18 najlepších existenčných filmov všetkých čias

„Existencializmus“ je pojem, ktorý vytvorili európski filozofi z konca 19. a 20. storočia a ktorí verili, že filozofické myslenie začína ľudským subjektom - nielen subjektom myslenia, ale aj činom, cítením a živým ľudským jedincom. Podľa nich ľudia hľadajú, aby zistili, kto a čo sú po celý život, keď sa rozhodujú na základe svojich skúseností, viery a vyhliadok. Áno, viem, že je to komplikované. Zjednodušene povedané, „existencializmus“ je filozofia zaoberajúca sa hľadaním seba a zmyslu života prostredníctvom slobodnej vôle, voľby a osobnej zodpovednosti.

Nižšie je uvedený zoznam najlepších existenčných filmov, prostredníctvom ktorých sa ich tvorcovia snažili pochopiť, čo znamenajú existujúce na tomto svete. Nakoľko naše skúsenosti formujú naše viery? A je život skutočne nezmyselný? Toto je niekoľko z mnohých otázok, ktoré si tieto filmy kladú. Ktorý z týchto najlepších osvetových filmov je váš obľúbený. Mimochodom, niektoré z týchto najlepších existenčných filmov môžete streamovať na serveroch Netflix, Hulu alebo Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Film Birdman, ktorý srší surovou energiou, pohráva sa s filmovým umením, ako ho poznáte, a dáva mu nový rozmer. Je to prekvapenie, výzva a oslnenie; niekedy naraz. Je to vzrušujúce a vzrušujúce a zážitok, ktorý by ste s najväčšou pravdepodobnosťou v kinách nikdy nemali. Žieravý a temne zábavný pohľad na kultúru slávy a slávnosť celebrít v dnešnej dobe Facebooku a Twitteru sa vysmieva tým, ktorí sú väzňami svojho vlastného imidžu. Nakoniec je to film o hercovi, ktorý prechádza existenčnou krízou.

17. Synecdoche, New York (2007)

„Synecdoche, New York“ je ťažko sledovateľný film, ba až žalúdok. Nie je to niečo, čomu je potrebné rozumieť; filmy ako tento je potrebné pozorovať, cítiť a premýšľať o nich. Intenzívne mozgový, často šokujúci výraz „Synecdoche, New York“ by nelákal každého; je to oslava všetkého, čím umelec túži byť, a napriek tomu je to v konečnom dôsledku tragédia, ktorá ukazuje odvrátenú stranu umeleckých ambícií, kde sa skutočné stretáva s nereálnym a vrhá umeleckú myseľ do temných hlbín neistoty a depresie.

16. Osoba (1966)

Je ťažké pridať film ako ‘Persona’ do akýchkoľvek žánrových zoznamov kvôli úplnej hĺbke a nejasnostiam tém, ktorým sa film venuje. „Persona“ je film, ktorý je otvorený mnohým interpretáciám a je stále široko diskutovaný, diskutovaný a analyzovaný kritikmi, vedcami a činiteľmi z celého sveta. Film rozpráva príbeh dvoch žien, zdravotnej sestry a jej nemého pacienta a desivé zväzky ich zvláštnych osobností. Film skúma ľudskú identitu, stiera a otriasa naše vnímanie snov a reality a ponorí sa do najhlbších a najtemnejších stránok zložitej ľudskej psychiky a bizarných fantázií, ktoré ju obklopujú. „Persona“ je hlboko intímna a osobná skúsenosť a je čistým dielom filmovej poézie.

15. Taxikár (1976)

„Taxikár“ rozpráva príbeh vietnamského veterána emocionálne stroskotaného na jeho živote zahalenom samotou a biedou. Film „Taxi Driver“, ktorý je zameraný hlavne na charaktery, predstavuje úžasný herecký výkon Roberta De Nira, ktorý zobrazuje zostup človeka do šialenstva, keď vidíme, ako ho ťahajú končatiny ľudskej temnoty. Možno Travis Bickle bol kedysi milým a očarujúcim človekom a práve vďaka vojne sa cítil cudzo vo svete, ktorý bol kedysi jeho domovom. Jeho neschopnosť a zúfalstvo prichádzať do styku s ľuďmi a ustavičný boj o to, aby zapadol do bizarného, ​​príšerného sveta, ktorý je plný vrážd a priestupkov, predstavuje hlboko znepokojujúci temný portrét ľudskej duše.

14. Jar, leto, jeseň, zima… a jar (2003)

„Jar, leto, jeseň, zima… a jar“, účtovaná ako najlepšie dielo stajní juhokórejského autora Kim Ki-duka, je príbehom, ktorý rozpráva o živote budhistického mnícha, keď prechádza rôznymi etapami život. Film možno považovať za metaforu trvalej kontinuity a cyklického charakteru ľudského života. Po ceste tiež skúma témy lásky, obety, oddanosti, ústrania a vernosti. Film, ktorý je známy tým, že má veľmi málo dialógov, má hlboko kontemplatívnu povahu a privedie divákov na pokojný výlet.

13. Siedmy kontinent (1989)

Nazvať hororový film Michaela Hanekeho „Siedmy kontinent“ mi znie veľmi zle, ale tak ho označuje väčšina ľudí, ktorí ho videli. Je ťažké s nimi polemizovať, pretože pri prezeraní tohto filmu sa človek cíti beznádejne, depresívne a vystrašený. Pokiaľ ide o rodinu, ktorá nenávidí svet a život všeobecne, má táto klasika z roku 1989 chladný a vzdialený postoj k ďalšej izolácii troch hráčov od zvyšku spoločnosti, čo pomaly, ale isto spôsobuje, že diváci k nim hlboko cítia, že sú ich existencia naberá temný smer. Ako jeden z najrušnejších filmov, ktoré kedy zdobili strieborné plátno, Hanekeho debutové dielo diváka posmeľuje a nikdy ho neopustí. Ak to diváci nazývajú hororovým filmom, robí to tým, že odkazuje na strašidelný film, ktorý sa nepodobá inému. Pokrytý nejednoznačnosťou a realitou Siedmy kontinent je osobné, intímne a hrôzostrašné prerozprávanie skutočného príbehu, ktorý vás nechá v tichu, pretože minimálne na pár minút po jeho ukončení nebudete schopný vysloviť jediné slovo.

12. Duch úľa (1973)

Španielsky majster Victor Erice pred odchodom do dôchodku nakrútil iba tri celovečerné filmy. Jeho filmy ako El Sur, Quince ‘Tree of the Sun’ a najmä Spirit of the Beehive, jeho nedefinovateľný debut, sú stále nažive a všetci si prajú, aby filmy natáčal stále. Parabilická rozprávka o dvoch deťoch, jedno s nevinnou, často zmätenou fascináciou skúmajúce jeho existenciu, druhé posadnuté filmom „Frankenstein“, ktorý hral v miestnom divadle. Jeho mystifikujúci portrét španielskeho srdca zanecháva Ericein charakteristicky neutrálny smer v lákavej nejednoznačnosti - zriedka sa púšťa do filmovej metódy v prospech tichého pozorovania. Výsledná práca je zmätočná, pohltivá a nechá vás premýšľať nad skutočnou záhadou samotného života: jeho nezodpovedateľnými otázkami, jeho veľkými záhadami a ich mätúcou nenapadnuteľnosťou. Aby sme vás opustili úplne zničeného alebo neporovnateľne dojatého, niet pochýb o tom, že pre obidva extrémy bude „Duch úľa“ dôležitá skúsenosť.

11. Satan Tango (1994)

Keď som ho prvýkrát uvidel, zhypnotizovalo ma rozľahlé a úžasné majstrovské dielo Bélu Tarra. Jeho pragmatický zmysel pre skutočný svet a trpezlivosť sú jeho určujúcimi vlastnosťami. Pozoruje viac, ako odráža a uvažuje o tom, ako podáva úhľadne sformulované vyhlásenia. Jeho mýtický, pochmúrny realizmus je príliš dobrý na to, aby bol pravdivý, a príliš brutálny na to, aby sa dal realizovať s takým okom pre krásu. Všetko, čo som si prial urobiť, bolo zavrieť všetky svoje okná a zahaliť sa do tmy, pretože film pre mňa bol ako ten blázon v kostole a jeho kvílenie malo príliš veľký zmysel. S potešením oznamujem, že „Sátántangóove“ chytré spoločenské a politické úvahy mi začali byť jasné, keď som sa k nim opakovane vracal.

10. La Dolce Vita (1960)

Felliniho opatrný, trpezlivo a poeticky zmäkčený virtuóz sa naplno ukazuje v jeho víťazovi Palme d’Or, ktorý vo svojom oduševnenom a temnom pôvabe zachytáva spôsob života, ktorý sa javí príliš nepolapiteľný a v niektorých ohľadoch až príliš reálny. Jeho tempo zdôrazňuje zmysel bezcieľnosti hlavného hrdinu a núti nás kúpať sa v symfonickom usporiadaní živosti života a toho, aké je to všetko prchavé. Tento hlavný hrdina hrá najlepší v kariére Marcello Mastroianni, ktorý tento dar času využíva na to, aby naplnil jeho oči neodolateľnou únavou zo sveta. Spochybnenie významu určitých častí sekcie „La Dolce Vita“, ktoré sa môžu zdať bez filozofického významu alebo naratívnej relevancie, spočíva v odmietnutí možnosti nechať na vás prenikať pikantné podrobnosti a následnom zvažovaní následkov. Keď nás nebeské skóre Nina Rotu prenesie do závratného sveta Ríma, videného Felliniho iluzórnym okom, uvidíte iba to, čo chce, aby ste videli, a rýchlo sa stane aj tým, čo chcete vidieť vy.

9. 8 1/2 (1963)

Felliniho číra elektrina môže využívať tieňované gravitácie Marcella Mastroianniho a môže byť ohromujúca. Zostávate vo svojom vnímaní konkrétneho okamihu a spoznávate jeho dusné bohatstvo, až keď zistíte, že filmár prešiel k inej trepotavej, delikátne pripravenej sekvencii. Jeho predstavy o umelcoch a ich zmätenej, smiešnej posadnutosti samými sebou sa môžu javiť ako datované - alebo ešte horšie, irelevantné -, ale drzosť ich konštrukcie a prejavu sa u nás nikdy nestratila. Očaruje nás a očarí, nikdy nám nedovolí odtrhnúť oči od toho a potom prekĺzne pomedzi prsty, keď nám svitne, že sme to nikdy nemali na dosah. Fellini sa príliš nelíši od jasnovidkyni Mayy vo filme, ktorá, zdá sa, vie, na čo si všetci myslia: zručnosť, ktorú jej asistent pripisuje telepatii. Keď sa náš hlavný hrdina Guido spýta asistentky, ako to robí, jednoducho poznamenáva: „Je to čiastočne trik a čiastočne skutočné. Neviem, ale stáva sa. “ Žiadne slová nemôžu byť výstižnejšie na opísanie filmu.

8. Siedma pečať (1957)

Už od prvých obrázkov ikonického dokumentu Bergmana o viere, strachu a spokojnosti je na vás kúzlo. Prudký, zrnitý pohľad na more, pobrežie a na neho odvážny rytier a jeho osudové stretnutie s personifikáciou smrti definuje objektívnu jasnosť filmu, aj keď ponecháva priestor neustálej prítomnosti zvodnej, až desivej nejasnosti. Využije magnetické predstavenie neporovnateľného Maxa von Sydowa a skupiny hercov, ktorí povýšia Bergmanov úžasný materiál založený na jeho hre „Wood Painting“ na neočakávané úrovne. „Siedma pečať“ má počas svojich skromných 90 minút vplyv stará bájka odovzdávaná generáciami, ktorá poháňa predstavivosť oveľa expanzívnejšiu, ako môže dúfať. Šumivá, svieža čierno-biela od Gunnara Fischera zaručuje, že intenzita útrap sa plazí pod našu pokožku. Plynulosť ako prúd je výsledkom rozprávania rozvinutého so vznešenou istotou a hmatateľnou vyrovnanosťou. Môže to byť úplne jednoduchý príbeh, ktorý napriek tomu v lone ukrýva cenné nápady, ale je šitý látkou tak zložitou a odvážnou, že si nemôžete pomôcť a znova sa na ňu pozriete znova a znova, aby sa pretavila do trvalej pamäti.

7. Stalker (1979)

Udržiavanie svojich menších potomkov, medzi ktorých patrí nesmierne úspešný televízny seriál „Westworld“, nemôže byť preceňovaný kolosálnym vplyvom „Stalker’s“ na vizuálne rozprávanie. Myšlienky - filozofické, duchovné a vedecké - ako aj ich obratné a slávne filmové skúmanie filmu „Stalker“ našli svoje dojmy v mnohých sci-fi, ktoré po ňom prídu. Nie je to ani tak kĺzavé, tranze vyvolávajúce a v bodoch abstraktné tempo alebo dušou strhujúce použitie monochromatickej sépie mimo „zónu“ a farby odtlačkov miest v Estónsku, ktoré sa zrkadlili v práci filmových tvorcov ako Terrence Malick a Lav Diaz, aby sme vymenovali aspoň niektoré, ale pretrvávajúca trpezlivosť a pokora. Tarkovskij, ktorý divákom prevažne odovzdáva filozofické kraľovania, necháva divákom toľko priestoru, aby pre seba objavili viac metafyzických aspektov filmu, že dokonca aj jeho bezkonkurenčná doslovná a vizuálna poézia sa javí ako taký výmysel našej fabulácie, ako aj jeho a jeho spolupracovníkov “.

6. Apokalypsa teraz (1979)

Vojnový film sa môže stať nepravdepodobnou voľbou. Ale ako som už povedal, skvelé filmy vychádzajú z prekážok ich žánrov. Film „Apokalypsa teraz“ je všeobecne považovaný za najväčší vojnový film, aký bol kedy natočený. Ale v jadre ide o film, ktorý skúma aj existencializmus. Cesta kapitána Willarda do temnej dediny v Kambodži s cieľom zavraždiť záhadného renegátskeho armádneho dôstojníka slúži ako vizuálna metafora pre črevnú cestu človeka do priepasti existencie. „Apokalypsa teraz“ je o Willardovom hľadaní odpovedí. S ním na jeho ceste spochybňujeme morálku vytvorenú civilizovanou spoločnosťou maskovanou pokrytectvom a megalomániou. Jeho čudná, záhadná fascinácia pre plukovníka Kurtza vrcholí objavom vojnových končín, ktoré z človeka mohli urobiť necivilizované zviera.

5. 400 úderov (1959)

Film „400 úderov“ od Françoisa Truffauta je skutočným umeleckým dielom prameniacim zo skutočnej bolesti. Skutočne úprimné a hlboko osobné dielo, venoval Truffaut film svojmu duchovnému otcovi a medzinárodne uznávanému filmovému teoretikovi André Bazinovi. Truffautovo vlastné detstvo bolo výrazne autobiografické a trápilo ho to, čo sa vo filme veľmi výrazne odzrkadľuje. Navonok je film o kriminalite mladistvých a adolescentov, ktorá je často vedená spoločenským a rodičovským zanedbávaním. Pozri sa trochu hlbšie a nájdeš film o nádeji; to je intenzívne a terapeutické. Antoine Doinel, hlavný hrdina, je do istej miery strohým zastúpením spoločnosti samotnej, spoločnosti, ktorá skrýva svoje vlastné zlyhania za pravidlami, trestami a rozsudkami. Film plynie ako rieka a vedie divákov po ceste nádeje, zúfalstva, empatie a dokonca úplného hnevu. Ak ste niekedy chceli vidieť, ako vyzerá majstrovské dielo, nehľadajte nič iné ako „The 400 Blows“.

4. Tokijský príbeh (1953)

„Tokijský príbeh“ je to, po čom túži každý filmár, ktorý chce povedať zmysluplný príbeh. Je zrejmé, že všetky zaostávajú! Niet lepšieho príkladu filmu, ktorý podáva epický príbeh takým jednoduchým, ale majstrovským, efektívnym a nezabudnuteľným spôsobom. Vďaka filmu „Tokijský príbeh“ dosiahol Yasujiro Ozu niečo, čo je snom každého žijúceho tvorcu: zostať navždy v srdci a mysli publika. Každý, kto videl „Tokijský príbeh“, bude vedieť, o čom hovorím. Film rozpráva príbeh starnúceho tradičného japonského páru, ktorý navštevuje svoje deti v Tokiu, len aby si uvedomil, že ich deti sú príliš zaneprázdnené svojimi životmi, aby sa o ne mohli starať, a kultúrne a emocionálne sa im nesmierne vzdialili. . Na filme je tiež tak úžasná jeho univerzálna téma, ktorej sa môže týkať každý a kdekoľvek. Ozuov štýl filmu tiež zaručuje, že vás pohltí príbeh, ktorý ponúka hlboký pohľad na meniacu sa ľudskú psychiku s meniacimi sa časmi. Jednoducho geniálne!

2. 2001: Vesmírna odysea (1968)

Génius filmu „2001: Vesmírna odysea“ spočíva v tom, že duchovná cesta, ktorou nás vedie, sa nezhoduje s teizmom alebo agnosticizmom ani s ničím konkrétnym - je úplne na publiku, ako chce interpretovať film. To siaha od viery teistu v existenciu vždy tak láskavého, milujúceho Boha, cez cynizmus agnostika až po depresívnu nezmyselnosť života, ktorú by si mohol nihilista zvoliť. Prinajmenšom však Kubrick zistí, akí sme bezvýznamní a aké maličké sú naše takzvané technologické pokroky! Máme svetelné roky, aby sme šli vpred, kým dostaneme odpovede na akékoľvek existenčné otázky, ktoré sa vynárajú v našej mysli.

3. Strom života (2011)

Terrence Malick nikdy nespochybňuje existenciu Boha v „Strome života“. Skutočný pocit údivu z toho však nevyplýva; skôr sa teší z mágie, ktorou je sám život. V ére, keď sa Boh stal prostriedkom na preukázanie nadradenosti a zámienkou na ublíženie alebo dokonca zabitie, predstavuje „Strom života“ krásny, ale rozumný spôsob pohľadu na Boha. Nakoniec je „Strom života“ filmovou básňou mimoriadneho rozsahu a ambícií. Nežiada iba publikum, aby ho pozorovalo, ale aj odrážalo a cítilo. „Strom života“ je v najjednoduchšom prípade príbehom cesty hľadania samého seba. V najkomplexnejšej podobe je to meditácia o ľudskom živote a našom mieste vo veľkej schéme vecí. Nakoniec „Strom života“ môže zmeniť pohľad na život - zmenil ma.

2. Jeanne Dielman, 23 rokov, Quai Du Commerce, 1080 Brusel (1975)

Táto francúzska avantgardná postava v hlavnej úlohe s Delphine Seyrig ako hlavnou postavou nie je obyčajným filmovým zážitkom. Je bližšie k cvičeniu - testu a ovplyvňuje vás spôsobmi, ktoré predtým alebo potom odviedlo niekoľko ďalších filmov. Nezávislé dielo sa zameriava na tri dni v živote osamelého, problémového domáceho majstra, keď prechádza svojím prísnym harmonogramom plným všedných domácich prác. Je matkou a vdovou, ktorá vo večerných hodinách vykonáva sexuálne služby pre pánov, aby si zarobili na živobytie. Problémy nastávajú, keď je druhý deň jej rutina mierne narušená, čo vedie k akoby domino efektu, ktorý sa prejaví v nasledujúcich hodinách. Jeanne Dielman vtiahne človeka do svojho pomalého a meditatívneho sveta s výrazným Akermanovým režijným podpisom zahŕňajúcim diegetickú atmosféru a hypnotickou aurou vyvolanou pokojnou, jemnou a trpezlivou osobnosťou majstrovského diela, ktoré je bolestivou oslavou jednotvárnosti existencie.

1. Náhodný Balthazar (1966)

Pusté majstrovské dielo Roberta Bressona je cvikom na cítenie. Odchádza od definovania jasného protagonistu alebo ústrednej témy, pokiaľ nepočítate zázračnú prírodnú silu, ktorou je Balthazar, a ak vezmete film na pravú mieru, nie. Ale ak mu dovolíte, aby sa stal vašim prístupovým bodom do emočnej a tematickej krajiny filmu, je ťažké sa z neho vrátiť bez odmeny. Balthazarov zvláštny, štíhly a chladný vizuálny štýl sa pri spätnom pohľade zdá byť takmer okázalý; jeho pokojná krehkosť zabalená v rezignovanom, mimoriadne múdrom pocite kontroly. Aj v jeho citeľnej poctivosti sa skrýva študovaná snaha trochu sa zadržať, vyživiť v jeho jednoduchosti nastavenia a charakteru bohatstvo, ktoré divákom zostáva objaviť a v niektorých dychberúcich prípadoch si to predstaviť. Priradenie významu každému okamihu filmu „Balthazar“ nezávisí od toho, či jeho obsah považujeme za alegóriu sociálnej alebo dokonca politickej povahy, ale od spôsobu, akým nás robí cítiť vychutnávaním ich zložitosti a ticha namiesto toho, aby sa spoliehali na bezduchú expozíciu, ku ktorej sa väčšina filmov uchyľuje. Dáva teda dokonalý zmysel, aby hlavným hrdinom bol rovnomenný somár.