuje sa do bodu, v ktorom chcete odvrátiť zrak. Kurosawa naplní divákov implicitným porozumením nemilosrdnosti jeho filmu spôsobom, ktorý pretína domácu rutinu a mŕtvoly postriekané krvou tak prirodzene ako dýchanie; a práve toto mimoriadne chladné, takmer psychotické prijatie smrti v živote ma prinúti spochybniť jej vedúceho dôstojníka Takabeho a nad tým, aká pekelná je situácia v Japonsku, ktorá sa týkala násilia, tak zvyknutá na brutálne zabíjanie. Zatiaľ čo sa pohybuje pomalým plazením, ktoré začína podkopávať dýchavičné napätie, Kiyoshi Kurosawa bol schopný dýchať do kúska, Vyliečiť je stále viac ako dôstojným doplnkom jeho silného filmového kánonu.

85. Zlý spánok dobre (1960)

Najslabšia Shakespearova adaptácia Akira Kurosawu zostáva jedným z jeho najsilnejších filmov a voľne sleduje príbeh Hamleta s ostrohou podnikovej kritiky, ktorá čaká na krídlach. Proti iným verziám, napriek svojej tangenciálnej podobe, BSW pôsobí ako slabé stvárnenie uctievanej hry, ktorej dialógom nabitá kompozícia nedokáže zachytiť šírku a váhu Shakespearovej drámy - aj keď kultivuje jedinečný kurosawanský štýl rozprávania, ktorý dodáva ďalšiemu rozmeru východiskový materiál a vytvára príjemne pútavý naratívny rytmus. The Bad Sleep Well, úplne modernejší a napínavejší ako jeho inšpirácia, je nevyhnutnosťou pre fanúšikov Kurosawy túžiacich po zručnosti a jemnosti jeho súčasného úsilia.

84. Tetsuo: Železný muž (1989)

Riešenie problémov Tetsuo so slabým žalúdkom je ako vziať guľku bez vesty. Zmiešané spolu s neporiadkom šrotu rekvizít, preplnenými súpravami a bolestivými špeciálnymi efektmi - je tu živosť Tetsuo: Železný muž snaha o nepríjemné veci, vďaka ktorým je obdivuhodná. Mám úctu k lacnosti, ktorú tvorcovia vynaložili, aby dosiahli čo najsmrteľnejšiu skúsenosť: Šokujúc svojim búšiacim zvukovým mixom a pochmúrnym monochromatickým vizuálom, ktorý vrhá to, čo poznáme, do oblasti záhady. Čiernobielo maľuje aj tie najrozpoznateľnejšie objekty, ktoré tvoria Tetsuo ‘s svet ako príšerné bašty neznámeho, plaziace sa pod trhlinami a zapadajúce do nás, aby začali metamorfózu mutačných mutácií, násilných aj nevyhnutne chorých. Je to kus práce, ktorá prekonáva obavy o citlivú citlivosť publika - a to je presne to, čo by malo byť dobrým hororom tela. Tetsuo: Železný muž je bezpochyby jeden z najlepších.

83. Čierny dážď (1989)

Podivne načasovaný film, ktorý sa zvažuje súčasne s vlastným pojednaním Isao Takahata o ľudskom počte jadrových bômb padlých pri vyvrcholení druhej svetovej vojny a zaoberá sa podobnými témami, Black Rain’s podradnosť úžasnému Hrob svetlušiek v žiadnom prípade to nie je potrebné ignorovať. Ak existuje, mali by sa sem hrnúť aj légie obdivovateľov, ktorí sa oprávnene zhromažďujú okolo Takahatovej tvorby. Prvý pohyb Shohei Imamura na tomto zozname, Čierny dážď berie hlboko tragický a starostlivo osobný pohľad na váhu jadrového výbuchu: riešenie viny pozostalých, ostrakizácia, smútok, strata a prijatie udalosti a jej vážnych následkov v taktne priamočiarom štýle charakteristickom pre Imamuru, to je jeho vlastný spôsob rovnako úderné a okamžité ako Hirošima moja láska snová jasnosť.

82. Ľudstvo a papierové balóny (1937)

Formalistická klasika v rovnakej sfére ako úctyhodné dielo Kenjiho Mizoguchiho, až na to, že rovnako ctený režisér Sadao Yamanaka sa drží pokory, od ktorej sa môže učiť každý, kto plánuje vstúpiť do sveta kinematografie. Jeho ďalší slávny obraz, The Million Ryo Pot , je porovnateľne pokojný, triezvo komponovaný a odborne zdramatizovaný príbeh - aj keď si myslím, že hrana zasiahne domov Ľudstvo a papierové balóny pretože dokáže urobiť širšie vyhlásenie o podstate každodenného života. Pohodlie jeho hravo ambiciózneho titulu sa odráža v každej snímke, a aj keď to nie je pohyb, zistil som, že je veľmi pútavý alebo dokonca trpezlivo dojemný - je tu niečo, čo si vyžaduje hodinky.

81. Ticho (1971)

Adaptované z rovnakého románu, ktorý nedávno spracoval Martin Scorsese, Masahiro Shinoda’s Ticho slúži ako fascinujúce svetlo na rozdiely medzi západnými a východnými filmovými štýlmi. Scorseseov navonok stoický a drsný tón sa skrýva v prospech oveľa skromnejšieho pohľadu pod Shinodovu usilovnú ruku, čo umožňuje ochabnúť ľútosť a sentimentálnosť v inak strhujúco naturalistickom, vyzlečenom obsahu knihy. Scéna, ktorá zdôrazňuje Shinodovu zdatnosť v rozvíjaní svetskej atmosféry pre jeho náboženskú rozprávku bez nutnosti manipulácie, má podobu starej ženy, ktorá spieva miestnosti plnej ľudí: Sotva prehovorené slovo rezonuje s príbehom po ruke, ani žiaden sprostredkovaná ďalšia charakteristika - a napriek tomu dodáva zvyšku filmu neodvratnú vitalitu, ktorá sa tak evokatívne podvádza pod váhou úzkosti a zúfalstva, ktorým čelia kňazi a ich učeníci. Podcenená a lákavá jeho pokora je pre mňa každý deň vrcholom legendárneho taliansko-amerického režisérovho diela.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Okamžité sťaženie si situácie, Go Go Second Time Virgin odbúrava svoju 65-minútovú dobu behu pomocou jednej z niekoľkých nepríjemných scén znásilnenia. Vytváranie príbehu z náhodného vzťahu postihnutého mladého dievčaťa s rovnako mladým a narušeným zabijakom, ktorý sledoval z diaľky krátky, ale životne dôležitý režisér Koji Wakamatsu, sa definuje tak, že k párovaniu nepripojí naratívny dohovor. Tento pohyb ponechaný na svoje vlastné zariadenia, odhalenia a rozhovory prekvapivo využíva jeho nadmieru nízky rozpočet s často efektívnym zložením v podobe japonskej novej vlny - ako aj konfrontačné vykreslenie sexuálneho násilia, ktoré je oveľa pútavejšie, hutnejšie a predvídavejšie ako Nagisa. Neslávne umelecké zlyhanie Oshimy z roku 1976 (a to je povedané veľkoryso) V ríši zmyslov .

79. The Sinners of Hell (1960)

Označené menej ako intuitívnym písmom a nevýrazným dejom, Hriešnici z pekla stále dokáže vybojovať svoje miesto na tomto zozname pre svoju inak výnimočnú kontrolu nad umelosťou. Každý rám je ponorený do vlhkého osvetlenia a ošúchaný temnou farebnou paletou, občas prerušovanou prenikavými bodkami červenej, ktoré slúžia ako jemná pripomienka budúcej agónie. Vidíš, Jigoku je hra na počkanie: Film, ktorý svoj čas zaútočí v monotónnom skutočnom svete a ponorí sa do pekla. Vynikajúca úvodná scéna dáva divákom vôňu krvi, ktorá sa predbežne dráždi v každej druhej scéne, až kým si konečne nebudeme môcť vyskúšať Tartarus na vlastnej koži: Kavalkáda ohromujúceho scenára, nádhernej farby, nadmerných komparzu a skutočnej paniky, keďže postavy dostávajú čas uvažovať o dôsledkoch svojich činov. Aj keď je to únavné, jeho návratnosť nás odmeňuje sledovaním zatykačov Hriešnici z pekla aspoň raz - za málo v kine sa zhoduje s jej skutočne konfliktnou, strašidelne nezáživnou víziou podsvetia.

78. Dvadsaťštyri očí (1954)

Po matriarchálnom postavení mladej ženy na čele triedy školákov a jej dôsledkoch na okolitú spoločnosť je Twenty-Four Eyes feministický text, ktorému chýba transcendentálna rodová neutralita niečoho tak majstrovského, ako je Jeanne Dielman, ale svoje dôležité miesto si zachováva. pracovať na silnom ústrednom výkone filmu Hideko Takamine a trati rozprávania vo formáte Thiassos, ktorá sa tiahne v rokoch 1928 až 1946, v širokej štúdii vnútornej politiky a vývoja vnímania v priebehu rokov od mieru po vojnu.

77. Pán Ďakujem (1936)

Taktná meditácia Hirošiho Šimizu o našej interakcii, Pán Ďakujem sleduje skupinu ľudí v autobuse a skúma všetky možné emočné povahy na hodinovej ceste do cieľa (našťastie odbočuje z autobusu, ktorý by na tomto zozname o niečo neskôr skončil oveľa menej hladko). Je to očarujúci portrét poézie v každodennom živote, ktorý stúpa nad toľko povrchne ambicióznych filmov na tomto zozname pre svoju schopnosť sedieť a rozprávať iba niečo cez 60 minút bez toho, aby ste nechýbali. Malý malý poklad.

76. Ulica hanby (1956)

Teetering na hranici opusu, Kenji Mizoguchi’s Ulica hanby je jedným z veľkých labutí - ten, ktorý čerpá zo všetkých doterajších filmových zážitkov človeka v jeho kariére a zhromažďuje ich do včasnej, charakteristicky starostlivej a pozoruhodne ľudskej práce. Mizoguchi, ktorý žije v búrke za súmraku zákonnosti prostitúcie v Japonsku, vytvára nádherne dojemnú tapisériu konfliktov a zjavnej „amorálnosti“ vzhľadom na svoju pravú tvár, ktorá preniká do vnímania a umožňuje nám vidieť predsudky z minulosti. V súčasnosti sa diváci vďaka okázalému glitru divákov často tešia z očividne antihrdinských alebo kriminálne nezdravých postáv. GoodFellas a ďalšie lionizujúce, často veselo sadistické zobrazenia morálne nezdravých postáv. V roku 1956, najmä počas legálnej transformácie, musel byť taký film neslýchaný. Ženy v Ulica hanby sa len snažia žiť - a práve to robí ich bremeno ešte viac srdcervúcim.

75. Plávajúca burina (1959)

Právom považovaný za najväčší úspech Ozu ako umelca v rokoch 1959 Plávajúce buriny sleduje cestujúcu skupinu umelcov a rodinné problémy, ktorým čelia počas svojich ciest - najmä stretnutie predtým odlúčených strán, ktoré hrozí zánikom lukratívnej divadelnej spoločnosti. Je rovnako silný ako najlepšie filmy Ozu, ale ja tu beriem problém s mierou rozprávania, najmä so štruktúrou. Koná sa proti niektorým z neskorších Ozuových filmov, s ktorými sa tu stretneme, a nemôže im držať sviečku - ale je to prinajmenšom miera toho, aký zručný umelec bol, že Plávajúce buriny stále dokáže prelomiť najlepších 75 v žiarivo tichej, kontemplatívnej podobe. Stále kľúčový.

74. Pastorácia: Zomrieť na vidieku (1974)

Shuji Terayama Pastiersky je vznešené cvičenie zvláštnosti. Bolo by naivné, aby ktokoľvek kopíroval túto konkrétnu vetvu bizarného „surreálneho“, pretože Pastiersky je oveľa menej rafinované: Balenie krátkeho behu plného absurdistickej komédie a fantastických snímok, ktoré vŕta v pamäti režiséra v jeho budúcnosti. Nepochopiteľné, že takáto inšpirácia je málo zoči-voči jej zápletke a myšlienkam - aj keď ako pri jeho staršej práci Terayamova laxnosť zápletky nijako neuberá zo skúseností, ktoré sa pokúša poskytnúť - a ak sa jeho veľkolepý opus pokúsi vyjadriť hnev a vášeň nespokojného mladíka, potom je to jeho osobnejšie sledovanie: prieskum do fascinujúcej mysle nádherne vyfotografovaný a vrúcne uskutočnený. Je ľahké vytvoriť film čudne, ale potom zvýrazniť jeho vizuálnu virtuozitu pomocou osobnosti, techniky a režijných schopností, čo tu človek dosahuje. Je to naozaj niečo, čo treba vidieť.

73. Perfect Blue (1998)

Rozhodujúci výkrik talentu od animátora Satoshi Kona, Perfect Blue nachádza fyzickosť vo vnútornom boji popovej idoly na dôchodku, ktorá sa pokúša pochopiť svoju novú identitu - všetko zabalené v neustále sa vyvíjajúcom tlaku moderného sveta. Vizuálne cítenie Kon vedie k vynikajúcim a tak smutne prehnaným filmovým momentom - ale myslím si, že opojný naratívny dizajn Perfect Blue nálezy v neľútosti, s akou sa jeho protagonistka týra, a keď je tým mučená, tlačí ju okolo akýchkoľvek režisérskych štikútok. Jedná sa o metafyzický kúsok, ktorý umožňuje horor urobiť skutočným - ktorý posúva hranice tradičných animovaných prvkov pre niečo úplne temnejšie a znepokojivejšie pre jeho statočnosť. Napriek svojmu pohľadu sa Kon nevyhýba realite vo svojom zobrazení mentálnej degradácie - a práve to zakotvuje inak datované dilemy Perfect Blue do dnešného dňa. Fascinujúci, často mätúci experiment animácie.

72. Temná voda (2002)

Priamy vývoj desivého Prsteň , Hideo Nakata Temná voda predstavuje druhý a možno jediný ďalší režisérov hit a ten, ktorý dokáže svoj štýl posunúť ešte ďalej. Je zdobený vyspelosťou, ktorá uniká mnohým J-hrôzam, a podopiera silu jej drámy s prefíkanou pozornosťou k vyrovnanosti a presnosti, ktorú by menší umelci neboli úplne schopní pochopiť. Pulzujúca honba za nejakým nevideným cieľom sa odráža v každej scéne a premení nevyhnutnosť na zbraň nielen zo strachu, ale aj z donútenia.

71. Yûkoko: Obrad lásky a smrti (1966)

Yûkoko: obrad lásky a smrti je neslávne známy z niekoľkých dôvodov, najmä preto, že jeho riaditeľ Yuiko Mishima po neúspešnom vojenskom puči tiež spáchal samovraždu prostredníctvom seppuku. Muž bol základom najlepšieho filmu Paula Schradera, Život v štyroch kapitolách , a sústreďuje sa na preukázateľne fascinujúci predmet, pričom na vyznanie svojej bezslovnej správy využíva inscenovanie Noh a silnú kompozíciu. Špeciálne efekty vyvolávajúce šum sú na svoju dobu nesmierne pôsobivé, simulujú akt Harakiriho až zarážajúci a vytvárajú dokonalú interpunkciu Mishimovho vlastenectva. Žiadna kapitulácia.

70. Akira (1988)

Trblietavý, neónmi zdobený orientačný bod japonskej animácie a jej prenikanie do medzinárodného centra pozornosti, Akira predstavuje revolučný bod v anime a zaujme aj dnes svojimi trblietavými farbami, roztomilým futurizmom a amorfnou, ohavnou ponurou transformáciou hlavnej postavy. Zatiaľ čo štruktúra príbehu je preplnená bočnými poznámkami a nedokáže nájsť jasný smer, ktorým by sa darilo, objavujúca sa realizácia Akira’s akcia a pôsobivejšie výkony animácie sú to, čo z neho robí tak vplyvného a agresívne pútavého - spalujúce obrazovky s expresívne vytvorenými vinetami a prekračujúcimi uvoľnenú hlúposť svojho postupu pre niečo skutočne veľkolepé. Je to brutálne, dynamické a milé - dôstojná klasika a štart do úžasného veku výroby vysoko kvalitných animácií.

69. Súdny exekútor Sansho (1954)

V tomto okamihu musím priznať: nikdy sa mi nepáčila práca Kendžiho Mizoguchiho. Napriek tomu, že som sa viackrát pokúsil prekonať jeho obrázky, nikdy sa nič poriadne nezaseklo. Máločo o jeho práci ma zaujme a to, čo je tam na písomnej úrovni, zostupuje do fádnosti, akonáhle to tak bez okolkov transponuje na obrazovku. Nepochybne v mužovej práci možno nájsť zázrak - ale stále ma to znepokojuje. To všetko na pamäti, prinajmenšom som našiel nejakú útechu v mojich opätovných sledovaniach Sansho súdny exekútor pre tento zoznam - film, ktorý ma predtým frustroval z plytvania takým silným materiálom. Tento pokus vyústil do novoobjaveného ikonoklastického prístupu Mizoguchiho, ktorý sa vo svojej predchádzajúcej práci cíti prázdny. Je nabitý hlboko ovplyvňujúcimi scénami a hoci mám pocit, že je film príliš dlhý asi 20 minút - a mohol by sa dostať do ríše majstrovstva vo výstižnejšie sa pohybujúcom priestore - vytvoril aspoň pôdu pre legendárneho umelca v tomto zozname. Možno by som odteraz dal Mizoguchiho prácu sem vyššie - možno len dúfať.

68. Onibaba (1964)

Náš prvý film od Kaneta Shinda, Onibaba točí príbeh nedôvery a klamstva - dve zlodejské ženy ovplyvnené posadnutou maskou, ktorá si čoskoro hľadá svoju vlastnú agendu. Atmosféra paranoje sa Shindo vyvíja vďaka jeho dôkladnému inscenovaniu a nepríjemnému príbehu, ktorý sa rovná úspechu tohto filmu - spájaniu nových postáv a udalostí s cieľom zvýšiť pocit trémy publika spolu s pocitom jeho hlavných hráčov, ktorý podporuje jedinečné paralelné emočné spojenie. Myslím si však, že predovšetkým Onibaba’s trvalý štatút klasiky japonského hororového kina pramení z jedného záberu: Jediný obrázok, ktorý do svojej ochromujúcej nehybnosti zbalí toľko vnútornej energie, že som ním bol fyzicky zaskočený - odradený od návratu späť do Onibaba v strachu, že narazíte na tú istú desivú prítomnosť. Tvárou v tvár tejto, skvele strašidelnej množine snímok, je zvyšok filmu v porovnaní s ostatnými takmer bledý: Ak by sme však úplne zľavili, znamenalo by to premeškať zmysel takto kontrolovaného nahromadenia a senzačne zvládnutý vrchol.

67. Sonatine (1993)

Na práci Takeshiho Kitana je vždy pôsobivý spôsob, akým dodáva levitu aj tým najnáročnejším scenárom. Takmer nezvestný Ohňostroj a Násilný policajt obaja zdieľajú svoje miesto v zozname so svojím opusom, Sonatín , a všetci hovoria o jeho popularite v rodnom Japonsku ako filmového komika a o tom, ako tieto korene nenápadne prenikajú do jeho filmových ponúk. Každá snímka, ktorú obýva, svieti - napriek jeho zloženiu z temných a často brutálnych dejov. Vďaka tomu, ako šikovne hráme s našim vnímaním ľudskej morálky a sympatií, to je to, čo robí Kitana rovnako fascinujúcim ako postava, ktorá sa v posledných desaťročiach vynorila z japonskej kinematografie - a dokazuje to, ako tak adeptne povedal Rodger Ebert po tom, čo som uvidel Sonatín , že kruté štúdie kriminality nemusia obetovať hĺbku pre angažovanosť a-la Tarantina svojimi povrchnými monológmi a „charakterizáciou“ náustku. Kitano dokáže oboje.

66. Démoni (1971)

Vodoznak novej vlny Toshio Matsumoto ohromil 2 roky predtým svojím vynikajúcim Pohrebná prehliadka ruží a démoni 71. rokov udržujú svoju zmyslovú hybnosť pomocou ostro natočenej nočnej krajiny, ktorá vrhá každý obraz do úplnej tmy - iba miesta a hráči osvetlení v nočnom šere. Ostatní režiséri experimentovali s touto technikou, možno najskorším pozoruhodným príkladom výsluchu Louisa Malleho vo filme Elevator to the Gallows - ale len málokto to dotlačil k takým invazívnym účinkom - každý záber vyvolal obrovský strach a hlavne zúfalstvo. Bez ohľadu na to, ako blízko sa jeho protagonisti priblížili k úniku svojich nadprirodzených útočníkov - nič nie je nikdy bezpečné. To je zjavne príkladný existenčný horor.

65. Stále kráčam (2008)

Myslím si, že týčiaci sa tieň Jasujira Ozu môže vrhnúť značný tieň na ktoréhokoľvek dramatického tvorcu filmu a vysoko cenený Hirokazu Koreeda je možno hlavným z postihnutých. Muž sa pokúša vyhnúť sa porovnaniu tým, že svoju prácu prirovnáva k práci Kena Loacha, viac ako k japonskej legende, napriek tomu je takáto podobnosť nevyhnutná a zdôrazňuje v Koreedovej metóde niekoľko nedostatkov. Ozu vás pozýva posadiť sa k jeho postavám a postupne rozmotávať pointu príbehu, zatiaľ čo Koreeda drží kameru v rovnakej miestnosti ako dráma a iba ticho pozoruje. Jeho štýl je oveľa menej priamy, trochu pripomína techniku ​​taiwanského majstra Hsiao-Hsien Hou a ešte viac odtrhnutý.

To všetko na pamäti, Koreedino odmietnutie zasahovať však vedie k niektorým veľmi intímnym chvíľam neskôr v línii - kde začína kvitnúť, keď nám postavy umožňujú preklenúť šesť stupňov oddelenia ich sveta od nášho. Niečo také jednoduché ako človek, ktorý sa blíži ku klavíru, extrémne rozdiely v zameraní, ktoré podčiarkujú dôležitosť scény, robia zázraky v tom, že divákom dajú drobné, evokatívne pohľady do myslí jeho postáv. Naozaj Stále kráčam je baštou nádeje povzbudzujúcou filmových tvorcov súčasného Japonska, aby upadli do záhybu rodinnej drámy a usilovali sa o jej naplnenie rovnakým nátlakom a rovnakým dopadom, aký predviedli umelci ako Ozu a Naruse pred tými rokmi. S režisérmi ako Sion Sono na scéne je darom, že ľudia ako Hirokazu Koreeda sú stále okolo, aby sa dostali nad nepríjemné podbruško a poskytli nám niečo také tiché a podmanivé vo svojom portréte predmestského života.

64. Vyznania medzi herečkami (1971)

Brutálne čestný, charakteristicky otvorený film - nie nepodobný neľútostnej inkvizícii Zimné svetlo - Yoshishige Yoshida ‘s Vyznania medzi herečkami sleduje traumy, ktoré spôsobili, že sa tri ženy zaviazali k remeslu - prvý farebný film režiséra a fascinujúco: Jeden, ktorý v tomto novom, červenajúcom sa bohatstve farebných pásikov zbavil veľa svojej extrémnej kamerovej práce pre fádne, holé hľadanie pravdy a jeho vplyv na týchto ľudí. Zjavenie je svojím spôsobom forma liečenia - a Kiju Yoshida’s Vyznania medzi herečkami funguje úžasne ako debata o tejto myšlienke.

63. Balada o Narayame (1984)

Balada o Narayame predstavuje azda najznámejší film Shoheiho Imamuru, ktorý je sám o sebe remake rovnako uctievanej klasiky. To, čo odlišuje Imamurov kúsok, je jeho hmatový prístup k ľudskej činnosti - fascinovaný pochmúrnymi reakciami a zmutovanými psychikami, ktoré majú veľkú emocionálnu záťaž na mužskú alebo ženskú myseľ. Jeho predchádzajúce filmy zvládli tieto témy oveľa lepšie, mám však pocit, že to nevylučuje Balada o Narayame z toho, že medzi nimi stojí vysoko. Jeho známa ľudová rozprávka je rovnako opatrným štúdiom ľudského správania a chýba mu chorobnosť, ktorá mu dala prácu v 60. rokoch. Shohei Imamura stále poskytuje uspokojivé súcitné a skutočné umelecké dielo.

62. Mandara (1971)

Mandara je svojím spôsobom jeden z filmovo najfascinujúcejších filmov začiatku sedemdesiatych rokov. Náročná, ale univerzálne prospešná téma, fotografia a ohromujúca nálada, ktorú vytvára - je to neuveriteľne zvláštne dielo, ktoré by sa mohlo dostať do vyšších vrstiev tohto zoznamu, keby som mal čas ponoriť sa hlbšie do jeho bohato bizarného sveta. Stačí povedať: Tento málo vídaný klenot Novej vlny je absolútnou nevyhnutnosťou.

61. Príbeh princeznej Kaguya (2012)

Ctihodný Isao Takahata z roku 2012 sa vrátil do formy po ohromujúcich 1988 Hrob svetlušiek , Rozprávka o princeznej Kaguyi je jednoducho nádherný. Rodinná bájka vhodná pre všetky vekové kategórie, jej ‘absolútne krásny animačný štýl sa vracia ku klasickým dizajnom namaľovaným do bielej prikrývky - ideálny pre základné účely, ktorý odvtedy inšpiruje vlastnosti vo viac ako jednom médiu. Ďalekosiahly estetický ťah Kaguya nie je celkom zatienený príbehom, ale jeho svetelné filmové nútenie je stále neodvratne opojné od začiatku do konca a vyžaduje si pozornosť každého fanúšika animácie.

60. Vaše meno (2016)

Najnovší film na tomto zozname, minulý rok Tvoje meno je zjavenie. Populárne americké kino môže byť často také nezáživné a cynické, dokonca aj jeho nezávislú scénu začína priťahovať sláva viac ako umelecké zásluhy (bez toho, aby sa zdiskreditovali zjavné výnimky z tohto narastajúceho pozorovania). Hovorím to všetko, pretože po preštudovaní súčasných japonských vydaní tohto zoznamu je vzrušujúce mať film tak úžasný ako Tvoje meno byť rovnako úspešný v hlavnom prúde. Japonsko bolo odvtedy zaplavené a obdarené množstvom animovaných funkcií Akira v roku 1988 a zatiaľ čo drsný povrch často zaplavoval diamanty pod ním - film tento silný prerazil s ľahkosťou. Bez úvodu alebo komentára stačí vidieť Tvoje meno . Je to niečo so srdcom a čestnými úmyslami, z ktorých sme si dnes všetci mohli vziať ponaučenie.

59. Nausicaä z Údolia vetra (1984)

Nausicaä z Údolia vetra je prvou baštou vznešenej umeleckej zručnosti titána Haya Miyazakiho. Rozprávanie príbehu je vynikajúce - budovanie akejsi mrzutej apokalyptickej budúcnosti, akoby v našom vlastnom svete so slobodou smerovania a nádherným uskutočňovaním jedinečnej flóry a fauny krajiny - všetko obývané rôznorodým obsadením osamelých duší, ktoré vyjadrujú plazivé uznanie ich nevítaných svet úžasne. Prvé z mnohých skutočne srdečných, originálnych a lákavo inšpirovaných diel od Miyazakiho.

58. Budeme tancovať? (1996)

Myslím, že čo oddeľuje Zatancujeme si? z akéhokoľvek iného filmu potvrdzujúceho život je to, aké je to vážne. Vlastné pojednanie Akiry Kurosawy o splnení (alebo desivom nedostatku) v Ikiru je ostrý kontrast k neškodnému šarmu - ten, ktorý prirodzene klíči a skĺzava do našich sŕdc, namiesto toho, aby si vrážal cestu cez cynicky riadené dejové body. Je to úžasný film, ktorý bol obdarený tak vysokou pozíciou, aký radostne vierohodný je jeho príbeh a aký pohodlný je režisér Yoshikazu Suo so svojím produktom. Potešenie.

57. Akitsu Springs (1962)

Veľký prielom Kiju Yoshida, Akitsu Springs predstavuje úsvit niečoho zvláštneho vo sférach japonskej novej vlny. Už v roku 1962 dokázal Yoshida zviditeľniť psychosexuálne zameranie mnohých vtedajších japonských filmov a upchať jeho vnútornú hĺbku s dokonalou presnosťou - fascinácia, ktorú zostroval, sa zostruje až s pribúdajúcim časom. Séria podobne fantastických následných krokov ho stmelila ako kľúčového člena hnutia, ale pre mňa je Akitsu Springs ktorá je najsilnejšia ako majiteľ jeho filmovej geniality.

56. Žena sa priznáva (1961)

Náš prvý film je s láskavým dovolením plodného Yasuzo Masumury z rokov 1961 Manželka sa priznáva je korunným úspechom ranej japonskej novej vlny. Po tom, čo žena bola obvinená z údajnej náhodnej smrti svojho manžela, zachytáva vlny agresie, cynizmu a presmerovania charakteristické pre temnú stránku vtedajšej japonskej kinematografie - s výnimkou prípadov jej často krvavého a brutálneho násilia. To, čo tu máme, je násilie mysle, strieľané hlasmi ostnatými horkosťou a očami sledované pre nejaký zlý, doživotne uväznený prípad, s ktorým môžeme porovnať ich vlastné utrpenie. Je to zahalená chorobnosť Manželka sa priznáva čo dáva spoločenskému sústu poriadny zlom.

55. Hlboké túžby bohov (1968)

Najdlhší film Shohei Imamuru, Hlboké túžby bohov je tiež film, ktorý najviac ilustruje jeho štýl. Po napätej dynamike izolovanej kolónie a rýchlo sa rozvíjajúcej romantike, ktorá po ňom kvitne, umožňuje mierne odbočujúci smer Imamury a prenikajúci lesk takmer novinárskej integrity fascinujúci dokument o pôvodnom živote, láske a o tom, ako nás neoddeliteľne priťahujú naše vlastné túžby - byť tým, že vedome zdieľate primárne nutkanie alebo nejaký nehmotný implantát vysielaný priamo zhora. Nakoniec bolo pre mňa ťažké zvládnuť Imamurovu základnú otázku: Je ľahšie akceptovať, že naši bohovia sú krutí, alebo že sme?

54. The Human Condition part 1: No Greater Love (1959)

Prvý v epickej trilógii filmov, The Human Condition part 1: No Greater Love je film, ktorý by vytvoril precedens pre ďalšie pokračovanie - zoznam silných a slabých stránok režiséra Masakai Kobayashiho by mal čas poučiť sa len s odstupom času a nikdy by celkom nevyjasnil dokonalú rovnováhu pre svoj nesmierne ambiciózny kúsok. Žiadna väčšia láska obsahuje niekoľko nesmrteľných momentov, najmä popravnú scénu, ktorá trvá 10 minút a vidí vztekajúci sa hnev utláčanej bubliny Manchu za strachom, že všetky zbrane a ostnatý drôt inšpirujú k niečomu, čo je dodnes mimoriadne rezonujúce - rovnako ako ku koncu oblúk pre niekoľko znakov. Je to prehnaný, presýtený a nakoniec neúčinný film & hellip; ale je to tiež majstrovsky zvládnuté preskúmanie počtu vojnových konfliktov. Extrémne nevyvážený, Ľudský stav Úvodná kapitola nachádza dostatočne pevný základ na to, aby vytvoril film, ktorý nie je ani vykonateľný, ani výnimočný: Ale stále je to viac než dosť hodné, aby sa tu dostal do top 60.

53. Zahoďte svoje knihy, Rally v uliciach (1971)

Odhoďte svoje knihy, Rally in the Streets je nával krvi do hlavy. Živé a apatické usporiadanie odpojených vinetiek, ktoré vytvárajú živý obraz o odlúčení japonskej mládeže od starých hodnôt. Odmietnutie formalizmu pre niečo úplne modernejšie, futuristické, nakrájané na kúsky a napriek tomu úplne pohodlné vo svojej vlastnej nepochopiteľnosti. Je to kreatívna povaha tohto odvetvia, ktorá sa prejavila v mysliach mladých ľudí a ktorá vyústila do prekvapivých, lákavých a často neuveriteľných dávkových scén. Niekoľko filmov, dokonca ani z japonskej novej vlny, nedokáže zapáliť ten istý prísne rebelantský oheň.

52. Červený anjel (1966)

Vysoko plodný majster Yasuzo Masumura pracoval počas 60. rokov na kolosálnych 33 filmoch - a jedným z vrcholov jeho napínavej tvorby je Červený anjel z roku 1966. Červený anjel, zameraný na romanticky angažovanú mladú sestru, ktorá je uvrhnutá do vojny, rozvíja svoj vyčerpávajúci svet mimoriadne dobre: ​​Počnúc légiami veteránov, ktoré sú posiate jazvami a postriekané ich vlastnou krvou a potom na operačnom stole v ošarpanom komplexe - všetko než bude konečne uvrhnutý do téglika tohto smrteľného konfliktu. Hmatateľný strach je znakom bohato impresionistickej hrany Masumury - a označuje ho ako určujúci, smutne zatienený hlas kina národa v 60. rokoch.

51. Muž bez mapy (1968)

Strašne nedocenený vstup z bezchybného diela Hiroshiho Teshigaharu, poslušne zatieneného jeho vrcholným dielom z rokov 62 až 66, 1968 Muž bez mapy vidí prísne ikonoklastický prechod režiséra od ostrej čiernobielej fotografie k lákavej farebnej fotografii: Hľadí na rozľahlý labyrint priemyselného Japonska s pochmúrnou, trochu matnou paletou, ktorá tak bohato odráža nenasýtenú túžbu protagonistu po odpovediach. Muž bez mapy beží v riekach pochybností a zmätku, pristáva svojho detektíva v hlbokej vode pre najmenšie nájazdy a málokedy mu dovolí sekundu nadýchnuť sa a vziať na vedomie rozsiahlosť toho všetkého.

Tešigahara hravo urbanizuje mučivé prenasledovanie svojich protagonistov svetom, ktorý na každom kroku popiera katarziu, a s neutíchajúcou presnosťou komentuje neutíchajúcu neistotu moderného života. Opúšťa nuancovanú nadprirodzenosť a surrealizmus svojej predchádzajúcej práce pre oveľa uzemnenejší kúsok, ktorý je vo výsledku možno ešte strašidelnejší ako sizyfovská agónia Žena v dunách alebo Úskalia nemysliaci, bezcitný predstih smrti. Muž bez mapy udrie nás na domácom trávniku, a preto je to tak neprehľadné - tak znervózňujúce - a preto to dodnes zostáva takým dôležitým kinematografickým dielom.

50. Hmyzová žena (1963)

Náš zatiaľ štvrtý film uctievaného majstra Shoheiho Imamuru, ktorá je o niečo váženejšou stránkou nebezpečnejšie nadmernej mince Nagisa Oshimu, Hmyzová žena je príkladom toho, prečo bola Imamurova vízia sexuálnej politiky vždy oveľa fascinujúcejšia ako predstava jeho kontroverzného súčasníka. Je to film so skvelým vizuálnym ovládaním: vštepovať svojim snímkam zmysel a váhu, ako aj lahodnú estetickú silu, ktorá tak výrazne krváca v monochromatickom režime - každodenný život ženy obklopený čiernym a bielym morom, ktoré sa tak mení na tajomstvo, v Tetsuo: Železný muž . Jej strašidelne jasná úvodná scéna, aj keď je jednoduchá, šije semená kafkanskej klietky Tome (ktorú krásne hrá zaslúžene poctená Sachiko Hidari) a je v nej naznačená obludná implikácia začarovaného názvu Imamury. Je to náročné sledovanie, v neposlednom rade tomu napomáhajú problémy Imamury s stimuláciou, ale zostáva skutočne životne dôležitým kinom.

49. Pulz (2001)

Kiyoshi Kurosawa stabilne udieral nad svoju triedu pod ťarchou svojho známeho menovca fantastickým reťazcom zlovestného úsilia - žiadny však úplne nezatienil ohromné ​​voľné miesto v rokoch 2001 Stlačte . Pokvapkaní hrôzou a intenzívnym využívaním včasných technologických odkazov bez toho, aby ste sa na ne spoliehali natoľko, že to zostarne obraz, Stlačte je strašidelne strašidelný pohľad na moderné strašidlá, ktorý oveľa efektívnejšie využíva známu tvár svojich yūreiských duchov ako oveľa slávnejšie vyobrazenia stalkerov s bledou tvárou.

48. Bitky bez cti alebo ľudskosti (1973 a hellip; 1975)

Viacdielny zborník kriminality od Kinji Fukasaku je Krstný otec zdvihol každú drogu pod vychádzajúcim slnkom. Oslobodený od často vládnuceho štrukturalizmu Coppolovho perfekcionistického diela, nakrúca Fukasaku násilie ako jazz, keď v priebehu rokov sleduje vládnucu zločineckú rodinu. Často sa potápa v bezdôvodných hyperstylových uhloch a strihu, aby zaistil evanescentný efekt svojej kinetickej montáže. Aj keď mu chýba komplexný vývoj postáv, tematické rozlíšenie alebo dokonca základný vkus - je v ňom niečo tak pľuzgierovo živé Bitky bez cti alebo ľudskosti že si nemôžem pomôcť, ale ľúbim to. Každý film pridáva k poslednému a predstavuje kolektív zenitu populistickej kriminality v 70. rokoch v Japonsku. Malý sa nikdy nemohol priblížiť.

47. Kwaidan (1964)

Kwaidan, charakteristicky dobre spracovaný Hororový zborník Masakai Kobayashi, je strhujúcim ponorom do tajomstva a zloby starých japonských bájok, stredovekých koreňov rozmanitého obsadenia strašidelných zjavení a neodvratných kliatieb J-Horror. Neľútostného nedostatku milosrdenstva alebo oddychu všadeprítomného na japonskej prosperujúcej hororovej scéne sa dotýka ruka majstra, čo vedie k vizuálne luxusnému skvostu, ktorý dokáže vdýchnuť alarmujúci nový život inak datovaným príbehom. Je to bezpochyby najjemnejšia Hororová antológia, aká bola kedy vyrobená: S neriedeným hlasom vynikajúceho filmového tvorcu, ktorý znie nahlas a zreteľne, že J-hororu sa treba obávať. O niekoľko desaťročí neskôr sme stále uväznení v jeho príšernej moci.

46. ​​Tokijský tulák (1966)

Blazing maverick Seujin Suzuki je prekliatie plátok geniálneho pop artu, Tokijský tulák odchádza ako ohňostroj a prepožičiava viac svojej štylistickej stránke, ako dnes môžu dokonca tvrdiť Quentin Tarantino a Martin Scorsese. Ohnivý vplyv filmu predovšetkým označuje ich strih a prístup k akcii - nie nepodobne tomu, ako Goddardov nekonečne nadmerný Bez dychu pokračuje v tvarovaní spôsobu, akým krájame. V oveľa menšej miere sa Suzukiho kúsok skĺzava do toľkých rámcov moderného kriminálneho kina - ale je to silnejší príklad štýlu, ktorý zbavuje všetku podstatu: jeho prestrelka odchádza ako ohňostroj so zappy neónovými efektmi a s každým krupobitím rastie. streľba. Vytvorený majstrom choreografa na vrchole svojej hry - Tokijský tulák je celulózové kino v tej najlepšej podobe. Elektrický a stále veľký sud zábavy.

45. Hrob svetlušiek (1988)

Na povrchu inverzný obraz bájok univerzálneho publika Haya Mijazakiho, ctihodná ikona Ghibliana Isao Takahata Hrob svetlušiek je jednou z najuznávanejších animácií, aké boli kedy vyrobené - s emocionálnou váhou, ktorá sa odvíja od majstrovského využitia média. Prípad v prípade: Hrob svetlušiek by nebolo také všeobecne cenené alebo dokonca pozoruhodné, keby sa malo s uvedeným príbehom popasovať v oblasti reality. Takahatov objektív je však nakreslený. Jeho obrazy sú vtlačené do elegancie a nevinnosti svedčiacej o detstve - takej, ktorá dokonale dopĺňa útrapy jeho protagonistov. Aj keď pre niektorých som si istý, že to funguje ako prepínač batantov, máloktoré filmy tak šikovne využili umenie animácie, aby elegantne zdôraznili silu svojho posolstva. Ochromujúco protivojnové, expresívne elegické vizuálne prvky Takahata začínajú narážať na ohromne smutné nastavenie príbehu: Nechať uniknúť závan cynizmu z jeho vzduchotesného estetického držania, hoci to nemá žiadny význam. Hrob svetlušiek je strašidelný a často krásny zážitok z vojny.

44. Trilógia o samurajoch (1954-55-56)

Lahodne príťažlivá populistická séria režiséra Hiroshiho Inagakiho, ktorá je vynikajúcou zápletkou zábavnej zábavy, je medzníkom vo výrobe akčných dobrodružných filmov a pravdepodobne aj najlepšou trilógiou, ktorá ladí s podžánrom. Inagakiho relatívne neškodné a komplexné príbehy, vedené ako vždy šterlingový výkon od Toshiro Mifune a s malými náznakmi zrelosti, predovšetkým na konci prvého filmu, sú povzbudené rovnako ostrým a vzrušujúcim záberom filmovej akcie ako v 50. rokoch musieť ponúknuť. Jeho pohyb kamery je napínavý, vedie hercov s dravosťou a elánom, ktorý pomáha trilógii prekonávať jej rozprávačské suché kúzla s pridaním napínavej šermiarskej sekvencie. Na dramatickej scéne to nie je nič zvláštne, ale môže sa pochváliť dostatkom vášne pre remeslo a prekvapivou oduševnenosťou v úspechoch, ktoré zaručujú také vysoké umiestnenie. Vitálne sledovanie pre fanúšikov dobrodružného kina.

43. Barmská harfa (1956)

Únikové dielo Kon Ichikawy o japonskom vojakovi vkĺzavajúcom do krajiny, ktorú kedysi okupoval, a pokúša sa nájsť mier v bolestiach povojnového sveta, Barmská harfa pochopiteľne kritizuje svoje často otupené vyobrazenie vojny: viac tancujúcich čiat a ľahkých pohybov dejových bodov ako plný a strhujúci pohľad na čas. Paradoxne si myslím, že čo pomáha Barmská harfa prekonanie týchto problémov je srdcom za nimi. Napriek svojmu precízne riadenému rozprávaniu, Ichikawa pretvára počas celého filmu nádherné snímky - zdobí každú scénu aspoň v jednom zarámovanom obraze, ktorý síce prispieva k statickému sofomicizmu jeho smeru, ale napriek tomu efektívne dokáže sprostredkovať náladu - predovšetkým v poradí, v ktorom smrť riadi vojaci sú zabití mínometmi a náš hrdina sa prebúdza uprostred krvavého mora mŕtvol: Inšpirovanými zábermi sa viac podobá ohromne tesnému zloženiu Rembrandta ako akákoľvek iná vojnová záležitosť. Je to v istom zmysle zjednodušujúce, ale jej slabosť nikdy nezatieni kolektívny dopad, ktorý vytvára ichikawa osvetľujúca fotografia a verná pokora.

42. Stránka šialenstva (1926)

Najskoršia časť tohto zoznamu, Stránka šialenstva je pre svoj zvukový estetický hlas základom tichej japonskej kinematografie: Dielo, ktoré informovalo o nepríčetnosti a najskrytejšej tvorivej iskre, ktorá dodnes podporuje tie najúžasnejšie diela ich priemyslu. Jeho portrétu azylu chýba nuansa alebo hĺbka niečoho podobného Titucut Follies alebo dokonca ľudstvo Prelet nad kukučím hniezdom vo fiktívnej podobe - avšak transcendentný nástup od tohto míľnika v roku 1926 je rozšíreným ocenením japonského predvojnového filmu mimo dramatických titanov ako Ozu, Mizoguchi, Yamanaka a Shimizu. To, čo tu máme, je zdrojom ich stále bežiacej rieky kinematograficky náročných, štylisticky provokatívnych a zámerne nebezpečných diel, ktorá je o to fascinujúcejšia z hľadiska tejto hry tragických umelcov.

41. Skrytá pevnosť (1959)

Neslávne známa malá franšíza Georga Lucasa Hviezdne vojny bola postavená na zadnej strane Skrytej pevnosti. Nová nádej dúfala, že z tejto výnimočnej dobrodružnej rozprávky ukradla všetko okrem usídlenia. Je škoda vidieť, ako sa tento „neoficiálny remake“ dostane z vraždy a rozdrví Kurosawov pohyb pod váhou jeho kolosálneho sledovania - pretože Skrytá pevnosť je oveľa hodnejším klasickým filmom, než za aký by mohla Lucasova séria vôbec vyzerať. Nabitý vzrušujúcou akciou, veselou charakterizáciou a silným vizuálnym vkusom, ktorý je obvyklý aj pre najväčšie sprostredkovateľské úsilie Akiry Kurosawy. To všetko na mysli, preto sa mi nepáči Hviezdne vojny - len si prajem, aby sa bravúrne dielo Kurosawy nieslo rovnakým dychom.

40. The Human Condition pt 2: The Road to Eternity (1960)

Bitkou uhryznutý kúsok epickej trilógie Masakaia Kobajašiho, Cesta k večnosti slúži ako rozsiahly japonský vojnový epický zápas s ktorýmkoľvek Zachráňte vojaka Ryana , ak nie tak nebezpečný ako niečo ako Sam Fuller’s Veľký červený alebo dokonca Oceľová prilba . Zachováva si chaotickú etickú posadnutosť The Human Condition part 1: No Greater Love ale dokáže na tom stavať pomocou vnútorných bojových skúseností a odmeraného, ​​dôsledného prístupu k svojim postavám, ktorý je podčiarknutý ich životom a smrťou v smrtiacej časti ľudskej histórie. Rovnako ako v každom nasledujúcom segmente, Ľudský stav sa blíži a blíži k dosiahnutiu svojho menovca a zatiaľ čo 2. časť si túto ambíciu neuvedomuje - aspoň sa snaží. Viac, ako môžeme povedať pre väčšinu filmov tej doby.

39. Heroic Purgatory (1970)

Okamžite nepochopiteľné, výrazné a vizuálne zmätené: Heroic Purgatory je dokonalým základom pre výnimočnú filmografiu Yoshishige Yoshidy. Jeho nádherná mimozemská estetika je často dezorientujúca - každý záber ohýba náš vzťah s priestorom, každý skrátený čas fragmentácie nie je nepodobný frenetickému príbehu Alaina Resnaisa inšpirovaného pamäťou - a vo všetkej počestnosti robí dej Heroic Purgatory obzvlášť ťažké skutočne sledovať a pochopiť. Jeho fragmentovaná rozprávačská technika ešte viac napína túžbu menej otvoreného publika po úplne súdržnom príbehovom zážitku - ale nedefinovateľné pôžitky, ktoré sa skrývajú v Yoshidovom pokrivenom svete, sú v súlade s ich precedensom nad úzko štruktúrovanými dejovými líniami. Popísať Heroic Purgatory by bolo nemožné. Nedoporučovať ho čisto z dôvodu jeho vlastnej nemožnosti - by bolo trestným činom.

38. Zámery vraždy (1964)

Bezútešný triptych Shohoia Imamuru Ošípané a bojové lode, zámery vraždy a Pornografi zasiahla jej nesporný vrchol úvratu filmom, ktorý s nebezpečnými detailmi sleduje situáciu ženy flirtujúcej medzi ponižujúcim vzťahom s jej manželom a postihnutou aférkou s jej násilníkom. Prvé stretnutie posledného menovaného a scéna, ktorá na ňu priamo nadväzuje, sú nádherne výstižnými príkladmi toho, ako vznešene škaredé môžu byť Imamurove svety - a ako môže ľudský kontakt jeho postavy dohnať do extrémov, o ktorých sa mnohí môžu pokúsiť diskreditovať ako neprijateľné. V pravde, Zámery Murder’s Kruté, ale čestné štúdium útlaku a chorej slobody prostredníctvom telesného prejavu dokáže rovnako presne odrážať portrét každého z nás v rovnakej situácii ako jeho najlepšie filmy.

37. Atentát (1964)

V roku dvojnásobného uvedenia Masahira Shinodu v roku 1964 sa predvídateľne videli dva z najlepších filmov, ktoré krajina doteraz vyrobila, pričom druhý z nich bol Atentát . Žiarivý príklad pohodlia v rozsahu, Atentát spletie tematicky nenáročnú drámu, ktorá čerpá dosť zo svojho jednoduchého príbehu, aby mohla byť považovaná za najlepší film uvedený v tomto zozname: Rovnako nádherne osvetlený a fotografovaný ako ktorýkoľvek film z polovice 60. rokov s akciou tak presnou a výkonnou, akú by ste očakávali od stajní Shinoda. Je to podceňovaná napodobenina duševného stavu, pretože divoké fámy o cieli sú potlačené a potlačené všade okolo a tvoria príbeh, ktorý sa vyžíva v jeho momentoch nepredvídateľnej nepochopiteľnosti - rýchle prepnutie z reality do minulosti, zanechanie publika i niekoľkých obávaných skupín rádoby zabijaci na hranici žiletky víťazného víťazstva a iste smrtiacej porážky.

36. Nahý ostrov (1960)

Na stoické preskúmanie pokojného života na vidieku Kaneta Shinda The Naked Island neobsahuje takmer žiadny hovorený dialóg - zameranie sa úplne presúva na jeho obrazy, aby vyrozprávali svoj príbeh, alebo presnejšie vytvorili jeho pocit. Shindov ikonoklastický prístup k filmovaniu vedie k niekoľkým nádherne rezonujúcim obrázkom z celej jeho filmografie, zatiaľ čo obrazy Onibaba a Kuroneko vylepšujú ich rozprávanie v malých vreckách vizuálnej inšpirácie - The Naked Island je 96 minút nevyhnutnej fotografie. Tká sa spolu tak, aby sa Bergman červenal, kultivoval náladu a umožňoval jej kvitnúť do niečoho univerzálneho a pôsobivého. Pokoj a trápenie Kanetova malá rodina ostrovanov čelí každý deň, takmer ako zvláštne optimistická inverzia turínskeho koňa Bélu Tarra. To, čo mu chýba v drvivej sile tohto filmu, sa namiesto toho vyvinie do rituálnej oslavy ľudskej vytrvalosti a prírodnej krásy, ktorú môže toto úsilie poskytnúť. Rozkošný, poučný a neuveriteľne absorbujúci malý zážitok.

35. Branded to Kill (1967)

Keby spomínaný Sejiun Suzuki dosiahol svoj štylistický vrchol v rokoch 1966’s Tokijský tulák , film natoľko ohúrený jeho producentmi, že zatracovali jeho následné obrázky, aby dosiahli prísnejší rozpočet, a oslabili všetky šance na jeho použitie farby, potom Značkové na zabitie by sa stal jeho tvorivým zenitom - a dokonalým príkladom umenia vďaka nepriazni osudu. Mužov elektrizujúci opus magnum, Značkové na zabitie sleduje nájomného vraha, ktorý sa pokúša obviniť ešte smrteľnejšieho atentátnika, zatiaľ čo sa prediera v légiách goons a v bleskovom románe. Je večne ostrý bez toho, aby stratil štrk, predbežne siaha na dramaticky ambicióznejšie územie a stále dokáže zbaliť nastavenia plné bezduchých zlých protivníkov, aby ich húfne zastrelili. Značkové ako Kill’s štýl, ktorý stále dokáže hľadať zmysel, bez ohľadu na výsledok, je tým, čo ho odlišuje nad zvyškom balenia.

34. Meč skazy (1966)

Štýlový pilot akčného majstra Kihachiho Okamota pre smutne zrušenú trilógiu The Sword of Doom je najvyššou filmovou katarziou. Je to odborne choreografická ukážka diabolského šermu, keď čelí popredná legenda Tatsuya Nakadai proti Toshiro Mifune a nekonečná horda bezmenných hrdinov, ktorí sú pekelne odhodlaní demonštrovať, aká smrteľná môže byť titulárna zbraň. Desiatky padajú pred čepeľou, predovšetkým v nádherne neuváženej záverečnej scéne tohto filmu, a zatiaľ čo oddanosť rozprávaniu príbehov a charakter sú prinajlepšom tangenciálne - atmosféra a režijná drzosť v celej podobe ho zachraňujú pred tým, aby sa stal iba ďalším zvitkom akcie. Stojí za to vidieť do trpkého, krvavého konca.

33. Hausu (1977)

Rovnako veľká pochvala, ako môže niekto zaplatiť, je, že divný film zostáva. Mnohí z nás dabovali niečo zvláštne, pretože sme nezasvätení, len aby sme zistili, že v porovnaní s neskoršími filmovými objavmi je táto zvláštnosť bledá. To je spôsob našej cesty filmom - ako je to veľmi zdĺhavý spôsob, ako to uviesť Hausu je úplne duševný. Neustále sužovaný niekedy inšpirovaným, často strúhaným, ale vždy šialeným pozadím a plným scénok školáčok, ktoré bojujú s posadnutými melónmi, zožierajú ich vražedné klavíry a unikajú pekelným strašidelným mačacím peklom zameraným na prekliatie každej duše, ktorá prekročí jej prah. V zásade je Ju-On ale so sebauvedomením a závratnou tvorivosťou ísť celú cestu štýlom samým - predísť pozadí príbehu o mytose, ktorý tak často mars strašidelné príbehy domu s absolútnou oddanosťou závratnej rafinovanosti. Výsledkom je skvelá zábava.

32. Ikiru (1951)

Toľko rozprávaný portrét staroby Akiry Kurosawy, Ikiru beží ako neochvejná paralela s Ozuovou vlastnou prácou na ľuďoch v ich zimných rokoch - stráca minimalistický smer pre oveľa priamejšiu a intenzívnejšiu prácu Kurosawu. Výsledok má punc: Niekoľko scén lízajúcich kinetickú spätnú väzbu iba prostredníctvom sily svojich obrazov a ticha alebo zvukových vln, ktoré ich sprevádzajú. Myslím si, že hlas Kurosawy málo prispieva k mimoriadne silnému kánonu kinematografie o starnutí a spravidla nedokáže zasiahnuť výšky zjavenia Lesné jahody alebo The Life & Death of Col. Blimp napriek ich komparatívnemu nedostatku filmovej bezprostrednosti - nič z toho však neuberá na ohromujúcej rezonancii práce AK tu.

31. Slepé zviera (1969)

Neporovnateľné skúmanie zmyselnosti a fyzickej podstaty, Slepé zviera sleduje vzťah medzi slepcom a ženou, ktorú drží v zajatí, uväznenú v pracne navrhnutom labyrinte pokrytom sochami ľudskej podoby - so stenami zakrytými v očiach a perách, zatiaľ čo podlaha je sieťovaná nevyhnutnou spleťou končatín. Je to surrealistika a zaujímavá premisa, ktoré nie sú oknami do žiadnej skutočne hustej tematickej oblasti, aj keď sa režisérovi Yasuzovi Masumurovi darí externalizovať vzťah chtíče a túžby oveľa lepšie, ako je dôsledok neúspechu neúspechu, na ktorý Nagisa Oshima tak často skĺzava a krája sa. Pre kontemplatívnejšie kúsky o sexualite je Yoshishige Yoshida nevyhnutným umelcom - ale poprieť úplne jedinečnú víziu Masumury by tu bolo trestné - bez ohľadu na jej absenciu. Namiesto toho svoj film plní nádhernými scénami a boľavými pocitmi, ktoré klepú po postavách. Na štylistickej stránke Slepé zviera absolútne stúpa.

30. The Human Condition pt 3: A Soldier’s Prayer (1961)

Masakai Kobayashi má zničujúci záver svojej desaťhodinovej trilógie, The Human Condition part 3: A Soldier’s Prayer slúži ako vyvrcholenie všetkého, čo Kobayashi vyvíja, rovnaké časti sú pôsobivé a prepracované - ako u ostatných kúskov. Je škoda, že séria nikdy celkom neprekonala bezvýchodiskovú dĺžku knihy, ani vynútený humanizmus, ktorý občas dokáže zakomponovať do inak silnej podoby svojho režiséra: Bez týchto nakrútených momentov by sme však nikdy neboli obdarení ohromujúcou zbierkou nádherne realizovaných diel. scény, ktoré z nich mohli urobiť majstrovské dielo samy. Soldier’s Prayer nie je o nič delikátnejšie ako jeho predchodcovia - zmysel pre koniec však visí nad Kobayashiho prácou ako unavený úsvit túžiaci vziať nový deň s obnovenou zásobou japonského filmového priemyslu. Obrovský triumf epickej kinematografie, a čo je dôležitejšie, posledný krok bránou slávy, ktorá poskytla Kobayashimu bohatú umeleckú slobodu na nasledujúce desaťročie. Výsledkom bude, ako uvidíme, viac ako pár hodín praxe & hellip;

29. Dvojitá samovražda (1969)

Znepokojivo desivý prieskum tvorivého procesu, Dvojitá samovražda vidí drevenú bábkovú hru naštudovanú so zámerom, aby jej dve postavy skončili samy o sebe privedené k životu - s tieňovými figúrami, ktoré sa pútajú po javiskách a rozvíjajú svoj simulovaný príbeh. Horúčkovito strašidelný príbeh, keď padne fasáda a jej noční desiví kukláči uskutočnia svoje ďalšie kroky - súpravy sa často premenia v spojení s radiacou kamerou Masahira Shinodu, aby vytvorili neskutočne skreslený zmysel pre priestor. Mimo jeho mnohostranného umeleckého zariadenia je zápletka Dvojitá samovražda je relatívne konvenčné a nedokáže nájsť nijakú hlbokú pôdu - ale to je asi to, čo zaručuje jeho úspech: Shinodovo opatrné sondovanie do vlastného tvorivého bloku ako zvedavé démonické ruky ťahajú za okraje jeho vízie, aby bola presnejšia - a zároveň vykoľajila jeho zámery úplne. Či už ide o predstavenie jeho vnútorných bojov alebo pracovných síl, ktoré režisér nedokáže koordinovať - ​​dvojnásobná domýšľavosť Dvojitá samovražda presahuje svoju priemernú bájku pre filmový zážitok, ktorý si zaslúži 50 najlepších a viac ako ukážkový kolosálny talent Masahira Shinodu ako filmára.

28. Ring (1998)

Zatiaľ čo trochu podobné Ju-On dusí sa pod tlakom vlastného prázdneho tedia, Ringu prázdnota je jej najsmrteľnejšia zbraň. Presakujúce more ticha režiséra Hideo Nakata preniká a vniká do každej prechádzajúcej scény a zvýrazňuje každý hluk zvýšenou intenzitou človeka vystrašeného strachom pulzujúcim adrenalínom - bez ohľadu na to, ako scéna je svetská. A tak príslušné počítadlá zvuku, ako napríklad zvonenie telefónu, pretínajú ticho s nekompromisnou dravosťou. Z nej niet úniku Prsteň v ktorejkoľvek časti vašej mysle. Bez ohľadu na to, kam utekáte - hneď ako narazíte na hru, iba predlžujete nevyhnutné. Napokon, čo môže byť desivejšie ako smrť potvrdená našou nevyhnutnou zvedavosťou?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo ‘s Kuroneko Cíti sa ako pľuzgierová fatamorgána kompozitov hororových filmov, ktoré sú posiate dohromady a vytvárajú dokonale démonickú víziu absolútnej nočnej mory. Komplexná morálna dilema vriaca pod povrchom predstavuje nový pohľad na týchto nezastaviteľných duchov, na ktoré japonské hororové médiá od začiatku zarábajú - vytvárajú skutočný príbeh, ktorý prekonáva drsnosť predchádzajúcej Shinody Onibaba formovať niečo špeciálne. Je to zvodne natočené, esteticky pútavé dielo, ktoré premosťuje priepasť medzi realitou a zlovestnou fantáziou zreteľne súcitným okom - napriek tomu, že jeho subjekty zúria na plné obrátky. Nielen definitívny film J-Horror, ale aj klasika svetovej drámy z konca šesťdesiatych rokov.

26. Spirited Away (2001)

Animácii bráni málo, s čím by mohla plne konkurovať Spirited Away , aspoň v kreatívnom zmysle. Film je preťažený ohromujúcim morom jedinečných dizajnov a nezabudnuteľne vypracovaných postáv, ktoré sa hýbu a hovoria rovnako expresívne ako hlavné postavy. Podrobný vesmír, ktorý Hayo Miyazaki dokázal vytvoriť, podľa môjho názoru výrazne prevyšuje charakteristicky podivné rozprávanie a tempo jeho práce - nie nepodobné Akira v tom, že v náhodných intervaloch skáče dopredu a dozadu v poradí, aby sa vyhli materiálom v hodnote iného aktu; aj keď je to apatické nebezpečenstvo Spirited Away ocitne sa v tom, čo nám prinajmenšom umožňuje ponoriť sa do jeho živých výtvorov o niečo dlhšie.

25. Smrť obesením (1968)

V tomto zozname som nakrútil drobné poznámky k uznávanej režisérke Nagise Oshime a chápem infantilitu takéhoto postoja: Robím to však len preto, lebo tento skutočne talentovaný filmár sa tak často utápa v obsedantne preexponovaných filmových výstupoch. Porovnateľne konfrontačný reťazec ranej práce od Imamury je efektívny v jej základnom komentári ľudských emócií. Ale pri Oshime je tak málo ponechané na predstavivosť. Začínam veriť, že za tým nie je nič frustrujúco neobratné. To znamená, s výnimkou brilantne bizarnej Smrti obesením z roku 1968. Oshima, príbeh popraveného, ​​ktorý odmieta zomrieť, využíva svoj drsný, ale napriek tomu vnímavý objektív, aby upozornil na množstvo sociálnych problémov, vládnych zlyhaní a ľudských prejavov - to všetko zabalené do neustále vtipnej fraškovej komédie so sebavedomým sebauvedomením filmára tak často nešťastný, ako sa predtým Oshima zdala taká vzdialená. Nie predtým ani potom sa mu nepodarilo vyrovnať sa s týmto inšpirovaným výstrelom o treste smrti, čo je škoda - ale aspoň sme ho aspoň raz videli vidieť stúpať.

24. Utečenec z minulosti (1965)

Tomu Uchida ‘s Utečenec z minulosti je jedným slovom: Výnimočný. Prežívajúce filmy jeho dostatočne kompetentného režiséra sú jednoducho neporovnateľné s prácou, ktorá sa tu zobrazuje, hovoriac s akýmsi náhodným bleskom vo fľaši, pretože Uchida dostal presne ten správny príbeh, aby splnil svoj umelecký sľub. Utečenec z minulosti pozerá sa na násilie a smútok, ktorý si sám spôsobil, len málo filmov dokáže - meria jednak proti piesku času, ako steká, jednak sa viac postáv blíži k tomu, aby prinieslo božskú odplatu nášmu protagonistovi - jedinečne náročná postava, ktorá má zakoreniť pre alebo proti ako pokúša sa uniknúť z krvavej cesty násilia, ktorú vytesal cez Japonsko v ranom detstve. Nachádzam to Utečenec z minulosti je vo svojom uznesení tak mimoriadne silný a dokonca možno hlboký, že by som nemal povedať nič iné, ako to, samozrejme, vidieť čo najskôr.

23. Úskalie (1962)

Hiroshi Teshigahara je prekvapujúci celovečerný debut, Úskalie spája žánre s sebavedomím a precíznosťou staršieho majstra - tým menej režiséra, ktorý predtým spracovával iba dokumenty. Zatiaľ čo sa trochu snaží udržať svoj príbeh pútavý celých 97 minút - čo Úskalie ponuka preváži akékoľvek problémy s jej naratívnym prevedením. Pohrávanie sa s našim vnímaním reality zmiešaním vrahov, fantómov a neskutočných obrazov - Úskalie je často desivý, pretože jeho mnoho postáv sa zúfalo pokúša odraziť svojho nezastaviteľného útočníka: Normálny muž oblečený v bielom obleku oháňajúci sa vystreľovacím nožom. Ľudstvo Teshigaharovho príšerného vraha funguje ako prvý z mnohých spoločenských komentárov, ktoré jeho diela vytvárajú len pre svoj obraz - nikdy neobetujú čas ani dôveryhodnosť, aby posunuli bod domov. Chýba jej ľavicové sklony, Úskalie si zachováva svoju silu príťažlivého filmového zážitku: Predstavuje niekoľko šokujúcich scén, ktoré hovoria jasnosťou a remeselnosťou Teshigaharovej metódy, keď vstrekuje aj tie najpozoruhodnejšie okamihy širokou škálou emócií, ktoré tak voľne tancujú okolo seba - spája sa od humoru po horor tlkot srdca. Len málo debutujúcich si tak dôkladne vedelo o kariére svojho pána.

22. Tokio Twilight (1957)

Posledný čiernobiely film Jasujiro Ozu, Tokyo Twilight’s mýta ako kontextová elégia k mužovým monochromatickým výstupom, ako aj ako pravdepodobne jeho najtmavšia vlastnosť. Ozuov pozoruhodný odklon od jeho vlastného pravidla 360 stupňov namiesto toho, aby sedel za postavami, ich namrzené tváre nahradené ohromne prázdnou, studenou hlavou vlasov, je majstrovským odklonom od jeho charakteristicky blokovania a kompozície pre ďaleko pochmúrnejšiu záležitosť - ktorá odráža jeho neústupná situácia kľúčových hráčov. Tokijský súmrak berie podnety z hollywoodskeho noiru so svojimi pretrvávajúcimi tieňmi a blatistými, nedokonalými štádiami, aby vytvoril všeobecne neodpustiteľný, v konečnom dôsledku bezcieľny filmový svet, ktorý svojimi pochmúrnymi emocionálnymi paralelami ovplyvňuje našu vlastnú spoločnosť, a nie neprimeranou dystopiou, ktorá by časom určite stratila lesk. Výnimočný, bohato podtienený klenot.

21. Heuréka (2000)

Najdlhší jediný film na tomto zozname, S’s Heuréka sa tiahne ďalej pre s- a mám pocit, že by bolo neodpustiteľné prezradiť ktorúkoľvek z jeho dejových línií. Dokonca aj pre najbohatší rok v poslednej filmovej pamäti Heuréka stále patrí medzi najjemnejšie snímky z rokov 2000 - a skutočne za celé desaťročie: slávnostný, vizuálne úderný a jedinečne & hellip; Japončina portrét smútku. Iba v takej krajine sa dala taká triezvosť a pôsobenie na melanchóliu spojiť s hmatovým prúdom humoru, ľahkomyseľnosti a nechcene vítaného absurdizmu - to všetko votkané do dvíhajúcej sa tapisérie ľudských emócii, ktorú jednoducho treba vidieť. Nečítajte nijaké zhrnutia - Nepozerajte sa do nich - Stačí sa len pozrieť Heuréka .

20. Vengeance is Mine (1979)

Režisér Shohei Imamura je vynikajúca postava nedôstojného filmu. Jeho temné, poškodené postavy a konfrontačne nabité situácie vyjadrujú nehanebnú fascináciu korupciou ľudskej duše. Vengeance is Mine transponuje správu Ryūzūo Sakiho o skutočnom sériovom vrahovi Akirovi Nishiguchimu s príšernou sofistikovanosťou: Predstavuje hlboko násilnú, sociopatickú a napriek tomu nezameniteľne skutočnú ľudskú bytosť so všetkými našimi výstrednosťami, ktoré vytvárajú jeho hniezdo amorálneho zničenia. Imamurova stimulácia je v rozpore s prúdom, podľa mňa, ale zistil som, že v tomto prípade si príbeh vyžaduje predĺženú dobu chodu a nakoniec poskytne jedinečne metafyzické rozlíšenie takémuto brutálnemu dielu - volanie po vetre a zemi samotnej vynesú posledný rozsudok.

19. Yojimbo (1961)

V ríšach akčného kina sa nám čosi podobá Yojimbo . Kurosawovo milé používanie leitmotívu je prameňom kroku jeho postáv a pracuje rovnako ako pri napätí, rovnako ako pri Morriconovom skóre. Ostré akčné sekvencie sú do istej miery otupené chabým zvukovým dizajnom a ocenením verejného tónu - niečo švihne ako Meč skazy a Atentát nemajú problém s - ale to, čo dáva na oplátku, je neustále komediálny pohľad na základňu Red Harvest - Mifune, ktorý vydáva klasické predstavenie, ktoré srší fyzickou osobnosťou a vtipom, a je základným kameňom pravdepodobne najlepšej priamočiarej hry akčný film, aký bol kedy natočený.

18. Konkurz (1999)

Konkurz je film s horúčkovito presnou kontrolou svojho vlastného tónu. Inak úspešný Takashi Miike si urobil meno na pozadí plodnej, občas plodnej kariéry, ktorá dala život kľúčovým klasikám ako Návštevník Q a Oko - ale málo o jeho režijnom štýle navonok vyjadruje sebadôveru a akútnu zručnosť potrebnú na to, aby sa niečo podarilo tak odvážne skrútiť ako Konkurz . Miikeov opus, ktorý je oveľa vyspelejší ako ktorákoľvek z jeho okolitých prác, skúma jednoduchý predpoklad s brutálnym a efektívnym účinkom: Každý jemný okamih zašpiní lákavo pochmúrnou paletou a strašidelným chodením, ktoré každú scénu postaví na hranu žiletky a niečo, čo sa strašne pokazí. Konkurz predstavuje hypnotizujúci vrchol tohto nekonečne obdivuhodného japonského pohodlia so žánrovou tvorbou filmov: Odhaľuje svoju krištáľovo čistú záhadu a transcendentálne šokuje. Vidieť znamená veriť.

17. Ran (1985)

Najznámejšia Shakespearova adaptácia Kurosawy - ak sa v mojej mysli vzdám príliš veľa svojej inšpirácii. Kráľ Lear je bezchybný kus písania - na obrazovke však zaostáva za pomalým mletím, ktoré nedokáže zachytiť ohromujúci pocit, ktorý je prvých 85 minút. Od začiatku do nepochopiteľne hlbokej obliehacej sekvencie Ran je majstrovské dielo: Plátok filmového umenia, aký nemá vo viac ako pôsobivom kurosawskom diele Kurosawy obdoby a do top 10 nepochybne vstupuje. Ale po tomto majstrovsky zvládnutom budovaní a výplatách Kurosawa pokračuje v rozprávaní o kráľovi Learovi spôsobom, ktorý presakuje zdĺhavo - apatický a plochý napriek úsiliu dokonale zohranej darebáčky Lady Kaede. Je to skutočná škoda Ran premrhá toľko potenciálu, v mojej mysli tak či tak na vernosť - ale aspoň žiarovkový plameň prvej polovice horí dostatočne jasne, aby si zaistil svoje miesto v top 20.

16. Princezná Mononoke (1997)

Príťažlivosť temnej fantasy Haya Miyazakiho nikdy nebola obzvlášť zložitá. Akýkoľvek film so správou zvyčajne nedokáže sofistikovaným spôsobom komunikovať a ako výstižne uviedol Orson Welles: „Dalo by sa to napísať na špendlík“. Tupé a do očí bijúce posolstvo Princezná Mononoke , však znie v srdci o niečo pravdivejšie ako v mysli. Miyazakiho starostlivo vybudované rozdelenie medzi mužmi a príšerami vedie k fascinujúcemu porovnaniu s tým, ako starí ľudia videli náš svet - a ako by raz nevyhnutný kolaps ich civilizácií mohol zrkadliť ten náš. Mystika a mystika jeho postáv je jadrom, ktoré umožňuje Mononoke prekonať úskalia tradične neplatných správ - vkĺznuť do slova všadeprítomným spôsobom bez prerušenia, pričom každá akcia ho gravituje a posilní tak filmový dopad toho, čo je na obrazovke. Vzájomný vzťah, ktorý sa tu zobrazuje, hovorí o hlbokom talente režiséra Haya Miyazakiho ako filmového tvorcu - a že jeho práca je viac než oslnivá nepokoje.

15. Jesenné popoludnie (1962)

Myslím, že aby som sa k tomu vyjadril Jesenné popoludnie , by bolo na mrhanie dychom, ktorý som už strávil skúmaním filmu, ktorý Ozu nakrútil viac ako desať rokov predtým, ako tu účinne prerobil na svoj posledný film. Jesenné popoludnie je rovnako elegantné, jemné a melancholické - riadenie rozvíjania niekoľkých konceptov uvedených v prvom filme a ich rozširovania. Odchyľuje sa od niektorých prvkov originálu, aby sa zameral na iné myšlienky - čo umožňuje vzácnemu umelcovi vzácnu príležitosť zapojiť do rovnakej formy podobné hĺbky. Ozu strávil celú svoju kariéru tvorbou veľmi podobných filmov, napriek tomu by dokázal zakaždým ťažiť v nových oblastiach ľudskej interakcie - produkovať jedny z najlepších filmov, aké kedy boli natočené. Muž po sebe zanechal také úctyhodné dedičstvo a mohol tak ukončiť svoj beh, ako chcel. Jesenné popoludnie je dokonalou súčasťou jeho trblietavej tvorby.

14. Krvavý trón (1957)

Majstrovská adaptácia, ak vôbec nejaká bola , Trón krvi vezme Shakespearovho bezkonkurenčného Macbetha a sfalšuje umelecký text, ktorý stojí na svojom. Kontrolovaný a zničujúco ľudský zostup Toshiro Mifune do vražedného šialenstva zostáva jednou z jeho najlepších rolí - a sám Kurosawa si do svojho filmu pridáva výnimočné obrazy, ktoré takmer nie sú na mieste, a režiséra odlúčeného od centralizovanej ikonoklastickej praxe. Napriek tomu je to obraz z Krvavý trón vďaka tomu je tak masívny. Takže strhujúce a nadprirodzené. Vrcholný útok vidí jeden z najlepších záverov postáv, aké boli kedy natočené, a cementuje ho ako umelecké dielo, ktoré sa akosi úplne vyhýba impozantnému tieňu svojej materskej hry.

13. Tokijský príbeh (1953)

Keď už hovoríme o pamätihodnostiach z 50. rokov, existuje len málo filmov, ktoré tak nespochybniteľne vedú vaše ašpirácie filmára ako Tokijský príbeh . Trblietavý vrchol bezchybnej filmografie Jasujira Ozu, vždy v jeho najlepšej podobe, je to film, ktorý využíva odzbrojujúco jednoduchý filmový jazyk na dosiahnutie prenikavých a intímnych efektov. Publikum sa posadí k postavám - tichým voyeurom do rodiny, ktorá pomaly vylučuje postupne degradujúcu staršiu generáciu z ich života. Ozu umožňuje všetkým svojim postavám hlas, skladá elegantné a pôsobivé okamihy odhalenia a fotoaparátom pohne iba raz a celých 136 minút. Neexistuje objektívny „najväčší“ alebo dokonca „skvelý“ film, ale pre tých z vás, ktorí si na základe týchto stránok vyberajú, čo pozerať, musím dodať, že Tokijský príbeh je NAJLEPŠIE hodnoteným dielom na Rotten Tomatoes s neuveriteľným priemerom 9,7 skóre. Stačí povedať, že je to trpezlivý, reflexívny pohľad na život a vek sa nesmierne dotkol mnohých - a zaručuje každému, kto si tento zoznam prečíta, aby to skúsil sám.

12. Požiare na rovine (1959)

Od Kon Ichikawy, pravdepodobne najpútavejšie humanistickej postavy povojnového japonského filmu, Požiare na rovine rozpráva príbeh jedného muža strateného uprostred prehratej bitky v horúčave druhej svetovej vojny. Je to film odvážny vo svojej osamelosti - zobrazuje vojnové situácie v prázdnej krajine neprítomnej v živote a prekypujúcej prázdnotou hrôzy. Každý roh nesie ďalšiu odysejskú postavu, ktorá bude sprevádzať alebo ničiť nášho zvetraného hrdinu. A rovnako ako v prípade Homérovej epickej básne, aj Ichikawovo uchopenie väčšieho obrazu vytvára husto emotívny svet, v ktorom je náš hrdina skladačkou, ktorú generáli posúvajú a motivujú ďaleko od predných línií. Je to film, ktorý zaváňa vlastnou izoláciou, chýba mu domov a terorom prežitia ho vedie k amorálnym činom. Majstrovská práca kurióznej, ale napriek tomu dôležitej osobnosti odvetvia v 50. rokoch.

11. Samurajské povstanie (1967)

Kľúčovou silou drámy Masakai Kobayashiho je to, že mu umožňuje vrieť takmer k chybe. Jeho precízne kompozície a bezchybne načasované akcie krúžia čoraz ťažšie okolo centrálneho konfliktu - stláčajúc každý centimeter dýchacej miestnosti, kým nezostane len potreba konať - základný prínos pre stále prítomné ideály morálky jeho postáv. V Samurajské povstanie , samotný akt je po ruke aj po prečítaní názvu, ale muž na ňom hrá pre každé druhé pichajúce publikum s drobnými záchvevmi k prvému vytiahnutému meči, až kým sa nakoniec nerozhodne v trpkej, brutálnej a nakoniec krvavej afére, ktorá pokračuje u nemilosrdných prísnosť Kobayashiho sa darí tak dobre: ​​Neporovnateľná schopnosť tak postaviť konečnú nevyhnutnosť situácie jeho postáv, ako aj vcítiť sa do nich na každom kroku. Práve v povstaní samurajov dosahuje tento selektívny humanizmus najvyššie evokujúce výšky - a vydáva sa za kariérny vrchol jedného z najväčších japonských umelcov.

10. Eros + masaker (1969)

Zo všetkých režisérov novej vlny synonymom psychosexuality sa nikto nikdy nevyrovnal vzrušujúco zabezpečenému labyrintu diabolskej tvorivosti Yoshishige Yoshida. Naproti tomu Oshima a Imamura iba fičia na rovnakých predmetoch, jeden je presvedčivejší ako druhý, iba Kiju sa im podarilo prekonať jadro ich existenčnej kontemplácie takým ohromne filmovým chvastúňom. Nie, kde je toto hypnotizujúce zvládnutie psychosexuálneho rozprávania a estetiky, ktorú vyvoláva, hojnejšie ako v r. Eros + masaker , Yoshidovo epické 215 minútové avantgardné podobenstvo, nepochopiteľná eufória zo zraku, zvuku a hmatateľného dotyku ...

9. Môj sused Totoro (1988)

Záblesk kúzla detstva je film Môj sused Totoro filmom bez hraníc. Až nakoniec som to objavil vo veku 18 rokov, ale je to neuveriteľná krása a schopnosť údivu ma opäť raz pozvať do mladšej mysle - alebo možno len menej cynickej. Časté ťažké bremeno ľudských skúseností nás necháva buď požadovať únik alebo túžiť po pokračujúcom realizme, ale to, čo robí Totoro, ktoré ho povyšuje nad akúkoľvek inú animovanú funkciu, aká sa kedy urobila, je úplne ignorovať túžby svojich divákov a predstaviť príbeh, ktorý vám namiesto toho umožní prísť na lákavá svojím sviežim vizuálnym dizajnom, skákacími postavami a objavovaním skrytých pokladov prírody popri jej vodítkach. Namiesto apelovania na dieťa, ktorým sme kedysi boli - Totoro si dovoľuje preniknúť do širšieho pocitu dobrodružstva a nádeje investovanej do hlbšieho tajomstva našej planéty. Odmenou za takúto vieru je trblietavý diamant Japanimation: svetelný, univerzálny a absolútne podstatný.

8. Tvár iného (1966)

Príšerne epochálna diagnóza moderného života prostredníctvom ticho trénovaných nitkových krížov temnej fantázie skúma Tvár druhého, ktorý skúma skúsenosť znetvoreného muža po tom, ako jeho zázračná nová tvár začne premáhať jeho starú osobnosť. Teshigaharova tvorba je vždy natoľko jemná, aby sa javila na dĺžku paže, zatiaľ čo sa ticho drží pod kostrovými prstami a jeho majstrovské dielo z roku 1966 sa najviac blíži k odhaleniu jej skutočnej podstaty: Prináša zlovestné kompozície režiséra a drsné hororové snímky priamo do metropoly a hľadí do jej miest. priepasť s rovnakým oddeleným zrakom, ktorý tak živo o desať rokov neskôr oživil Travisa Bickleho v Taxikári. V rovnakom roku dielo pre súperenie s Personou a zatmenie sekúnd pre jeho náročnú provokáciu túžby, osobnosti a identity - Tvár iného je životne dôležité kino: Vysoký triumf Teshigaharovej metódy a dielo tak pevne navinuté do svojej bezchybnej práce myšlienok a atmosféry, bolo by trestné prezradiť ďalšie zo svojich tajomstiev. Presvedčte sa sami ...

7. Rashomon (1950)

Jedna z mojich osobných brán do svetového filmu, Akira Kurosawa’s Rašomon sa stala natoľko neoddeliteľnou súčasťou filmovej kultúry, že bola zavedená do jazyka s cieľom opísať psychologický efekt, ktorý majú postavy: Každá z nich poskytuje protichodné svedectvo o hroznom prípade znásilnenia / vraždy. Vitalita Kurosawy je na plnom displeji. Je priekopníkom v oblasti kamerových techník, ako je snímanie priamo na slnko a zahalenie lúčov lístia, takže každá scéna v lese je rovnako abstraktná ako jej náprotivok pred súdom. Odzbrojujúca jednoduchosť systému Rashomon’s neodolateľný dejový hák vytvára priestor pre komentovanie ľudskej pravdy, morálky a bohatého filmového zážitku so známymi prejavmi zúrivého mečiarizmu Kurosawu. K dialógu okolo Rašomona nie je čo dodať, okrem toho, že sa stále cíti desaťročia pred svojou dobou. Je možné si len predstaviť ten pocit, že sa na to pozrieme v roku 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri je asi také silné ako filmy. Režisér Masakai Kobayashi, ktorý otvoril snímku asi tak ovplyvňujúcou, ako by si človek dokázal predstaviť, vytvoril fenomén, ktorý zostáva jedným z najoceňovanejších filmov všetkých čias: Poradie medzi najdokonalejšími filmami na veľkej väčšine používateľských stránok napriek tomu, čo som mal ako prvé predpokladané ubúdajúce odvolanie. Je to starostlivo trpezlivo a inšpiratívne skúmané japonské kódex vyznamenania - stále pútavá rana v povojnovom roku 1962, ku ktorej Kobayashi nepristupuje iba ako k krajanovi, ale aj ako k ľudskej bytosti. Vyliala sa každá kvapka krvi Harakiri hovorí o trýznivej nenávisti umelca k smrti a násiliu: Skoro akoby ho bolenie uvádzalo na plátno taká brutalita. V dnešnom svete je také neoblomné ľudské smerovanie priam božské - a funguje ako kľúčový kameň pre záver filmu. Bez oddanosti všetkých zúčastnených Harakiri by sa zabudlo ako na ďalšiu gýčovú drámu, pevne vypracovanú, ale inak pokornú. Harakiri dnes tu sedí, pretože Masakai Kobayashi sa stará viac, ako by ste si dokázali predstaviť, a myslím si, že vo svojej vlastnej ostrej, blaženej elegancii ho zaraďuje medzi najväčšie filmy 60. rokov.

5. Sedem samurajov (1954)

Najuznávanejší film, ktorý kedy vyšiel z Japonska, Seven Samurai prepálil na médiu nezmazateľnú stopu a dodnes si drží korene v dnešnom akčnom kine. Kurosawa dažďom zaliaty vrchol viacerých kamier celkom nezatienil prorockú hĺbku obliehania hradu Ran, ale naďalej informuje o spôsoboch, ako zostrihávať akčné sekvencie, aj keď si súčasní redaktori nevšimnú jeho vplyv. Ďaleko nad jej pretrvávajúcou kultúrnou silou leží presvedčivá charakteristika Sedem samurajov: Vytvorenie celého sveta bohatých postáv nesmierne pomohlo vďaka precíznej metóde rozšírenia Kurosawovej aj na tú najmenšiu časť, aby bola jeho vízia feudálneho Japonska čo najzaujímavejšia. Tento skutočne remeselne pripravený téglik majstrovskej akcie a svetelného rozprávania príbehov vedie k prvotriednemu filmu, ktorý ovplyvňuje, elektrizuje a nakoniec v nás zanecháva rovnako odvážny a silný filmový koniec, aký som kedy videl. Zaslúžená stálica na panteóne medzinárodného filmu.

4. Bledý kvet (1964)

Nebyť iba dvoch slov roztrúsených do zoznamu skvelých japonských filmov, meno Masahiro Shinoda by sa od tohto zoznamu neprekĺzlo do desiatich stôp. Keď vezmeme do úvahy jeho príspevky do veľkej japonskej kinematografie, je to priam plačúca hanba - a myslieť si, že také majstrovské dielo výskumu takmer uniklo, znamená povedať niečo o tom, koľko filmov tam vonku žiada, aby boli znovu objavené. Pochválený za vydanie a potichu uvedený do zbierky Criterion Collection, Bledý kvet je jedným z najväčších kriminálnych filmov všetkých čias. Jednoduché sledovanie hráča a jeho novoobjavenej lásky upadá do beznádejnej špirály degradácie a rozptýlenia - zostáva jedným z najodvážnejšie temných a vizionárskych diel, ktoré uniknú z úst japonskej novej vlny: ostro zabijáckej zarámujte jeden na záver a získate rovnako transcendentálny filmový efekt ako každé menej extrémne dielo Ozu alebo Kurosawu. Shinoda nebude nikdy považovaný za jedného z velikánov, prinajmenšom od širokej verejnosti, ale dúfam, že bude prinajmenšom to, že ľudia sú nútení objavovať jeho kino z tohto téglika kriminálnej dokonalosti: Dielo také surové a nespútané ako nadmerne stimulované kroky nadmernej kontrakultúry a zároveň tak veľmi jemné a kontrolované ako akýkoľvek film, ktorý som kedy videl. Je to pedantné, zázračné a neodbytne podceňované. Opravte to.

3. Žena v dunách (1964)

Keby Kiju Yoshida a jeho Eros + masaker je šampiónom špičkovej psychosexuality - potom Hiroshi Teshigahara’s Žena v dunách je mýtický v porovnaní. Takmer zlomyseľná metóda Teshigahary, ktorú prevzal od dlhoročného spolupracovníka Kōbō Abeho, zdrojový román, je tu najchabejšou a mučivejšou metódou. Tlmené svetlá potlačeného ľudstva presvitajú cez posúvajúce sa piesky, ktoré obklopujú našich dvoch potešených protagonistov - ľudí nútených do najprimitívnejšieho stavu bytia kvôli roztrpčenému prežitiu. Skutočne v Žena v dunách , odolnosť je podanie. Nič nie je sväté. Nikde nie je bezpečné pred krutými očami takmer všadeprítomných dedinčanov, ktorí odsudzujú našich hrdinov do ich pekelnej jamy. Je to perfektný koncept, ktorý bezchybne filmovo realizuje Hiroshi Teshigahara, a zároveň produkuje to, o čom by som tvrdil, že je najúčinnejším skóre legendárneho skladateľa Toru Takemitsu. Spojenie troch neuveriteľne sebavedomých umelcov v rovnakom duchu ako De Niro, Scorsese a Schrader Taxikár - Žena v dunách je jeho vlastná, rovnaká časť človeka a nevyhnutne hrôzostrašné zviera. Otrasné a nevyhnutné umelecké dielo.

2. Neskorá jar (1949)

Neskoro jar je zjavenie modernej monotónnosti: Exorcizmus démonov, ktorý si toto miesto a čas vyžaduje, je potrebné nielen držať pod zámkom, ale aj skryť, akoby neexistovali. Aj keď bolestivá túžba vyjadriť tieto hrôzy nie je nikdy úplne nespútaná, môžeme ju spoznať v rohu každého oka, medzi slovami každého riadku a často ticho bzučať v strede každej miestnosti. A tak pre svet tak povrchne presýtený zubatými úsmevmi a jemnými melódiami - Ozu’s Neskoro jar tiež v sebe ukrýva atmosféru úplného zúfalstva: Strach, že nebudeme akceptovaní - že každý výraz by mohol viesť k porážke, a preto je lepšie kurz nazvať neodvolateľným namiesto toho, aby sme využili šancu a postavili sa do stredu koľají. Jeho jadrom je jeho vracajúci sa skúšobný kameň stretávajúcich sa generácií Neskorá jar starostlivo spracovaná dráma, ale myslím si, že tu je viac ako ktorékoľvek z jeho ďalších diel (alebo snáď akýkoľvek film z okolitých desaťročí): Ozuovi sa podarilo nájsť dokonalý koniec. Dosiahnuť jasné zhrnutie vašich tém a pocitov vašich postáv nie je ľahký výkon, o to viac nájsť okamih tak výnimočne rozbitého, aký sa tu zrodil, a preto navrhujem všetkým, aby sa hýbali dramatickým písmom, réžiou, produkciou alebo len tak. cinephilic úrokové palice Neskoro jar priamo v hornej časti ich zoznamu sledovaných. Verte mi: Postaví vás to.

1. Vysoká a nízka (1963)

High & Low je vo svojej podstate nemožný filmový počin. Tiahne sa po nepolapiteľnom prvku s takým konfliktným jadrom, že sa zdá, že nie je čo nájsť. Na povrchu mu chýba vycibrená, ale napriek tomu ohromná sila Sedem samurajov, ako aj pomaly horiace peklo, ktoré na konci neskorej jari zúri v umrtvovacom tichu. Pravda, High & Low spája oboje: Šliapanie tak predbežne uprostred svetských ľudí zo strachu, že narazia na viac chorôb, skazenosti a závislosti - na viac chamtivosti a žiarlivosti a nemilosrdnej amorálnosti okolo toho, čo nekonečne vyteká za každým rohom ulice. Je to film vydesený tým, čo vidí v ľudskom stave, niečo, čo Kurosawu tak bolestivo trápi pri uvedení na obrazovku - a práve jeho kolísavý prúd tvorivej sebarepresie si zaisťuje jeho úctyhodný význam. High & Low má odvahu vyrovnať sa s úplnou beznádejnou banálnou krutosťou, ktorá sa skrýva v našich srdciach - nad tým, aký škaredý a ohromujúci je celý svet v jeho nasýtení bezduchou samoobsluhou. Možno, že sa to konečne podarí a spoznáme, staneme sa v tomto procese lepšími ľuďmi. Je schopný pochopiť, že je dobré sa báť, pokiaľ akceptujete prítomnosť nevysvetliteľného. Nevratné. To, že nakoniec jediná útecha, ktorú kedy nájdete, je odpustenie. Ak sa chystáte pozerať akýkoľvek film z tohto zoznamu, vyskakujte z cesty: Vytvorte tento.